(Re)evaluando la animación en Perú

El viernes pasado tuve la oportunidad tuve la oportunidad de dar una “exposición” en la PUCP. Nada muy importante, solo conté un par de experiencias al trabajar en animaciones durante mi tiempo de estudiante. Luego tomó la palabra un representante de Alpamayo Entertainment para explicar cómo se trabaja una película animada en nuestro país. Entonces decidí quedarme para ver qué tenían que decir sobre el tema.

Fue una presentación bastante larga, y la gente empezó a hacer murmullos un poco molestos (espero que no haya sido así durante mis diapositivas). La verdad, el contenido dejó bastante que desear. Se presentó el trailer (no para vender la película a la audiencia, sino para vender la idea a la compañía productora), y luego se habló un poco del proceso de investigación para los modelos en CGI (Computer Generated Image, Imágenes Generadas por Computadora). Pasamos velozmente por la teoría de lo que es animación (24 imágenes por segundo, 28 ó 30 cuadros en otros casos) y en el resto del tiempo se habló del proceso de modelar, texturizar y luces.

Al final, las preguntas del público. Una de ellas, la que más me interesó fue más o menos así: “Si aún no dominamos el arte de animación 2D, ¿qué hacen trabajando en 3D?” La respuesta era sencilla, por cosas del presupuesto… Las películas en 3D cuestan una tercera parte de lo que costaría una de animación en 2D. Básicamente, tenemos un grupo de personas creando filmes animados desde el punto de vista corporativo. Estos filmes son tratados como productos comerciales, y no como arte.

Tomemos el caso de los inicios de Pixar como estudio. Eran un grupo de animadores, que habían estudiado en los talleres de (y trabajado para) Disney, buscando un nuevo medio. Los primeros cortos de Pixar no fueron perfectos (pero sí con mucho corazón… ¡LUXO!), e incluso estuvieron muy cerca de cerrar. Finalmente, Pixar encontró un punto donde centrarse… Un factor muy importante, que parece estar siendo olvidado en las últimas animaciones Disney: contar una historia.

La historia que narramos es la esencia de una película animada, sin importar el medio –sea 2D, 3D, stop motion o mixed media– es lo que tenemos que decir, nuestros personajes y el mundo que creamos. El mejor ejemplo puede ser Studio Ghibli, quienes no sólo han creado universos distintos para grandes y chicos, sino también siguen perfeccionando su técnica en animación. Los mismos de Pixar nombran a Ghibli como una de sus influencias…

Luego de nuestra historia, que es la base y el corazón de todo nuestro filme, tenemos a la animación como forma de arte. OK, una película en 3D puede ser hecho en menos tiempo y con menos dinero que una en 2D, pero esto no quiere decir que tus animadores en 3D no tengan una base de animación tradicional. El representante de Alpamayo dijo que habían muchos modeladores en Lima (¿Perú?), pero que no habían muchos animadores. ¡He ahí el problema! ¡No tenemos animadores! ¡Y nuestras escuelas de animación solo enseñan a modelar!

No se puede decir que le va mal financieramente a Alpamayo, ¿no? Entonces, porqué no invertir en capacitar a tus animadores claves para que ellos a su vez capaciten a sus estudiantes en la escuela de animación. Sería una sabia inversión.

Tómense más de 2 horas en decidir qué historia quieren contar, demoren en escribir el guión (o en adaptarlo, en caso de ser un libro), trabajen con escritores que tengan experiencia en el medio (cinematográfico) y olviden la idea del primo del hijo del director. Dejemos esto para gente como Hayao Miyazaki.

Además, en lo que respecta al doblaje, dejen de imitar a la industria japonesa -que ya ha perfeccionado la técnica de animación y “actuación de voz”- y ayuden a sus pocos animadores con la técnica Disney/Pixar. Voz antes de animar. Le da la libertad al actor de expresarse como el personaje y facilita el trabajo de un animador inexperto. Recuerden: ¡¡Todo animador es un actor!!