LAS CRÓNICAS DE NARNIA: EL LEÓN, LA BRUJA Y EL ROPERO

Cumple con lo que prometía y nada más

Con muy buenos pergaminos se presentaba el neocelandés Andrew Adamson, quien ya había sentado precedentes en la dirección con la magnífica saga de SHREK. Ahora nos trae un filme híbrido (mitad actores y mitad CGI), donde demuestra nuevamente que sabe manejar muy bien el aspecto técnico de los efectos digitales, pero que también es capaz de dirigir actores carne y hueso.

Si bien la película está dirigida especialmente hacia el público infantil, nadie podrá negar lo atrayente que resulta esta cinta desde lo estético y visual para aquel adulto que acompañe en el visionado y que sepa adaptar sus expectativas.

Esta cinta posee una trama muy sencilla, quizás poco desarrollada en los detalles menores, que sigue un estilo narrativo muy estereotipado que está orientado directamente hacia el entretenimiento efectivo, sin mucha elaboración desde el guión.

Desde nuestro punto de vista, la película cumple para el público que sabe que va a ver un filme que está pensado para niños, hay que tener la cautela de no esperar grandes construcciones en el guión, sino un argumento pueril que se basa en la adrenalina y en el vértigo para emocionar y sorprender con tópicos muy vinculados a la fantasía, esa que da muy buenos resultados a la hora de ver las situaciones más excéntricas salidas de la imaginación humana.

Por lo demás, no hay que esperarse grandes sorpresas. Dentro del género creo que no marca nada que no hayamos visto salvando las distancias con la saga de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, sólo que aquí tenemos un producto mucho más humilde desde las ideas, lo cual da por resultado un producto efectivo pero hasta allí nomás.

A parte de la fotografía, del diseño de arte, del maquillaje (oscarizado) y el diseño de vestuario, otro asunto a su favor es la música de Harry Gregson-Williams, quien compone una partitura con rasgos épicos y mágicos gracias a voces corales, a composiciones sinfónicas y a ritmos pegadizos para los momentos de acción.

Un filme aceptable si tomamos en cuenta que es un proyecto circunscrito al espectador ávido de diversión y que sabe gozar con escenarios prodigiosos, criaturas mitológicas, y animales parlantes. Toda una aventura para los sentidos y para el disfrute superfluo, la cual no está hecha para ser pensada ni analizada con detenimiento.

Valoración:

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AMADEUS

Se envidia talento artístico

Negar la calidad técnica de este filme es cosa de necios, si bien creo que a la película le falta como para llegar a ser una obra maestra, es sin dudas un gran acercamiento a los detalles más relevantes de la vida del compositor Wolfgang Amadeus Mozart (aunque haya que tener reparos en la veracidad histórica de este filme).

Esta cinta es considerada como un gran clásico, un filme de maravillosas cualidades al que se le han otorgado 8 premios Oscars y tres nominaciones más. En parte me sumo al reconocimiento generalizado de la crítica especializada y del público en general, no obstante en mi fuero íntimo no puedo dejar de reconocer que la película no me ha colmado en mis expectativas. En buen criollo, a este filme lo han inflado demasiado y quizás no tenga la suficiencia narrativa ni la intensidad necesaria para impactar con sus circunstancias.

Desde el guión hay una historia ciclotímica, que por momentos contagia al espectador de la necesidad de involucrarse con los aspectos relatados de la patológica relación entre Antonio Salieri y el joven Mozart, pero que en otros se pierde mucho en detallar sus óperas (las cuales son bellísimas, aunque un tanto redundantes en el filme) por lo que a mi criterio vamos perdiendo identificación y no se produce el tan necesario crecimiento desde lo dramático como para que la cinta conmueva. Y es una historia para estremecer, hay materia prima al respecto en la obra de Peter Shaffer.

Ahora bien, y aunque cuestione parcialmente su guión, he de alabar las prodigiosas actuaciones, en primer lugar de F. Murray Abraham como Salieri. Una estupenda composición, una labor histriónica de antología encarnando la desazón de ya no sentirse más un iluminado de Dios y reconociendo que en ese jovencito ramplón de apellido Mozart hay mucho talento innato que lo relega a ser un mediocre compositor al que le dominará la envidia a extremos enfermizos.

Un escalón más abajo, pero destacable al fin es lo de Tom Hulce, quien realiza la actuación de su vida y nos da una versión simpática, demencial y efusiva de Mozart, un genio con mayúsculas. Una imagen chocante, contradictoria, donde el talento y la inmadurez parecen encajar perfectamente en una persona con aptitudes extraordinarias para la música. En el filme tenemos a un Mozart ingenuo, dicharachero que contrasta con lo malintencionado y orgulloso de Salieri. Allí, en esa relación descansa gran parte del atractivo del filme, el cual no deja de ser una simpática oferta además de un interesante trabajo que nos empapa sobre algunos de los detalles más importantes de estos compositores.

Lo demás, como dije es sólo para encomiar: vestuario, sonido, ambientación y dirección artítica dan por resultado un filme que nos acerca en forma idónea a la música de Mozart y que merece un lugarcito entre las grandes obras que ha dado el cine moderno.

Valoración:

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REDS

Es de destacar que este debe ser el primer filme americano que tiene por protagonista a un comunista (John “Jack” Reed) y que está caracterizado como una persona honesta. Creo que es lo más importante del filme, junto por supuesto a los detalles biográficos e históricos que otorgan a la cinta un valor extra para quien esté realmente interesado en las ideas de izquierda muy estrictamente ligada a la revolución rusa.

La cinta nos muestra en sus 200 minutos (muy extensa para mi gusto, sin dudas) cómo se produce esa transformación en un hombre idealista que quería importar a EEUU las ideas surgidas de la agitada Rusia.

Tenemos en principio a un John Reed periodista burgués y bonachón que pasará a convertirse en el rebelde radical de Greenwitch Village, para terminar transformándose en un revolucionario de los bolcheviques. Muchas ideas de comunismo, como dije extrañamente bien tratadas por el cine americano y que para mayor asombro estuvo considerada para los premios Oscar (3 premios obtenidos y 9 nominaciones más). El filme aborda correctamente y hasta me animo a decir en forma imparcial el tema de la revolución rusa, bien sabiendo que los americanos siempre han sido acérrimos críticos de ese acontecimiento con su típica concepción anticomunista.

Bueno, aquí en esta película seguimos las alternativas de un grupo de activistas que estaban en contra del modelo imperante en Norteamérica. Y en medio de todos los conceptos políticos que se abordan en el filme, tenemos una historia de amor que para mi gusto está muy bien retratada. No es la típica narración edulcorada, sino que en ese matrimonio hay discusiones encarnizadas por diferentes ideales, infidelidades y demás avatares propios de la relación de pareja. No obstante, creo que el filme va más allá de una simple historia de enamorados, hay mucho de documento histórico, correctamente llevado a la pantalla por Warren Beatty, quien además posee un magnífico protagónico dando vida al periodista agitador John Reed. Está muy bien acompañado por Diane Keaton como Louise Bryant, su amada esposa y compañera en ideales revolucionarios. Poca aparición en cámara en lo que para mí es un desaprovechado Jack Nicholson, un cameo de Gene Hackman y una correcta interpretación soporte de Maureen Stapleton (quien a mi juicio obtiene un inmerecido Oscar pues no considero que su aporte histriónico haya sido tan notable dentro del filme).

En definitivas, un filme recomendable con reservas, la primera hora del filme se hace bastante pesada hasta que la intensidad y los intereses empiezan a aflorar. No obstante, la recomiendo con un “aceptable” por ser una opción arriesgada del americano Warren Beatty de mostrar a la izquierda como una opción válida y exponer las características del radicalismo americano.

Valoración:

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BATTLE ROYALE

Basada en la novela homónima de Koshun Takami, ésta es la película número 60 de Fujiwara, especializado en cine sobre la yakuza y al que Tarantino ha reconocido como una clara influencia.

El filme trata de manera poco ortodoxa y al estilo comic temas como la violencia juvenil, los compartamientos psicóticos, los desmadres de los adolescentes en una perfecta simbiosis con el autoritarismo de un régimen que quiere imponer el orden y el respeto a toda costa.

El atractivo de la película reside en cómo cada uno de los personajes reacciona de un modo distinto ante la dramática situación a la que se enfrentan: héroes solitarios que piensan en ellos mismos los que prefieren el trabajo en grupo, el que asesina a sus compañeros sin contemplaciones, los que toman la vía del suicidio, el que abandona de manera enérgica nos pone a constantes pruebas morales: matar a tu mejor amigo para sobrevivir, traicionar la amistad. De esta manera reflexionamos los peligros que acarrea para una sociedad la adolescencia mal educada, donde la competencia desmedida lleva a límites verdaderamente insospechados.

Para reflexionar y entretenerse con violencia que no llega a ser gore, pero que le falta poco.

Valoración:

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ARMA MORTAL 4

Acción y humor, junto a una buena química de los personajes

Un clásico de acción que no da respiro, dinamismo a raudales en combinación con toques cómicos que son acertados y que le imprimen al filme un dejo de simpatía que cae bien.

Sin dudas que fue y sigue siendo (por ello es un clásico que no envejece) una película que marcó el cine de género. Quién no vibró o al menos esbozó una sonrisa con esta pareja de policías tan despareja, y más aún en esta primera entrega que es donde conocemos esos personajes tan especiales. Le elogio al filme, y sobre todo a su guionista Shane Black (un símbolo dentro del género de acción), la caracterización de los personajes. Encajan perfectamente dentro de una historia que está hecha para entretener, pero que contagia al espectador con los sentimientos y las vivencias de la pareja de policías que se entregan del todo a la resolución de un caso muy riesgoso. Por un lado, la locura y la depresión del sargento Martin Riggs (Mel Gibson) con tendencias suicidas a quien no le importa morir cumpliendo su deber, combinado con la experiencia y la sobriedad del sargento próximo a retirarse Murtaugh (Danny Glover); hacen que este dúo se destaque y sea el elemento más atrayente de la cinta. Además tenemos todo un despliegue de producción notorio donde abundan conseguidos efectos especiales y un sonido de altísima calidad que obtuvo inclusive la nominación a los premios Oscar.

Una película que te entretiene de principio a fin y que además de shockear con su vertiginosa puesta en escena, también logra la empatía al identificarnos afectivamente con la pareja de atípicos personajes que poseen buena química y sintonizan la misma frecuencia.

Gran carisma la de estos dos actores que consagraron y reafirmaron a la fama mundial con esta cinta ochentera llena de variantes más que aceptables por ser un mero filme que se propone distraer con suficientes acentos humorísticos muy efectivos.

Valoración:

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EL ÁNGEL EXTERMINADOR

Una película surrealista, de principio a fin que demuestra cómo se puede criticar mediante un toque muy tenue e indirecto a la burguesía.
Debemos dejar la lógica a un lado, e internarnos en una historia que deja mensajes en todos los frentes de análisis.

En la cinta hay una combinación de estrategias innovadoras que llevan inexorablemente a la confusión del espectador, ya que Buñuel no brinda demasiados detalles como para encarar un análisis lógico del planteo de la situación, del guión en sí. Pero indudablemente que en un nivel de lectura reflexiva más profundo, nos vamos dando cuenta del trasfondo discursivo de esta obra.

La trama se desarrolla a través de repeticiones de escenas, que quizás parezcan inútiles, pero constituye una característica muy propia de Buñuel basarse en esta técnica de repetir voluntariamente situaciones, pero desde otros encuadres. El director defendía a las mismas justificándolas como que poseían un poder hipnótico para el espectador.
Obviamente que eran otras épocas, distinto público y disímiles las opciones que estaban en boga en el mercado por entonces. Hoy por hoy, difícilmente el simple espectador le de el valor y la importancia que en realidad posee.

Apuntando directamente al núcleo temático del filme, la película es una suerte de ataque hacia la burguesía, se nota que Buñuel realmente despreciaba esa condición social, se evidencia en cada fotograma de este filme, en cómo muestra a personajes cínicos, enojosos, conservadores, rígidos y formales que ante una situación adversa se pelean, y nunca buscan una estrategia común para afrontar las dificultades y llegar a una solución en forma mancomunada. Al contrario, se los muestra como un grupo de personas inoperantes, que les cuesta saber solucionar un problema que analizado desde la luz de la lógica, se presenta como de fácil solución. No obstante, ellos se enredan y complican la situación perdiendo el dominio de ellos mismos y llegando hasta los impulsos más primitivos del ser humano. Algo que dista mucha de las formas y modales de la alta sociedad. La idea es tan clara como sutil, mostrar la burguesía como una clase decadente, poco imaginativa y absolutamente individualista, con muchas características de egoísmo frente a una situación límite de supervivencia.

Buñuel los presenta en forma caótica, como seres incompetentes que a pesar de su status no pueden siquiera llegar a comprender el por qué de la situación que los aqueja.

La huída de los sirvientes lo percibí como “que se arreglen como puedan”, al ser de otro estrato social, ellos intuían lo que se venía y por ello inconscientemente los dejan librados a su suerte.

El entorno que los espera afuera tampoco quiere ayudarles, son insensibles ante la situación, y ello se ve reflejado en el niño que duda en acercarse a la casa como para ofrecer ayuda, también les da la espalda.

Buñuel relaja a esta clase social, la degrada a la imagen de la inutilidad y el cinismo, un mensaje muy fuerte pero que viene muy solapado en un guión que es simple y sencillo, que en realidad esconde toda esta diatriba hacia los burgueses a través del eufemismo.

Un panorama punzante que embate con todas sus fuerzas a cuestionar el estilo de vida de esta clase social signado por el desprecio hacia los demás y a sus convicciones estructuradas que poco le sirven en una situación como la que le plantea en forma sagaz Buñuel.

Valoración:

• Ficha de la película