SHINE A LIGHT: Especial

El director ganador del Oscar, Martin Scorsese se unió a un equipo de ganadores para lograr captar la energía de la mejor banda de rock & roll del mundo en 2 conciertos en el Beacon Theatre que tuvieron lugar el 29 de octubre y el 1º de noviembre de 2006.

Usaron 16 cámaras de 35 mm y una Genesis de alta definición para filmar a más de medio millón de pies del escenario. El ganador del Oscar, Robert Richardson (EL AVIADOR, JFK) supervisó al equipo que incluía a varios de los más aclamados directores de fotografía: el ganador del Oscar, John Toll (EL ÚLTIMO SAMURAI y CORAZÓN VALIENTE); el ganador del Oscar, Andrew Lesnie (La trilogía de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, KING KONG); el nominado al Oscar Stuart Dryburgh (THE PAINTED VEIL), el nominado al Oscar Robert Elswit (MAGNOLIA, GOOD NIGHT AND GOOD LUCK); el nominado al Oscar Emmanuel Lubezki (UNA SERIE DE EVENTOS DESAFORTUNADOS, EL JINETE SIN CABEZA) y Ellen Kuras (SUMMER OF SAM, ETERNO RESPLANDOR DE UNA MENTE SIN RECUERDOS). La película fue editada por David Tedeschi, quien recibió una nominación a los premios Emmy por su trabajo con Scorsese en el aclamado documental de Bob Dylan, NO DIRECTION HOME: BOB DYLAN.

Con actuaciones especiales de Jack White de The White Stripes, Christina Aguilera y Buddy Guy, los dos conciertos en el Beacon son el corazón de esta película. SHINE A LIGHT también cuenta con material de archivo, detrás de escena y entrevistas usando DV Cam de alta definición de 16 mm y de 8 mm.

Con todo el material filmado, Scorsese ha creado una extraordinaria película de música y le ha permitido al público en general acceder, como nunca antes, a los Rolling Stones dentro y fuera del escenario.

Producida y financiada por Steve Bing de Shangri-La Entertainment y por el promotor desde hace mucho tiempo de las giras de los Stones, Michael Cohl, los productores son Victoria Pearman, Michael Cohl, Zane Weiner y Steve Bing. Los productores ejecutivos con los integrantes de la banda, Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ronnie Wood, con Jane Rose como co-productora ejecutiva.

Fantástico y lujoso documental

SHINE A LIGHT documenta una asombrosa actuación de la que sin duda es la banda más grande de la historia del rock and roll, rodada por uno de los más legendarios directores americanos y un equipo de estrellas de la cámara y la cinematografía. La película se llevó a cabo en un momento único en que todas estas fuerzas estelares se alinearon en Nueva York y fueron capaces de capturar esa gran actuación en celuloide.

La idea se forjó en Mick Jagger, mientras se encontraba en medio de la gira mundial de “A Bigger Bang”. Su idea en principio era hacer una película sobre la gira y Jagger tenía además en mente filmar el mejor concierto en la historia de The Rolling Stones: “Al principio pensé que sería algún tipo de grabación sobre la gira, y como íbamos a hacer este gran concierto en Rio de Janeiro, en la playa, empecé a pensar que sería distinto a otros conciertos. Iba a ser un gran evento, un millón de personas en la playa, un público gigantesco, una gran ocasión. Habría mucho material para rodar. Llegamos a realizar un presupuesto para hacerlo”, comenta Jagger.

Una vez que las ruedas de acero de esta colosal empresa se pusieron en movimiento, el siguiente paso lógico era encontrar un director adecuado para esta misión. Para Jagger la respuesta era obvia: “Empezamos a pensar que si íbamos a hacer esto debíamos buscar un director de los grandes. Es bueno empezar en lo más alto”, dice Jagger sonriendo. “Martin Scorsese es quizás el director americano con más talento y los Rolling Stones somos, bueno, ya sabes, una buena banda de rock, con un enfoque artesanal y clásico de las cosas, la combinación de ambos puede resultar, esperemos, en un par de horas interesantes”.

Keith Richards es también un gran fan de Scorsese y dice que ha estudiado cada una de sus películas. “De alguna de ellas me sé casi todos los diálogos. Sólo escuché que Marty podría rodar a los Stones, y dije, yeah!!! Si te dan la oportunidad de que te filme uno de los grandes, ¿quién diría que no?”

¿Y cuál fue la respuesta de Scorsese a la propuesta? Creo que simplemente dijo: “Por supuesto”, comenta Pearman. “Al principio recibí una llamada de su manager diciendo que les encantaría hacerlo. Entonces empezamos con las reuniones y a discutir el tema, y vimos que se trataba de una gira mundial tan enorme que, por razones logísticas, sería muy difícil reunir a toda la gente a la vez en el mismo lugar sólo para hablar sobre el proyecto”.

Jane Rose, manager de Richards durante 25 años, y productora ejecutiva, describe el proceso: “Cuando nos enteramos de que Marty quería hacer la película, se reunió con Keith, y tuvieron una larga conversación sobre la historia del cine. Keith siente un gran respeto por él y estaba encantado de que le fuera a dirigir el director de Good Fellas. Confiaba en él plenamente”.

Una vez que Scorsese estuvo a bordo, lo siguiente eran los productores. Llegó la participación de Steve Bing con el apoyo financiero de Shangri-La Entertainment, que ya tenían experiencia en este tipo proyectos gracias a haber participado en el concierto documental “Neil Young: Heart of Gold” y también llegó Michael Cohl, quien ha producido ya otros documentales sobre los Stones en el pasado. Esto dio forma al proyecto y lo llevó adelante.

Se celebraron reuniones para pulir los detalles del proyecto: “Tuvimos esta increíble reunión en mi habitación de hotel” dice Jagger. “Había una tormenta enorme, soplaba el viento, había una ventana que no se cerraba, las cortinas se agitaban y la araña del techo se movían de lado a lado. Hablamos de rodar en 3-D e IMAX, porque iba a ser algo muy grande, yo pensaba que iba a ser algo muy grande y Marty parecía muy excitado con la idea”.

Jagger invitó al director a verles en gira, y Scorsese aceptó. Sin embargo la idea de filmar un gran concierto dio paso a otro enfoque.

“Cada vez que les veía tocar, a veces desde lejos, a veces desde el escenario, me obsesionaba más y más con filmar eso”, comenta Scorsese. “Hablamos de hacer una película sobre la gira, pero en un cierto momento pensé que hacer algo más íntimo iba más conmigo como cineasta y facilitaría una mejor conexión entre el público y la banda”.

Además, como dice Scorsese, un concierto de los Stones es ya de por sí un espectáculo tan grande, que ofrecer un concierto en un local más pequeño daría una perspectiva nueva de la legendaria banda. “Fui a verles de nuevo, y les vi en una pantalla. Estaban siendo rodados por 50 cámaras, ¿qué podía aportar yo a eso?, y pensé en convencerles para que tocaran en un sitio más pequeño, como el Beacon Theater de Nueva York y filmarlo con los mejores cámaras del mundo”.

Y los convenció. Aunque a Jagger le costó decir adiós a su proyecto inicial, es difícil discutir el plan del director. “Marty vino y dijo que había estado pensando sobre el asunto, y que quería hacer algo más íntimo. Así fuimos de un extremo al otro, de un concierto para un millón de personas a algo pequeño. Le dije, Marty, ¿sabes que no tenemos ningún local pequeño en esta gira, verdad? y además tenemos el calendario completo, ¿cómo lo vamos a hacer?”

“Y bueno, me costó bastante hacerme a la idea porque estaba bastante convencido del tema del show gigantesco. En mi cabeza era algo increíble para un director poder rodar algo así, enorme, en la playa, en Brasil. Habría mucha acción, mucha gente y mucha música distinta”.

Richards también fue receptivo a la idea de tocar en ese teatro, dónde además ya había tocado antes con su banda The X-pensive Winos: “La idea de hacerlo en el Beacon era fantástica, yo había tocado allí con los Winos. Hicimos cinco noches allí, así que conocía bien la sala”.

Una preocupación mayor para Richards era el posible choque entre la banda y el equipo de rodaje durante el concierto. “Le pregunté a Scorsese si creía que se podría hacer sin que fuéramos conscientes de las cámaras, porque si no sería una película, no un concierto. No habría espontaneidad si todo el mundo estuviera pendiente de que Martin Scorsese les estaba grabando”.

Para Scorsese el Beacon era el escenario perfecto, lo suficientemente grande para que hubiera espacio para las cámaras, luces, carriles para las dolly, pero lo suficientemente pequeño para capturar de cerca la química de los Stones.

“Me gustaba el Beacon Theatre de Nueva York. El escenario tenía el tamaño justo para filmar, pero también había espacio para que los Stones se movieran. Así pronto pasamos a la fase de ver cómo juntaríamos el rodaje de una película con un concierto de los Stones en el mismo escenario. Quería capturar la música y la interacción en el escenario, quería que la gente se sintiera como si estuviera arriba en el escenario, con ellos. En el montaje, quedó claro que cada canción tiene su propia historia que contar, era como si las escucháramos por primera vez. Es fascinante como funcionan esas canciones, de forma casi chamanística, son como hechizos, algo primario pero muy pensado a la vez. Cada miembro de los Stones tiene su propia personalidad y una manera de relacionarse con los otros y estás en la mejor posición para verles actuar y ver cómo envuelven al público en sus manos y básicamente lo llevan donde quieren”, dice Scorsese.

El director capturó la electricidad del show con la ayuda de más de 18 cámaras, rodando cada retazo de acción desde todos los ángulos imaginables. Esas cámaras estaban manejadas por algunos de los mejores directores de fotografía del mundo, incluyendo a Albert Maysles, quien dirigió a los Stones en “Gimme Shelter”, al 2 veces ganador del Oscar John Toll , todos trabajando coordinados por Robert Richardson, director de fotografía habitual de Scorsese y ganador de dos Oscars por EL AVIADOR y por JFK de Oliver Stone, además de haber sido nominado en otras tres ocasiones. Richardson fue el responsable por ejemplo del esquema de luces, cosas como el muro de luz que estalla cuando Jagger entra en el teatro por la parte trasera de la sala.

Todo cayó en su sitio. Jagger alaba la lealtad para con su proyecto de Scorsese, y su capacidad para mantener el control sobre los elementos en un espacio pequeño. “Pienso que por eso Marty no quería hacerlo en un sitio grande, porque de esa manera estás retirado del escenario, y no tienes esa relación entre el público y la banda. Sé que Marty había visto nuestra película en IMAX y que le parecía que era algo impersonal. Además quería estar en un espacio pequeño lleno de cámaras captando un montón de ángulos, lo que te proporciona un mayor control”.

Esto no quiere decir que rodar en una sala más pequeña fuera algo fácil, para el director o la banda. De hecho la primera noche en el Beacon sirvió como una especie de ensayo y calentamiento, y la mayoría del material proviene de la segunda noche. “Hablamos sobre todas las cámaras y el único problema que vimos es que cada vez que una cámara se mueve necesita mucho espacio. Querían un montón de carriles para mover las cámaras y grúas, de todo, pero no había mucho espacio en la sala ni en el escenario. Si colocas dos grandes grúas en el escenario no queda mucho espacio libre, así que hubo que hacer recortes. Aprendimos mucho la primera noche. Fuimos mucho más eficientes la segunda”, informa Jagger.

El proceso de documentar a los Stones generó algo de tensión creativa en Scorsese, algo que revela con humor irónico los primeros fotogramas de la película, y algo que también estuvo presente tras la cámara. “Yo quería ver la música, pero tienes que darte cuenta de que si pones cinco cámaras delante de una persona que no para de moverse, es fácil que choque con alguna de ellas. Así que fue cuestión de probar y equivocarse y corregir, y tuvo mérito teniendo en cuenta que ellos estaban constantemente de gira y yo estaba terminando Infiltrados, así que fue imposible reunirnos todos de manera consistente hasta una semana antes del rodaje. Así tuve que pensar la forma de capturar todo ese movimiento con las cámaras mientras ellos también se movían. No quería inhibirlos de ninguna manera pero también quería las mejores tomas posibles”.

Había dos estilos artísticos opuestos trabajando juntos, la legendaria meticulosidad de Scorsese y la espontaneidad desenfrenada de los Stones.

“Lo preparé todo meticulosamente, pero sabía que el 75% no saldría como estaba planeado, y por otra parte quería que todo saliera bien. Las cámaras tenían que estar en su sitio para capturarlo todo. Esa era la tensión. En último término había ciertos movimientos con las grúas, que pedí específicamente para algunos pasajes y los conseguimos”, dice Scorsese.

También se preparó para la impulsividad de los Stones sobre el escenario con la ayuda de las muchas cámaras y de los más aclamados directores de fotografía del mundo que las manejaban.

“Una vez que designamos con qué Stone trabajaba cada director de fotografía, planeamos los seguimientos. Sabía que si Mick salía del rango de cámara de John Toll, sería recogido por otro. Tenía un gran monitor delante y si veía que algo realmente se nos estaba escapando podía decirle a la cámara número 15 que siguiera donde la 12 lo había perdido. En un principio, una vez que sabíamos los parámetros de los movimientos, de quién sigue a quien, de cómo se superponen planos, ya teníamos la base para poder trabajar. Todas esas cámaras también nos ayudaban con el problema del enfoque, porque los Stones se mueven rápido, son muy espontáneos y sería una pena tener el movimiento y no tenerlo enfocado. Así que si teníamos una cámara asignada a una posición, Richardson establecía otra para respaldar a ésta, en otra posición, sobretodo para conseguir un buen enfoque. Las imágenes primarias salen de unas cámaras y las demás son refuerzos, se intenta rellenar espacios y conseguir las mejores composiciones en situaciones imposibles”.

Pearman destaca el espíritu incluyente y aglutinador de Scorsese para conseguir que banda y equipo trabajaran juntos por el éxito de la producción: “Lo maravilloso de Marty es que es muy colaborador, y que siente un gran respeto por la música. Fue fantástico contemplar tanto respeto mutuo entre las partes implicadas, ver la colaboración y haber podido trabajar como productora.”

“Una las mejores cosas sobre la forma en que Marty lo organizó todo es que realmente te olvidabas de que se estaba grabando algo”, comenta Richards. “Estamos acostumbrados a las cámaras para las pantallas de video, pero aunque teníamos 16 cámaras delante, no lo hubieras dicho. Marty las disimuló muy bien. No sentí que estaba actuando para las cámaras, no más que cualquier otro concierto”. “Es un placer trabajar con él, y muy fácil”, dice el guitarrista Ron Wood. “Me gusta su ética de trabajo y su credibilidad, es como un chaval de instituto pero mayor, con una actitud relajada, en plan, disfrutemos, riamos y vayamos a por el trabajo, a ver qué sale. Es un tipo muy cálido, y creo que saca lo mejor de ti, sea lo que sea. Te hace sentir cómodo, incluso con todas esas cámaras alrededor. Miraras donde miraras veías un trípode enorme con un aparato enorme encima y alguien señalando a alguien. Pero tenías que concentrarte en la música que era lo que Marty quería.” Las canciones de los Stones han aparecido a menudo en películas de Scorsese, declara Pearman: “Ha usado canciones de los Stones en muchas de sus películas y siente un enorme respeto por ellos”.

“Sus canciones siempre han resultado extraordinariamente bien en el cine, hay una energía, y una autoridad en su música… He utilizado Gimme Shelter en dos de mis películas. La idea de que estamos solos, pero a veces necesitamos un refugio, y no lo voy a conseguir de ti y voy a tener que buscarlo yo mismo, es un reflejo de la desesperación que existió en cierto momento de los 60 pero también es algo contemporáneo, por eso la volví a utilizar para Infiltrados, es un reflejo de dónde nos encontramos hoy en día. Esa película retrata como una zona 0 moral, no sabes la posición de nadie, nadie parece decir la verdad, ¿y qué demonios significa la verdad de todas maneras? Gimme Shelter era la única que parecía funcionar.”

Mucho antes de que Scorsese se convirtiera en un director famoso, antes incluso de que viera a los Stones en directo, la música de la banda le habló en un lenguaje cinematográfico.

“Su música era una inspiración. Los Stones tienen una fuerza muy poderosa para la música y el sonido que crean. Tiene que ver con la forma en que la banda se orquesta, el uso de las guitarras y la batería y el sonido de la voz de Mick. Hice mis primeros cortometrajes en 1963 ó 1964, y cierta música creó unas impresiones visuales en mi mente que han permanecido conmigo. Los Stones fueron claves creando imágenes en mi imaginación, sentimientos e impresiones que encontraron su camino en muchas de mis películas. El sello de MALAS CALLES, por ejemplo, fue Jumpin Jack Flash. Todo esto ocurrió incluso antes de que los viera en persona. La primera vez que los vi fue en el Madison Square Garden, o al menos algo que se les parecía, porque estaba sentado muy alto en los asientos malos. Pero para entonces ya estaba hecho en mi cabeza. En otras palabras, creaba guiones en mi cabeza mientras escuchaba su música”, dice.

Richards y los Stones no son novatos en el tratamiento cinematográfico por los grandes maestros. De los más de 18 documentales que se han hecho sobre ellos, SHINE A LIGHT es uno más de la docena encabezados por un “autor”. Está el que hizo Jean Luc Godard en 1968 desde una postura activista-arribista, SYMPATHY FOR THE DEVIL: ONE PLUS ONE; el documental de limitado estreno de Robert Frank (fue mostrado en público quizás 3 veces), sobre su depravada vida durante las giras, COCKSUCKER BLUES; el filme artístico de Peter Whitehead CHARLIE IS MY DARLING; el GIMME SHELTER de los hermanos Maysles, y el LET’S SPEND THE NIGHT TOGETHER de Hal Ashby. Seguidor del cine como es, Richards dice: “No hay que olvidar HAILl!, HAIL!, ROCK AND ROLL, un documental de Taylor Hackford sobre un legendario concierto de Chuck Berry, en el cual Richards aparece y que también coprodujo. “Para mí, SHINE A LIGHT está a la par que ese filme. Es diferente porque es un show de los Stones, pero como película sobre el rock and roll es muy superior”.

¿Y por qué es este filme tan importante para él como intérprete y como artista? “De hecho, para mí”, dice Richards, “lo que fue realmente fascinante fue conseguir que Marty se encargara de esto, y su visión. Para mí, el asunto era que Martin Scorsese quería hacer algo, y yo pensé, bien, debe tener algo en la cabeza que vaya más allá de este tipo de actuaciones grabadas. Así que de verdad quería averiguar qué era lo que Marty quería”.

¿Quién habría adivinado que detrás del disfraz del último rockero rebelde late el corazón de un amante del cine de filmoteca que sólo quería complacer a uno de los grandes autores? “Cuando estás de verdad ahí arriba haciendo el trabajo, realmente lo transmites todo al director, así que en ese sentido sólo haces lo que tienes que hacer, y tratas de hacerlo lo mejor posible, y al final puedes ver si lo hiciste o no, y entonces te paras a ver, ahhh, esta es su visión de todo esto”, observa Richards. “Tal y como es revelado lentamente en SHINE A LIGHT, el inteligente uso que hace Marty del material de archivo y de las imágenes en directo, por ejemplo, dan un buen sentimiento de ello. Te vas dando cuenta de ello lentamente, mientras lo ves. De otra manera, no tienes ni idea. No puedes meterte en el cerebro de otra persona.”

La atención de Scorsese a los detalles y su sentido musical en la edición son otros de los sellos que atraparon a Richards. En una escena, el artista invitado Jack White sube al escenario para interpretar “Lovin’ Cup”, una pieza con tres guitarras acústicas en la cual Jagger se ata una Taylor acústica y White utiliza un ‘metal slide’ sobre su propio mástil. El filme entonces muestra a Richards con una acústica de 12 cuerdas para interpretar la canción de los 60 “As tears go by”, una de las actuaciones más raras de la noche. El tratamiento de las guitarras en esta secuencia fue la evidencia definitiva que tuvo Richards de que se había puesto en manos de un maestro. “¿Cuántas veces hemos visto dedos yendo arriba y abajo?”, dice Richards. “Lo que hizo Marty fue volver la observación hacia un Rembrandt. Muestra la belleza de la guitarra en sí misma. No se trataba sólo de quién las tocaba. Eran planos preciosos sobre los instrumentos en sí mismos, lo que me parece muy, muy bonito”.

De acuerdo con Richards, fue Scorsese quien le empujó a interpretar “You Got the Silver”, del clásico álbum “Let it Bleed”, en la película. “Fue un momento muy especial para mí, porque fue la primera vez que lo hacía sin tocar realmente la guitarra. Soy un guitarrista, ya sabes”, ríe. “Quiero decir, a veces canto. Pero simplemente la libertad de hacerlo sin tener que pensar en la mano derecha y en la izquierda, y tener que averiguar qué es lo que vas a hacer sin la guitarra, porque tienes que hacer otra cosa. Tienes que moverte con la banda. Fue una gran novedad para mí, y muy muy divertido”.

Según Pearman, Jagger coincidió con Scorsese en la meticulosidad con la concienzuda atención con la preparó el listado de canciones. “Creo que la preocupación de Mick era que quería que fuera algo muy, muy especial, porque era Martin Scorsese y porque era en el Beacon. Quería que la set list fuera perfecta, no una normal y corriente. Así que hubo muchísima preparación y todo ocurrió antes del show”, afirma ella. “Estábamos todos hechos un manojo de nervios. Sin saber qué filmar o lo que iba a ocurrir primero, o dónde iban a estar todas esas cámaras”.

Los nervios sobre la preparación de la lista de canciones están documentados en el film casi como un prólogo del concierto, con Scorsese inquietándose por lo que podría ser la lista, particularmente la canción de apertura. En la pantalla, Jagger replica “estará lista, Marty, esa noche, una hora antes del show”.

Retrospectivamente, Scorsese se ríe por “lo absurdo de intentar ser organizado cuando no sabíamos qué iba a ocurrir. Estábamos tratando con actuación, lo que es tono y disposición, pero no era nuestro, era suyo. Ellos habían ensayado en el teatro, habían ido al backstage y trabajado en ello, pero incluso media hora antes del show, no estaban seguros”.

Scorsese dice que preparase para un set de canciones desconocido fue tan emocionante como una carrera de caballos.

“Dependía de lo que les apeteciera tocar. Es como alguien que pone obstáculos en una carrera. Él no elige el ganador. Sabe la temperatura de la carrera, sabe que el jinete del caballo favorito ha tenido un problema con su familia. Tal vez su cabeza está en otra cosa. Sabe que el camino puede estar cubierto de barro a las 3 en punto. No sabe quién va a ganar, pero puede calibrar la temperatura y hacer un juicio estimado sobre las apuestas. Pienso que eso es lo que un intérprete hace, y parte de la excitación de no saber exactamente qué es lo que va a ocurrir”, dice Scorsese.

“La lista fue muy difícil de preparar”, afirma Jagger. “Es una película para ver en un cine o en un DVD. Así que tiene su propia estética. No vas a hacer el mismo concierto que harías en un gran sitio. El problema era que no teníamos un show para teatro en este tour. En el tour anterior sí que lo teníamos. En otras palabras, teníamos un set list que era diferente para teatro que tenía números diferentes. Era más íntimo. Este tenía que ser todo inventado. La otra cosa es que en un film como este siempre es agradable tener artistas invitados. Así que tenías que pensar en esto, qué tipo de canciones iban a cantar y qué podrían hacer. ¿Cómo iba esto a cuadrar con el resto? Es decir, no se trata sólo de pensar en la lista de canciones per se. Se trata de pensar en la presentación de la lista para la película”.

“Y también tenía que equilibrar el hecho de que teníamos algunos compromisos para editar un DVD del tour también, así que tenía que hacer una set list diferente a la que apareciera en el DVD. Esto no se ve en la película, pero fue mi gran preocupación. Tenía que resolver qué shows íbamos a tocar, éste y aquél y el otro, de manera que fueran diferentes pero, sin embargo, de manera que estuvieran relacionados. Y solucionar también cómo sería lo de los artistas invitados”.

Como Richards, Jagger sólo siente admiración y respeto por Scorsese. “Muchos directores-autores estaban haciendo documentales, y principalmente ésto es una película de un concierto. Son todos grandes realizadores. Creo que Marty es un realizador maravilloso, y lo conozco desde hace algún tiempo. Y creo que de verdad siente una gran pasión por esto. No es algo que haga en una semana, digamos, para tener un poco de diversión. Está muy implicado, súper implicado, en la edición, hasta conseguir que sea perfecta. Es muy devoto del detalle, algo muy importante en esto. Y odia la idea de improvisar, como puedes ver en la elección de la set list”.

“En la posproducción fue extremadamente cuidadoso”, continua Jagger. “Quiere que todo esté perfecto y sacar la máxima emoción de cada parte, sacar todas las relaciones –trabajar tan duro como pueda. Así que creo que es un gran tipo con el que trabajar. No es una persona que te ordene ni nada de eso, escucha tus sugerencias y las acepta o no. Es muy cooperativo”. Y Richards añade: “Su ojo editando es increíble. Tiene una buena mirada para capturarlo todo. Grabar tres espectáculos es una cosa. Editar todo ese material otra. Y ahí es cuando la magia aparece con Marty”. Richards también estaba impresionado por la manera en que Scorsese utilizó el material de archivo y de antiguos noticiarios con las tomas sobre el escenario. “Marty hizo un trabajo increíble al montarlos”, dice Richards. “No era sólo un truco. Todo tenía sentido, sabes. Pero tío, observarme a mí mismo, quiero decir, todo está documentado de alguna manera. Y aquí se trataba de la forma en que se utilizaba. Pensé que Marty hizo un trabajo realmente suave cuando metía y sacaba el material de archivo, presente y pasado, ya sabes. Ahora reto a Marty a averiguar el futuro”, bromea.

Scorsese no es novato en esto de filmar grandes conciertos. Debutó como editor en WOODSTOCK, y como en SHINE A LIGHT, rodó el documental definitivo sobre The Band, EL ÚLTIMO VALS, en un pequeño local. Esa película fue un tributo al clásico grupo de rock, que tocaba su concierto de despedida, y las cámaras de Scorsese bailaron alrededor de los músicos montadas sobre grúas, mientras estos tocaban. Pero la narrativa también se implicaba con la historia de la banda y su pasado, con cortes frecuentes a entrevistas de los miembros del grupo en el backstage, así como comentarios de los invitados de The Band, y otros de sus ídolos musicales.

SHINE A LIGHT se centra en la música, prescindiendo del mecanismo de los bustos parlantes, y optando en su lugar por fragmentos de noticiarios y material de archivo de televisión como los únicos comentarios sobre la banda no basados en el concierto. Scorsese espera que la audiencia vea el concierto en cines con un buen sistema de sonido que les haga sentir como si estuvieran en el mejor asiento del local viendo a los irreverentes Stones dando lo mejor de sí mismos.

“La cuestión al final era: ¿por qué estamos hacinedo esta película? No estamos haciendo una película de compilación, una historia de los Rolling Stones, que habría sido muy interesante, pero una epopeya demasiado extensa en duración y en el número de años a cubrir. Y probablemente, son la banda más filmada de la historia del rock. Hay muchos documentales en los que puedes ver a la banda llegando con sus instrumentos, y gente diciendo ‘sí, yo trabajé así y asá en el 73‘, que no me interesan. La música, su actuación, eso era lo importante. Así que el truco era que el material de archivo tenía que estar en la cantidad justa para apoyar la música. Elegimos temas como la idea de la longevidad de la banda, y algo sobre la notoriedad del grupo, y entonces, en cierto punto, quisimos mostrar lo irrelevantes que se volvieron sus entrevistas con ellos, porque siempre les preguntaban lo mismo una y otra vez hasta el punto de que las preguntas ya no tenían ningún sentido. Sólo una cosa tenía significado, realmente, y eso eran sus actuaciones. Así que el material de archivo se escogió para enfatizar eso”, dice Scorsese.

Ese objetivo, que parece bastante sencillo en un cierto nivel, es un poco como capturar un relámpago en una botella. El reticente pero siempre amable batería Charlie Watts se estresa al intentar describir cómo es la relación de los Rolling sobre el escenario. “No tengo ni idea de cómo describirlo”, dice Watts. “Pero algo pasa cuando estamos juntos. Siempre ha sido así. Puedes hacer otra combinación de los mismos instrumentos, la misma actuación, pero no sería lo mismo. Es sólo un par de guitarras, un bajo y una batería; nada extraordinario. No puedes sentarte y analizarlo realmente, pero definitivamente, algo ocurre cuando estamos juntos en el escenario. No somos lo mismo los unos sin los otros”.

Añade que puede ser algo tan simple y duradero como las canciones por sí mismas. “Los Rolling Stones son una banda de blues”, afirma Watts. “Hoy no toco de forma diferente a como lo hacía cuando empezamos. Chuck Berry o Muddy Waters es lo que siempre hemos tocado. Y no creo que hayamos cambiado”.

En su búsqueda para documentar su actuación, su presencia en el escenario, su camaradería, Scorsese también capturó el legendario subidón de los Rolling sobre el escenario, conciertos que ocultan por completo su edad real y que electrifican a sus fans. Los planos finales de Jagger, siempre sin mirar a cámara, siempre entregado a su audiencia en el palco, son impresionantes y hasta fatigantes de mirar.

“Para mí, actuar es algo para lo que has nacido, en cierta manera”, comenta Jagger. “Puedes aprender algo sobre ello, y tienes que hacerlo, pero en última instancia creo que ese impulso de actuar está dentro de ti, y los mejores espectáculos son de gente que simplemente lo hacen de forma natural. No sé de dónde viene esa energía, pero está ahí”.

Al final del rodaje, Brigitte Lacombe, la productora de la fotografía del set y una artista por derecho propio, reunió a todo el equipo para tomar una foto. El departamento de imagen destacó como algo especialmente emblemático para Pearman. “Bob Richardson tiene ese pelo blanco largo y ondulado, y creo que en todo el departamento de cámara había unas cien personas, más Marty, y en la foto todos ellos llevan esas largas pelucas blancas. Es una foto asombrosa. Fue muy divertido. Era Halloween, el final de una gran experiencia para todo el mundo. Y estos fotógrafos estaban disfrutando muchísimo trabajando juntos”.

Pearman resume el impacto del rodaje como una gran colaboración feliz bajo circunstancias inusuales. Además de la logística de “descargar y meter todo ese material en un pequeño teatro”, estaba la especial atención y los detalles del Servicio Secreto a disposición del ex presidente Clinton y sus acompañantes. Por motivo del cumpleaños del presidente, Clinton se convirtió en el maestro de ceremonias del show.

“Era la mayor banda de rock de todos los tiempos, el mejor director de cine, y el mejor presidente”, dice Pearman. “Todo el mundo ahí era una estrella del rock. Mick y Keith y la banda son todos estrellas del rock, Marty es absolutamente un director estrella del rock, y Clinton es un político que también es como una estrella del rock. Y los directores de fotografía eran todos una banda de estrellas de la cinematografía. Era emocionante el mero hecho de estar allí, el ser una parte del trabajo de ponerlo todo junto y llevarlo más allá de la emoción”.

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EL SÓTANO

Inspirada en el hecho de que más de 850 mil personas son reportadas como desaparecidas cada año en los EEUU, muchas de las cuales no son encontradas. EL SÓTANO cuenta la historia de una mujer que es secuestrada y torturada. Ella hará todo para sobrevivir. Es un thriller psicológico y de horror que nos muestra el verdadero terror que produce un secuestro, los cuales se producen diariamente en muchos lugares del mundo.

En su primera coproducción ruso-estadounidense, los productores Leonid Minkovski y Serge Konov, de RAMCO (Russian-American Movie Company) sabían que la creación de un guión adecuado era imprescindible. Así que, en septiembre de 2004, el veterano productor hollywoodense Mark Damon les envió el guión de EL SÓTANO, que le había sido inicialmente facilitado por el productor Gary Mehiman, viejo amigo de Damon. Al cabo de cincuenta años en la industria y de ser el reconocido creador de la línea de las ventas exteriores, a Damon le preocupaba la eventual colaboración con Rusia. Comenta que “yo sabía que, hasta el momento, nunca se había realizado una auténtica coproducción ruso-americana y me impresionaron favorablemente los tres directivos con quienes me reuní: Leonid Minkovski, Valery Chumak y Serge Konov”. Damon, siempre en pos de un nuevo reto en una carrera ya de por sí exitosa, vio en este proyecto una nueva dimensión. “Comprendí que existían grandes posibilidades en este proyecto de una penetración en Rusia por parte de los productores norteamericanos, y me halagaba la perspectiva de ser el primero.” Damon, fiel a sus raíces de productor independiente, aunque procurando siempre estar en primera línea, captó las posibilidades de EL SÓTANO de convertirse en algo más que un simple thriller, y en esto estaban de acuerdo los coproductores rusos de RAMCO, y también el director Roland Joffé, nominado para el Oscar de la Academia.

Kanov reflexionaba: “Me di cuenta de que podría ser una gran oportunidad para nosotros producir un filme de género atípico.” Minkovski estaba de acuerdo: “El nombramiento de Roland Joffé como realizador me llevó a contemplar este guión desde una perspectiva algo distinta que la de otro filme de horror más. Me di cuenta de que éste no sería, simplemente, otra película de terror, de que éste sería un thriller psicológico muy interesante”. Como Joffe nunca había hecho una película de género, Damon reservó tiempo para que ambos pudieran ver películas de género juntos para poder aprender las técnicas. A medida que avanzaba la preproducción, se hizo evidente que Joffe aportaría, ciertamente, complejidad a un guión ya de por sí atractivo, además la intensidad de muchos de sus filmes anteriores. Minkovski comentaba: “Creativamente, Joffe es un director increíble, que hace que todos los que le rodean se sientan motivados, pero también es duro trabajar con él, porque tiene unas ideas muy concretas”.

El argumento, creado por el guionista de CELLULAR y de PHONE BOOTH, está plagado de terror y suspenso, aunque la historia profundiza mucho más y penetra en los miedos particulares, como el aislamiento y la soledad. A este respecto, Damon manifiesta: “Espero que el público se lleve a casa un saco lleno de emociones: una gran historia de amor, sustos abundantes durante la película y la sensación de haber vivido una experiencia espeluznante con Jennifer Tree; de 90 a 100 minutos de tensión y horror”.

Las múltiples facetas de los personajes han permitido que los actores se sintieran más identificados con sus papeles bajo la inspiración del director, que llegó al extremo de crear un diario para la actriz principal, Elisha Cuthbert. Recuerda Cuthbert: “Yo tenía experiencias similares en otros trabajos, lo que me ayudó a lo largo de la película.” Conocida por sus interpretaciones en la popular serie de televisión 24 y en filmes como LA CHICA DE AL LADO y nominada en 2002 para el Premio Teen Choice como Actriz Revelación, Cuthbert era la opción perfecta para interpretar el papel principal. Tiene talento y muchos fans entre los espectadores, especialmente entre las generaciones más jóvenes. Indica Damon: “A parte de ser conocida por su talento y su belleza, Elisha cuenta también con multitud de seguidores y esta fue otra razón importante para ofrecerle el papel de Jennifer Tree en EL SÓTANO.

Es esta mezcla de géneros lo que cautivó a Daniel Gillies, que interpreta a Gary. Gillies observa: “Toda la psicología es muy interesante. Es una situación muy oscura. Dicho esto, desde una perspectiva contextual, se trata de una especie de historia de amor dentro de un thriller psicológico.”. Refiriéndose al papel de Gary, Damon comenta: “A pesar de que el personaje parece sencillo, en el curso de la película te vas dando cuenta de que resulta bastante complejo. Precisábamos alguien que pudiese aportar frescura juvenil y complejidad a un mismo tiempo. Después de ver a muchísimos jóvenes actores, todos coincidieron en que Gillies era ideal para el papel”.

Uno de los elementos más interesantes de la historia es el uso de luces y sombras, utilizando las lágrimas de Jennifer, tanto visual, como emocionalmente. Roland Joffe hace una reflexión: “Uno de los elementos de EL SÓTANO son las luces y las sombras. Jennifer Tree tiene fobia a la oscuridad. Su secuestrador se aprovecha de ello y la premia con la luz y la castiga dejándola a oscuras. Pero la luz revela unos terrores que convierten a la oscuridad en un refugio. Un refugio que, sin embargo, provoca miedos mayores”. Si bien cada espectador padece unas fobias únicas y personales, cada uno las asocia a la vivencia de una experiencia desagradable, amenazadora y terrorífica.

Tanto los miembros rusos del equipo, como los miembros norteamericanos, trabajaron incansablemente para lograr que el filme fuese lo mejor posible. Daniel Pearl, director de fotografía, se preocupó de conseguir las notas de color correctas para iluminar una escena. Como los contrastes entre luz y oscuridad perseguían al personaje central de Jennifer, Pearl logró reflejar estos contrastes y proyectar la emoción de cada momento sin dejar de reflejar unas imágenes hermosas.

El diseñador de producción, Addis Gadzhiev, creó un espacio físico bien concebido en el que los actores podían trabajar, enriqueciendo la profundidad de los personajes mismos. Damon es uno de los muchos que ensalzan la labor de Gadzhiev. “Pienso que Addis, como diseñador de producción que no ha estado nunca en Norteamérica, logró captar a la perfección el ambiente de la vivienda neoyorquina de una típica familia americana de clase media y ha realizado un trabajo excelente.” Por supuesto, los decorados todavía tenían que ser aprobados por Joffe cuando éste regresó a Moscú para trabajar en la preproducción, antes de comenzar la fotografía principal. Recuerda Konov: “Cuando vi sus ojos y sus gestos, sus reacciones cuando vino al estudio, me di cuenta de que todo estaba perfecto, que todo era bueno.” Una vez terminados, los dos sets montados en los estudios de sonido de Mosfilm medirían más de 150 metros cuadrados. Uno de los sets comprendía las celdas y la sala de observación del secuestrador. El segundo set representaba la vivienda de dos plantas. El jefe del departamento de decoración de Mosfilm, que nunca había estado en Estados Unidos, recreó fielmente en medio de Moscú una vivienda de Nueva Jersey construida en los primeros años del siglo XX, utilizando grabados de libros y bajados de Internet. Estéticamente, este espacio constituía el perfecto telón de fondo en el que se reflejarían la frustración y el miedo de los personajes de la película, sin dejar de resultar hermoso en su sencillez.

La experiencia de producir EL SÓTANO ha aportado una nueva perspectiva sobre la creación cinematográfica a todos los miembros del equipo y el reparto. Minkovsky comenta sobre Joffé que “es un hombre increíble, con una tremenda visión y una profunda filosofía”. Otro tanto se puede postular de los hombres y mujeres que trabajaron para hacer realidad EL SÓTANO y contribuyeron a abrir una nueva vía en la filmografía.

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SUPERHÉROES LA PELÍCULA: El especial

¿Cuantos superhéroes se necesitan para salvar al mundo? Los creadores de Y DONDE ESTÁ EL POLICÍA? y SCARY MOVIE responden esta pregunta en una forma histérica y moderna al estilo David Zucker con una hilarante comedia SUPERHÉROES LA PELÍCULA. Conoce a Rick Riker. Él es joven, es buena onda y tiene superpoderes. Si tan solo supiera como usarlos… pero el mundo esta en peligro y nadie esta a salvo cuando Zucker y su banda de hilarantes mafiosos estan al mando, todos ellos interpretados por Drake Bell, Leslie Nielsen, Tracy Morgan, Pamela Anderson, Regina Hall y muchos más.

Esta película reúne al director y guionista Craig Mazin con los productores Bob Weiss y David Zucker. “Tuve la fortuna de trabajar con Craig Mazin y David Zucker de nuevo” comenta Weiss. “Hice SCARY MOVIE 3 y SCARY MOVIE 4 con ellos y es fantástico poder trabajar con personas que también son tus amigos. Asi desarrollas lazos profesionales también” Mazin coescribió SCARY MOVIE 3 y SCARY MOVIE 4 ambas dirigidas por Zucker y producidas por Weiss.

Mazin también tenia nobles motivaciones en su corazón: “Me gusta hacer reír al público. Esta es realmente mi única razón para hacer estas películas. Estas películas son para ir al cine y reir sin parar durante 80 o 90 minutos”

Por supuesto es todo un arte hacer este género de películas. David Zucker quien dirigió Y DÓNDE ESTÁ EL PILOTO?, Y DONDE ESTÁ EL POLICÍA?, Y DONDE ESTÁ EL POLICÍA? 2 ½ y SCARY MOVIE 3 y 4, se da cuenta que el público reacciona de una forma muy interesante ante el humor que nosotros le ofrecemos. “El público comparte las referencias generales. Todo mundo va a ver las películas de superhéroes y las disfruta”, Zucker comenta sobre este género. “Yo disfruto de todas las películas sobre aeropuertos que se realizaron en los 70, sin embargo todos esos actores con sus líneas series en esas situaciones están llenas de chistes o absurdos”,

Los productores encontraron un género que no había sido explotado. “Hace algunos años hablábamos sobre las áreas que no se habían explotado y que nosotros podríamos parodiar”, recuerda el productor Bob Weiss, “De repente encontramos que el genero de superhéroes no lo había sido”.

“Yo amo las historias de superhéroes, siempre lo he hecho” dice Mazin. “Siempre he leído comics desde que era niño. El genero se construye por si solo pues tiene muchos elementos similares. Muchas de estas películas sigue a un inadaptado social y que desarrolla sus poderes que le dan un por qué a su identidad. Alguien que él ama muere por una mala decisión o bien por no haber actuado en el momento. Siempre hay una chica. Su identidad secreta se interpone entre él y la muchacha. Estas cosas siempre se repiten”.

Mazin en su proceso de investigación para escribir el guión, comenzó a reconocer elementos adicionales que están presentes en casi todas las historias de superhéroes: “Yo pienso que todo buen superhéroe se trata sobre un personaje que esta aprendiendo como triunfar como superhéroe. Al principio lucha por descubrir como usar sus poderes y por reconocer quién es él. Al final no eres un exitoso superhéroe hasta que triunfas y vences a tu más grande enemigo, y no siempre es un supervillano, a veces es él mismo, lo cual es lo que te detiene para ser un verdadero héroe. Este será el viaje que Rick deberá tomar”

Rick es interpretado por Drake Bell, es el centro de la historia de SUPERHÉROES LA PELÍCULA, y su alter ego es Dragonfly (Libélula). Mazin describe a este personaje que tiene muchas oportunidades cómicas: “El tiene super fuerza y super agilidad. El puede subir por las paredes, Es bueno en las peleas callejeras. Su piel esta protegida, nada lo puede acatar excepto las espadas de titanium. Tiene un disfraz verde como todo buen superhéroe debe tener”.

“Pero es justo cuando Dragonfly (Libélula) intenta salvar a la gente, las termina matando accidentalmente.” Mazin continua “El tiene un buen corazón sin embargo hay algo que no funciona”.

Zucker cree que él éxito de las parodias radica en que los personajes deben ser el chiste o la broma en si mismos. “”Los personajes no deben darse cuenta que están en una parodia. Pero algo que hemos aprendido es que el público quiere tomarlos en serie. En Y DÓNDE ESTÁ EL PILOTO?, Robert Hayes esta tratando de aterrizar un avión y no se ha dado cuenta que la gente realmente quiere que lo aterrice de manera segura. Originalmente hicimos un montón de cosas tontas, chistes estúpidos mientras el trataba de aterrizar. Las tuvimos que quitar porque la película no funcionaba y el público realmente quería ver al personaje triunfar”.

Los realizadores realmente disfrutaban todo lo que la película presenta, Mazin reconoce que todos sus chistes son graciosos. “Tu no puedes hacer una parodia de algo a menos que lo ames. Nosotros amamos todas las películas que parodiamos en la serie de SCARY MOVIE. Nosotros realmente amamos todo lo que parodiamos aquí: Spiderman, Batman y el género completo que también incluyen a Los Cuatro Fantásticos, X Men y Superman”.

Regina Hall, quien es personalmente responsable de muchas risas en la franquicia de SCARY MOVIE, resalta que la imitación es la mas sincera forma de adulación. Hall comenta “Todo es en broma. Estamos haciendo una parodia pero justo eso significa que fue algo que tuvo éxito. No podemos hacer parodia de algo a menos que la gente sepa de qué estamos hablando. Al momento que nosotros lo retomamos, ya es un éxito. Es una forma de rendir honores”..

Reunir al elenco de SUPERHÉROES LA PELÍCULA fue un proceso excitante para los productores y el director ya que trajeron al proyecto a jóvenes talentos así como a veteranos del género.

El actor y músico Drake Bell interpreta a Rick Ricker y Dragonfly (Libélula). Al llegar a la producción de la parodia de una película de superhéroes se dio cuenta que en él recaía la responsabilidad de muchos de los parlamentos. “solo vestir el traje implica un poco de dificultad” comenta Mazin.

Bell estaba ansioso de ser parte de SUPERHÉROES LA PELÍCULA de hecho él se encontraba de gira con su banda cuando Zucker se acercó a platicarle del proyecto. El director lo audicionó, “fue fantástico así que lo hicimos venir al estudio para filmar”.

“Soy un poco como Peter Parker”, comenta Bell sobre Rick Ricker. “Es un fotógrafo que no puede conquistar a la chica y es muy inseguro hasta que es mordido por una libélula. Yo intento salvar a la gente pero siempre pasa algo mal”.

Mazin concuerda con la descripción del actor “El trata de ayudar a la gente pero al final causa más problemas de los que intenta prevenir. Al final El tendrá que darse cuenta que es lo que realmente significa ser un héroe y esa será la forma en que podrá salvar el día y conseguir a la chica”.

Esa chica es Sara Paxton. Weiss recuerda “Sara Paxton fue una maravillosa sorpresa, es fantástica. Estábamos buscando alguien que pudiera ser vulnerable pero que pudiera representar un personaje fuerte al lado de Rick Ricker”.

“Sara tiene 21 años pero es muy madura. La audicioné porque estaba buscando a alguien naturalmente graciosa pero que fuera sexy y pura al mismo tiempo. Quería que fuera la vecina que no se da cuenta que todos los chicos mueren por ella y Sara era perfecta para el personaje”.

En este proyecto también trabaja un veterano del género Leslie Nielsen y para todo el equipo fue un gran honor poder contar de nueva cuenta con él. En esta película es el tío que conduce a nuestro personaje principal y en verdad es grandioso porque Leslie tiene un gran sentido del humor, entiende el estilo de la comedia además es amigo de todos los realizadores. Leslie Nielsen enseña a Rick lo que significa ser un héroe.

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AUGUST RUSH: EL TRIUNFO DE UN SUEÑO

Hace doce años, con una luz de luna cubriendo Washington Square, Lyla Novacek (Keri Russell), una joven violonchelista, y Louis Connelly (Jonathan Rhys Meyers), un carismático cantante y compositor irlandés, fueron reunidos por la interpretación de “Moondance” e inmediatamente se enamoraron. Compartiendo el lenguaje de la música, su conexión era real e innegable… pero también efímera.

Después de la noche más romántica de sus vidas, Lyla prometió a Louis volverse a ver, pero el padre de Lyla (William Sadler), la apresuró para llegar al siguiente concierto, haciendo que Louis creyera que no le importaba. Desilusionado, le fue imposible seguir interpretando, lo que tiempo después lo lleva a abandonar la música; mientras que Lyla pierde su esperanza en el amor, cuando le hacen creer que perdió a su bebé en un accidente automovilístico.

Pero ahora, Lyla ha descubierto que su hijo está vivo, y comienza a buscarlo desesperadamente con la ayuda del trabajador social Richard Jeffries (Terrence Howard).

El hijo de Lyla y Louis, se ha convertido en un inusual y dotado niño (Freddie Highmore) que podía sentir la música alrededor en todos los ritmos de la vida, a la vez que podía convertir el susurro del viento a través del trigo en una bella sinfonía donde él era el centro, el compositor y el medio. Criado como huérfano, mantiene la inquebrantable creencia de que sus padres están vivos, por lo que desea tenerlos en sus brazos… eso, si tan sólo los pudiera encontrar.

Determinado a buscarlos, decide viajar hacia la ciudad de Nueva York. Es en ese lugar, perdido y solitario, que es llamado por la guitarra de un niño que toca en la calle hasta un improvisado refugio en el abandonado teatro de Fillmore East, donde docenas de niños como él viven bajo la protección del enigmático Wizard (Robin Williams). Esa noche, toma una guitarra por primera vez y libera una improvisada interpretación en su propio y único estilo.

Asombrado por la pasión con la que interpreta el niño, Wizard lo bautiza como August Rush, introduciéndolo al conmovedor y espiritual poder de la música, al tiempo que comienza a extraer su extraordinario talento. Wizard tiene grandes planes para el joven prodigio, pero para August, su música tiene un propósito mucho más grande. Sin perder jamás la esperanza, de que sus padres están en alguna parte en el mundo, los llama en cada nota que interpreta. Cree que si llegan a escuchar su música, lo encontrarán.

Sin saberlo, August ha comenzado un largo viaje.

Mientras tanto, Louis, que todavía es atormentado por las memorias de su verdadero amor, se descubre a sí mismo regresando a sus raíces musicales y volviendo sobre sus pasos hasta el lugar donde se conocieron.

Separados por los sucesos de la vida, pero unidos por el amor y la música, Lyla, Louis y August buscan aquello que perdieron y necesitan para completar sus vidas… A ellos mismos.

Sobre la producción

“Es la historia acerca de un niño que escucha al mundo en una forma distinta”, explica el galardonado productor Richard Barton Lewis, que se involucró en AUGUST RUSH: EL TRIUNFO DE UN SUEÑO, desde sus inicios hasta cada aspecto del desarrollo y la producción. “No se adecua en el lugar que la vida lo puso originalmente. Su único deseo es estar con sus padres, sin importar cuánta gente lo trate de convencer de que no están vivos, o peor aún, que no le importan… el mantiene viva su creencia. Nadie puede sacarlo de esa idea. Los ha esperado por 11 años y ha decidido que es momento de ir a buscarlos personalmente”. Lo que desconoce es que sus padres están tan perdidos como él.

La directora Kirsten Sheridan explica. La habilidad de August para canalizar la música que existe en la naturaleza proviene de su madre Lyla, una concertista de violonchelo y de su padre Louis, un cantante, compositor y guitarrista, ambos talentosos músicos, pero lo más importante, es que ambos están en sintonía con la música que nos rodea pero que muy pocos escuchamos. Es lo que los atrajo en principio. Se trata de dos personas que siempre han escuchado al mundo de una forma especial y específica, lo que ha hecho que se aparten de la gente común. Cuando se dan cuenta de que sienten lo mismo, todo se convierte en algo mágico y hay un conexión inmediata que rompe su soledad por una sola noche. La noche en que August es concebido.

AUGUST RUSH: EL TRIUNFO DE UN SUEÑO es una historia de amor de tres personas,” afirma Sheridan. “Pero, como muchas historias de amor, las cosas no se dan fácilmente. Lyla y Louis son arrancados el uno del otro y permanecen así por años. Tristemente, al pasar esto, también pierden su pasión por la música”, añade Lewis.

El que la separación de los dos enamorados tenga como desenlace la separación involuntaria de su hijo (que incluso no saben que existe), le da a la historia una estructura de triada en la medida que cada uno sigue su propio camino en un mismo rumbo, como la familia que son. “Me gusta el ensamble natural de la historia”, comenta Jonathan Rhys Meyers, que da vida al impulsivo creador Louis. “Todos son parte del mismo rompecabezas; tres personas separadas por las circunstancias, que necesitan que el otro, para sentirse totalmente vivos”.

Keri Russell, quien interpreta al amor de Louis, la preciosa Lyla, dice, “Me gustan las historias donde la gente trata de encontrar su origen, hallar su verdadero hogar, así como las personas importantes en sus vidas”. Es fácil tomar una decisión equivocada y pasar una década viviendo un error. No es fácil enmendar ese tipo de errores, pero es posible. Creo que lo que la historia trata de decir, no sólo con August sino con el resto de los personajes, es que sólo cuando abres tu ser a las emociones y a las pérdidas, volviéndote vulnerable, es cuando encuentras tu camino”.

Sheridan coincide. “Recuerdo constantemente como las ideas más profundas son también las más básicas. Me enamoré de la idea central de una familia tratando de encontrarse el uno al otro a través de la música y el cómo yuxtapone dos extremos de la vida: el amor y la pérdida”. “El hilo que corre a todo lo largo de la historia, es la música”, dice Lewis. “Se integra a la historia, así como a cada personajes”.

Freddie Highmore, cuyo cumpleaños número 14 coincidió con la primera semana de filmación describe como la influencia musical es un tema establecido desde el principio para ayudar a impulsar la historia. “Incluso en el orfanato, August se siente conectado a los padres que nunca ha conocido gracias a la música que ellos también perciben en su entorno. Más adelante, cuando aprende a tocar la guitarra, comienza a expresar algo de esa música pensando que toca para sus padres. Está absolutamente convencido que es la única manera de contactarlos”.

La música como medio de comunicación es un concepto que August conoce por instinto; pero es Wizard quien articula este don por primera vez para él. Interpretado por Robin Williams, se refiere al personaje de Wizard como el mentor del pequeño August. “¿Tú sabes lo que es la música?”, le pregunta el chico. “Es una conexión armónica entre todos los seres vivos”. Con buena parte de la historia narrada a través de los cambiantes ritmos y estados de ánimo de la música, Lewis otorga un gran crédito a la habilidad del director Sheridan de “empatar el sonido con la fluidez de la cámara, de recorrer visualmente como lo hace la música, siempre volando para capturar el fugaz punto de vista de August. Kirsten aporta un toque evidente, así como pasión, imaginación y un corazón tremendo. Ha sido la colaboración más pura que he tenido con un director. Es una gran narradora de historias”.

AUGUST RUSH: EL TRIUNFO DE UN SUEÑO evoca la calidad de un cuento de hadas, pero bajado a la realidad, un balance que los realizadores luchaban por mantener “Si todo fuera mágico no podrías ver aquella parte que en verdad es trascendente, es como encimar un color en otro”. Queríamos contrastarlo con el mundo real” recalca Sheridan.

Es el principio de que la realidad supera a la ficción, como cita el escritor James V. Hart, incluso los elementos en apariencia fantásticos de August, podrían ser sustraídos de la realidad. “Un aspecto fantástico de la historia fue que mientras preparábamos el guión para la producción, un niño prodigio se inscribió en el Juilliard—Jay Greenberg, con sólo 12 años de edad. Para entonces había compuesto cinco sinfonías”. En una entrevista declaró que desconocía el origen de la música, pero que cuando llega a su cabeza la compone por completo. Se escuchaba como nuestro August.”

“Siempre me han atraído las historias que hace referencia a la magia. Es seductor porque todos queremos creer”, dice el guionista Nick Castle, quien se reúne con Hart después de su colaboración en la película HOOK, de Steven Spielberg. “Y la música es la más misteriosa de todas las artes, parece sobrepasar la conciencia de la mente y adentrarse en algo muy primitivo de nosotros. Es el medio perfecto para la magia en este tipo de filme”. “No hay efectos especiales en la película. La magia se encuentra en las actuaciones, los personajes y los descubrimientos que realizan a lo largo del camino” concluye Lewis.

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PARÍS, YO TE AMO

En París, el amor está en todas partes.

En sus bares y cafés. Bajo la Torre Eiffel. Hasta en el Metro que corre bajo sus secretos.

En PARÍS, YO TE AMO prepárate para ver la ciudad de un modo nunca imaginado.

Es París, visto a través de los ojos de alguno de los más prestigiosos directores del cine mundial.

Cada director fue invitado a contar una historia desarrollada en un barrio de la ciudad. El resultado es un calidoscopio de historias sobre la felicidad, la separación, los encuentros inesperados y por sobre todo: El amor.

Dijeron sobre la película

Natalie Portman:
“El film muestra un Paris inusual, uno que normalmente no vemos.
Quiero decir, para los que no vivimos allí.
El Faubourg Saint Denis no es un barrio turístico, no hay turistas allí, es solo donde vive la gente. Y esa es una de los más atractivas locaciones para una película: un lugar donde la gente vive sus vidas”.

Isabel Coixet:
“La Bastille es un barrio donde existe una mezcla de clases sociales, gente trabajadora, gente fashion y burgueses. Es un área que conjuga perfectamente mi idea de alejarme de la típica imagen de postal de París”.

Wes Craven:
“Cuando me dijeron que Père-Lachaise estaba disponible, me dije :“Oh! Hay un cementerio allí! Perfecto!”.
Es un lugar genial, el lugar perfecto para una película que desea dar perspectivas diversas sobre la vida”.

Walter Salles:
“En cada barrio existe un sub-mundo que raramente vemos, y eso es lo que buscamos mostrar”.

Marianne Faithfull:
“Fue increíble trabajar con Gus Van Sant, estoy fascinada con su visión del mundo. Como actriz creo que solo puedo trabajar con gente que admiro”.

Elijah Wood
“¡La idea era tan interesante. Llamé a mi agente enseguida y le dije que si, quería ser parte de esto definitivamente!”.

Sinopsis de los episodios

Montmartre: BRUNO PODALYDES
Buscando un lugar para estacionar en la calles de Montmartre, un hombre se pregunta ¿qué hay de malo en el mundo contra él qué no puede encontrar un amor verdadero? De repente una misteriosa mujer tropieza al lado de su coche. ¿Será este el amor que espera?

Quais de Seine: GURINDER CHADHA
François y dos amigos se divierten gritándole groserías a las chicas que caminan por las orillas del Sena, una hermosa joven musulmana tropieza y se cae, él corre a ayudarla y le dice a sus amigos que no se rían de la desgracia ajena. Ella continúa su camino hacia la mesquita, mientras el regresa, pero al instante se va cuenta que no puede dejar que esa chica se vaya de su vida…

Le Marais: GUS VAN SANT
Cuando Gaspar entra a una imprenta y ve a Eli, el aprendiz del imprentero, éste lo atrae inmediatamente. Con su juventud a flor de piel el joven le manifiesta su nueva y extraña sensación, ante los oídos sordos de Eli. Recién cuando Gaspar se va, éste se da cuenta de que algo especial y único ha ocurrido…

Tuileries: JOEL & ETHAN COEN
Un turista norteamericano que está mirando una guía en la estación Tuileries del Metro, ve a una joven pareja de franceses besándose apasionadamente en la plataforma de enfrente. Se da cuenta demasiado tarde que debía haber prestado atención a lo que su Guía recomendaba: “Nunca mire a nadie directamente a los ojos en los Subtes de París”. A partir de allí se inicia una hilarante comedia.

Loin du 16e: WALTER SALLES y DANIELA THOMAS
Al amanecer, una joven inmigrante deja a su bebé en una guardería antes tomar el Metro para cruzar la ciudad. Después de un largo viaje llega al lujoso 16e arrondissement, donde trabaja como baby sitter del hijo de otra mujer.

Porte de Choisy: CHRISTOPHER DOYLE
Un encuentro surreal entre un vendedor puerta a puerta y una hermosa jefa de un Salón de Belleza Chino.

Bastille: ISABEL COIXET
Un hombre se prepara para decirle a su mujer que quiere divorciarse, porque está enamorado de otra mujer. Pero antes de que llegue a hacerlo, su esposa llorando le cuenta que tiene cáncer y unos pocos meses de vida, él decide dejar todo para cuidarla. De pronto su vida cambia y se enamora por segunda vez de su mujer.

Place des Victoires: NOBUHIRO SUWA
Una mujer intenta dormir pero su descanso es interrumpido por los llantos de su hijo muerto. Ella vuelve a la plaza donde éste falleció y se encuentra con un extraño cowboy que le permite que pase un momento junto a su hijo, antes de desparecer nuevamente.

Tour Eiffel: SYLVAIN CHOMET
Un solitario mimo que incomoda a los turistas que deambulan alrededor de la Torre Eiffel, es detenido por la policía local por interrumpir la paz del lugar. En la Estación de Policía encuentra su alma gemela, una hermosa mujer mimo.

Parc Monceau: ALFONSO CUARON
Un norteamericano algo mayor llega tarde a su encuentro con una hermosa y “terca” joven francesa. Mientras caminan por el boulevard su fuerte conversación revela una íntima y complicada relación entre ellos.

Quartier des Enfants Rouges: OLIVIER ASSAYAS
Una bella actriz norteamericana que está filmando en una antigua mansión de París, comienza una relación con un misterioso vendedor local de drogas, ¿hallará la satisfacción que está buscando?

Place des Fêtes: OLIVER SCHMITZ
En el medio de Place des Fêtes hay un hombre moribundo. Sophie, una joven e inexperta médica, mientras lo atiende se da cuenta que lo que lo conoció anteriormente

Pigalle: RICHARD LAGRAVENESE
Una antigua pareja pelea por salvar su relación, en un sensual encuentro de amor en Pigalle, el distrito de las luces rojas.

Quartier de la Madeleine: VINCENZO NATALI.
Un adolescente observa como una mujer “vampiro” se alimenta de su última presa. Se siente atraído por ella, haciendo lo imposible para hacerla suya.

Père-Lachaise: WES CRAVEN
Una pareja a punto de casarse se pelea mientras atraviesan las tumbas del cementerio de Père-Lachaise. Recién con la aparición del mismísimo fantasma de Oscar Wilde la historia llega a solucionarse.

Faubourg Saint-Denis: TOM TYKWER
Una actriz norteamericana llama a su novio ciego para decirle que su relación ha terminado. En un viaje por la mente del joven se sigue la historia de la relación que los unía desde el primer encuentro. Una parábola de la percepción y el perdón.

Quartier Latin: FREDERIC AUBURTIN y GERARD DEPARDIEU
Un apuesto anciano norteamericano se reúne con su ex esposa para concretar el divorcio oficial. Sin mayores preámbulos comienzan a insultarse. Una comedia negra que revela que han quedado abiertas muchas heridas, pero que el amor entre ellos nunca morirá.

14e arrondissement: ALEXANDER PAYNE
Una turista norteamericana comienza a entenderse y aceptarse mientras camina por el 14e arrondissement, en una divertida y conmovedora conclusión de PARÍS, YO TE AMO.

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EL NOVIO DE MI MADRE

Rossie, la directora de una serie juvenil de televisión, está en plena crisis de los 40, luego de haberse separado de dos hombres que rehicieron sus vidas con mujeres más jóvenes. Su conflicto y sus dudas nacen al iniciar ella misma una relación con un hombre más joven. Rossie cree que algo saldrá mal, aunque quizás se equivoque.

La producción

Después de que NI IDEA se convirtiera en un éxito internacional y generase un aluvión de imitadoras, lanzando al mundo a la típica chica de California adinerada pero no muy inteligente…, la guionista y directora Amy Heckerling se puso manos a la obra y escribió EL NOVIO DE MI MADRE. Es la historia de Rosie, una madre soltera que trabaja como productora en la tele y se enamora de un joven actor que trabaja en su programa. No le fue difícil encontrar su fuente de inspiración: se basó en sus propias experiencias. Primero como madre soltera de una chica muy singular; segundo como alguien que ha intentado encontrar pareja en Los Ángeles después de haber cumplido los treinta; y tercero como empleada en el salvaje mundo de la televisión estadounidense.

Tras acabar el guión, del que salió una deliciosa e inteligente comedia romántica con grandes dosis de cinismo, éste fue abandonado durante seis años en el infierno de los proyectos pendientes. “El tema es el siguiente”, explica Heckerling, consciente de las dificultades iniciales del filme. “Los jóvenes siguen creyendo en la magia de los productos. Con el paso de los años, te vas dando cuenta de que esa milagrosa crema anti-arrugas no te va a solucionar la vida. Por eso, el público objetivo son siempre los jóvenes, porque los vendedores piensan que los adolescentes se creerán lo que venden, sea lo que sea. A los altos directivos de los estudios se les metió en la cabeza que la película sólo interesaría a mujeres maduras, y para ellos, las mujeres maduras son un público que tachan de ‘indiferente’ porque piensan un poco y no se lo creen todo”.

Ése hubiera sido el principio y el fin de la historia de EL NOVIO DE MI MADRE si una de las estrellas más impresionantes de Hollywood no se hubiera puesto firme. Michelle Pfeiffer leyó una copia del guión y se enamoró de la historia. Les pidió a sus agentes que buscaran un productor en cuanto se liberaran los derechos de la película. Heckerling no se anda con miramientos al hablar de su protagonista: “La película se hizo gracias a Michelle. Ella creyó en la película y luchó mucho para conseguir que se llegara a rodar. Se lo debo todo”.

El productor Philippe Martinez continúa la historia: “Un día recibí una llamada de un agente de la Creative Artists Agency y me dijo, ‘Philippe, sé que quieres producir una gran película y tengo una maravillosa que quiere hacer Michelle Pfeiffer’. Me leí el guión en dos horas, lo cual no es muy normal en mí. Me encantó, así que le llamé y le dije, ‘Quedemos con la directora’. Me pareció una de las historias más graciosas que había leído y tenía mucha fuerza y pertinencia. Irónicamente, una de las razones que empujó a Michelle a luchar tanto por la película es que hay muy pocos buenos papeles para mujeres maduras”.

Uno de los temas principales de EL NOVIO DE MI MADRE es el miedo a hacerse mayor, algo que domina la sociedad occidental, y sobre todo a Hollywood. Heckerling lo sabe muy bien, ella vive en una cultura en la que es extraño que mujeres y hombres de la misma edad salgan juntos. Dios nos libre de que una mujer mayor salga con un hombre joven…

“Estaba intentando comprender por qué un hombre de 70 años puede salir con una mujer de 40 y encima le dan una palmadita en la espalda ¡por no haberse buscado una demasiado joven!”, dice Heckerling riéndose. “Las relaciones sexuales están plagadas de factores que no entendemos. Cuando vas a una discoteca ves a jóvenes guapísimas que se sienten atraídas por ricachones tontos mucho mayores que ellas. Lo extraño es que al revés no pasa. ¿Por qué? Porque éste es el reino animal. El poder se traduce en dinero y el éxito en grandes pechos de plástico. Las cosas funcionan así, molestarse no sirve de nada”.

Este conflicto aparece personificado en la película a través del personaje de la Madre Naturaleza. “Quieres que las cosas salgan de una manera, pero sabes que el orden natural de las cosas dictará que se hagan de otra. Siempre acabas luchando contigo misma”, explica Heckerling. “Supongo que hice algo parecido en MIRA QUIEN HABLA, al utilizar a un bebé para representar la versión no-neurótica y precivilizada de los pensamientos de la madre”.

Mientras que la relación de Rosie y Adam le da el toque de romanticismo a EL NOVIO DE MI MADRE, en realidad podría decirse que el núcleo de la historia es la relación de Rosie con su hija Izzie. Esta graciosísima pareja cómica no es nada sentimental, ni empalagosa. Eso, en parte, es gracias a que Izzie está basada en Molly, la hija de Heckerling, que ahora es adulta y estudia cine en la ciudad de Nueva York.

Heckerling confiesa “Pero la verdad es que mi hija es increíblemente graciosa. Es una bendición. A lo largo de los años simplemente he ido apuntando cosas que ha dicho. Seguro que nadie se lo cree, pero era mucho más divertido jugar con ella a las Barbies que hacer cualquier otra cosa”. Su experiencia como madre ha moldeado los personajes de Rosie e Izzie, y las situaciones en las que se ven envueltas. “Una de las cosas más difíciles de tener hijos es ver que les ocurren cosas horribles –les gusta alguien en la escuela y no son correspondidos, sus compañeros de clase son desagradables– sin que tú puedas hacer nada para evitarlo” añade.

La historia de amor entre Adam y Rosie también está basada en varias experiencias de Heckerling con el sexo opuesto, ¡aunque tuvo que utilizar un poco más de imaginación! Dice: “La comedia romántica siempre muestra a gente que se enamora, porque así los espectadores sienten las emociones a través de la pantalla. He tenido varios novios: algunos eran idiotas y otros eran graciosos. Cuando te dedicas a hacer comedias románticas, sacas ideas de diferentes situaciones que en realidad fueron bastante horribles. ¡Es muy divertido darle la vuelta a algo malo para convertirlo en algo positivo!”.

Heckerling no ha restringido su ingenioso sentido del humor a las excentricidades de las relaciones entre mujeres maduras y hombres más jóvenes. También ha hurgado en el fascinante mundo en el que se desarrolla la historia de amor entre Rosie y Adam, es decir, en la industria de la televisión en Los Ángeles. El tratamiento satírico con el que presenta las maquinaciones que ocurren detrás de las cámaras durante el rodaje de un programa aparentemente abocado al fracaso se acerca peligrosamente a la realidad.

Paul Rudd está de acuerdo: “L.A. tiene unos estándares muy raros, y uno de ellos es la edad. Sé que los ejecutivos siempre están buscando guionistas jóvenes porque creen que están más en la onda de lo que está pasando y de las tendencias actuales. Para las mujeres es todavía más difícil. La ironía es que si lo comparas con la mayoría de las películas, la diferencia de edad entre Michelle Pfeiffer y yo no es tan grande. Lo que pasa es que el hombre suele ser el mayor”.

La actriz británica Sarah Alexander, que interpreta a la ayudante de Rosie, Jeannie, añade: “En Los Ángeles es absolutamente salvaje. Invierten mucho más dinero en los programas de televisión que en el Reino Unido, así que hay mucho más en juego y tienen mucha más presión. En la BBC nunca cancelarían un programa porque sí. Allí se sentarían a tomar una taza de té y una galleta y dirían lo disgustados y apenados que están”.

El resultado final es una película ingeniosa y conmovedora, definida en todo momento por el distintivo cinismo positivo de Heckerling. Si estos temas hubieran caído en manos de alguien menos inteligente, el resultado hubiera sido un película sentimentaloide o amargado, pero la directora los ha hilado finamente para crear un filme moderno, honesto y encantador.

Para que ésta se clasificara como una producción británica, EL NOVIO DE MI MADRE necesitaba gastar una gran proporción del presupuesto en el Reino Unido. Eso suponía recrear parcialmente Los Ángeles en Londres. El equipo rodó en Pinewood y en Londres durante 6 semanas y luego se trasladó a Los Ángeles para rodar 3 semanas en exteriores. “A Amy le hubiera encantado rodar íntegramente en LA porque ella vive allí”, dice Hallam-Larkin. Pero Heckerling es una conversa, el rodaje en Inglaterra le encantó. “Filmar en el Reino Unido ha sido maravilloso”, dice con entusiasmo. “Me encanta Londres, me encantan los actores ingleses y rodamos en Pinewood, (donde trabajaba Stanley Kubrick… ¡mi héroe!… era del Bronx igual que yo. Trabajar en los mismos escenarios fue alucinante”.

La productora reunió a la flor y nata de la industria británica delante y detrás de las cámaras. Uno de los ganchos principales para Heckerling fue la oportunidad de trabajar con Brian Tufano (Quadrophenia). Había intentado trabajar con él antes, pero los estudios nunca me daban suficiente presupuesto para tener un Director de fotografía británico en el proyecto… Así que me hizo mucha ilusión poder contar con él para este filme”.

Según Hallam-Larkin: “Brian Tufano no es sólo un fotógrafo, es un artesano. Es meticuloso al extremo. Leyó el guión y quiso unirse al proyecto en seguida. Amy lo admira mucho. Creo que hacen un equipo maravilloso”.

Eligiendo el reparto

En una película tan coral, era esencial que hubiera una química perfecta entre los actores principales. Michelle Pfeiffer le transmite a Rosie una comicidad impecable y un naturalismo muy fluido. “Es una actriz increíble”, dice Heckerling, muy entusiasta. “Su habilidad para trabajar con las emociones a flor de piel es impresionante, casi puedes tocarlas. También es muy graciosa, aunque ese aspecto no lo haya explotado en muchas películas. Como es tan guapa, no suele hacer papeles de ese tipo”.

Adam Perl, el joven actor que le roba el corazón a Rosie, tenía que ser un chico simpático e ingenuo, capaz de cautivar a Michelle Pfeiffer. Su relación tenía que ser totalmente creíble. También tenía que tener suficiente carisma para ganarse a la hija de Rosie en la ficción. ¡Casi nada! Paul Rudd (VIRGEN A LOS 40) colaboró con Heckerling hace diez años en NI IDEA, y fue la opción para Adam desde el principio. “La primera vez que trabajé con Paul, él no había hecho nada antes”, explica la guionista-directora. “Me la jugué con él, y me ha encantado desde entonces. Cada vez es más gracioso. Siempre intento ver sus películas y es tremendamente versátil. Por un lado, se mantiene al día, haciendo comedias desternillantes y actuales. Pero por otro, está en Broadway haciendo obras de Shakespeare. Debería ser una gran estrella. Creo que éste va a ser su año. La química entre él y Michelle es impresionante: él la provoca y ella se ríe como una adolescente”.

Por su parte, Rudd la pasó fenomenal haciendo la película. “Bueno, trabajar con Michelle fue alucinante”, dice riéndose. “¡Seamos serios! A ver, ¿quiénes suelen trabajar con ella? Jack Nicholson… Al Pacino… Sean Penn… y ahora yo. ¡Nunca me voy a acostumbrar a ello! ¡Me parece irreal! Además Amy es genial, ¡siempre consigue hacer que me sienta más gracioso de lo que soy en realidad!”.

La tercera pieza esencial de este rompecabezas era la intérprete que encarnaría a la hija de Rosie, Izzie, una atípica niña de Beverly Hills. La única manera de hacer que la película encontrara el tono satírico de la voz de Heckerling era dar con una actriz infantil que estuviera completamente al margen de los niños mimados de Hollywood. El equipo se enamoró enseguida de la pre-adolescente irlandesa Saoirse Ronan, pero en un principio creyeron que sería más acertado “jugar en casa” y buscar a una estadounidense. “Saoirse es adorable”, dice Heckerling. “En la audición hizo la prueba con acento americano. Nos dijo: ‘¿Desean que use acento australiano? ¿O neozelandés? ¿O escocés? ¿O británico? Tiene un oído increíble y mucha facilidad para los acentos. ¡Da un poco de miedo!”.

Para el papel de la Madre Naturaleza, la conciencia de Rosie, Heckerling tuvo la suerte de poder contar con su primera opción, la actriz Tracey Ullman, un genio de la comedia. “Es tan graciosa”, añade la productora Cerise Hallam-Larkin. “Al principio habíamos pensado que utilizase su acento británico, pero cuando la oímos echándole la bronca a Rosie con acento del Bronx nos pareció que el personaje tenía que ser de la Costa Este”.

A Ullman le entusiasmó trabajar en el proyecto. “Me encanta esta película porque habla de mujeres que se hacen mayores, y ése es un tema que hay que tratar, sobre todo en Estados Unidos. Tenemos que envejecer con dignidad. Hay mujeres que se han hecho tantas operaciones que ya no pueden ni mover la cara, y una piensa, ‘¿Pero qué te has hecho?’. Así que es genial que Amy haya hecho una película que trate este tema desde una perspectiva cómica. ¡Ya era hora, porque hace mucha falta!”.

A Heckerling le gusta trabajar con amigos. Escribió el papel de Brianna Minx, la neurótica actriz principal de la serie que Rosie dirige, para Stacey Dash. “El personaje tiene unos treinta y cinco años y no entiende por qué a las actrices adolescentes les va mejor que a ella. Su razonamiento es que ella fue una adolescente antes y por lo tanto no es justo”, dice Heckerling. “Brianna siente que está en su derecho y Stacey traslada sus sentimientos a la pantalla con mucha gracia”.

Dash conoce el mundo que representa la película de primera mano: “Diría que la película representa algo muy cercano a la realidad de Hollywood en lo que respecta al trato que reciben las mujeres. Se supone que deberíamos estar siempre jóvenes, delgadas y guapas, pero la verdad es que no se puede detener el tiempo. Creo que las mujeres a las que admiramos y amamos al final, las que se convierten en el modelo a seguir, son aquellas que no caen en esa trampa”. “Trabajar con Michelle Pfeiffer ha sido increíble”, dice. “Me quedaba embobada, al punto que tenía que decirme, ‘Stacey, deja de mirarla’. Había trabajado antes con Paul Rudd. Es como mi hermano, fue muy rara la escena que nos damos un beso,¡casi como incesto!”.

Otro papel crucial es Jeannie, la secretaria de Rosie y su alter ego cutre. La actriz cómica británica Sarah Alexander (STARDUST) debuta en la gran pantalla con esta película. Heckerling explica que “queríamos que Jeannie fuera similar a Rosie, pero en una versión más perversa. No sé si los espectadores se darán cuenta, quizá se quede sólo como un guiño entre los de vestuario y yo, pero Jeannie siempre aparece llevando una versión más barata de lo que Rosie vestía en escenas anteriores”.

Según Alexander: “Amy sabe lo que hace, sabe lo que busca con su humor, sabe lo que quiere sacar de cada personaje y encima te deja libertad para que interpretes, lo cual es muy importante. Es un guión cómico buenísimo con personajes cómicos maravillosos. ¡Todos nos vamos a enamorar locamente de Paul Rudd!”.

Heckerling es muy fan de la comedia británica y le encantó poder contar con tantos actores británicos para los papeles secundarios. “Incluso para los papeles muy pequeños tenemos a la flor y nata de la interpretación británica”, dice Hallam-Larkin. “Desde Mackenzie Crook de The Office hasta David Mitchell, de Peep Show. De hecho, creo que David va convertirse en una fuerza imparable en el mundo de la comedia. Además hay cameos de presentadores como Graham Norton”. Algunos de los aspectos del casting fueron difíciles. “Fue complicado dar con actores británicos que pudieran poner acento americano sin perder su capacidad cómica”, admite Hallam-Larkin. “Espero que David Mitchell me perdone por decir esto, pero la razón por la que hace de británico en la película es porque no consiguió acento americano. ¡Nos gustó tanto que queríamos trabajar con él de todas formas!”.

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ENEMIGO EN CASA

Para los estudiantes de Forest Meadow Middle School, la clase de educación física no es cosa de juegos, sino una humillación mental y física a cargo del duro profesor Mr. Woodcock (Billy Bob Thornton).

En la clase de gimnasia del Sr. Woodcock se corre más que en un campo militar y las debilidades y flaquezas de los muchachos se pagan con tortura y humillación, que empiezan cuando el profesor sopla su silbato.

Para John Farley (Seann William Scott), autor de la novela Letting Go: Getting Past Your Past, los dolorosos recuerdos de la clase del Sr. Woodcock fueron reemplazados por el exitoso escritor y orador seguro de sí mismo en que se convirtió John. Cuando una cancelación a último momento le otorga un día libre, John regresa a casa para sorprender a su madre, Beverly (Susan Sarandon), con la noticia de que le otorgarán la prestigiosa llave de la ciudad “Corn Cob Key” durante el Festival Cornival.

La alegría de John pasa a ser angustia, cuando descubre que su madre se ha enamorado del Sr. Woodcock. Forzado a pasar tiempo con ellos, John debe soportar la filosa lengua y las tácticas de intimidación de su antiguo profesor. Ignorando los ruegos de su editora Maggie (Amy Poehler) para que regrese a su gira, John extiende la visita para poder separar a su madre del Sr. Woodcock, pero mientras van pasando los días, se encuentra regresando a esas viejas inseguridades de su juventud.

Mortificado por la inevitable próxima boda entre su madre y el hombre que él odia verdaderamente, John le pide ayuda a su viejo amigo del colegio, Jay Nedderman (Ethan Suplee), en un último intento de derrotar al Sr. Woodcock. El resultado es una serie de confrontaciones que llevan a John a descubrir que el pasado de uno es difícil de dejar atrás.

Sobre la producción

ENEMIGO EN CASA tiene el guión co-escrito por Josh Gilbert, quien todavía se siente mal cuando recuerda sus años de adolescencia, cuando era un muchacho con sobrepeso y con mala coordinación y los rudos profesores de educación física que hicieron de su vida un infierno.

“Cuando eres un muchacho gordito al que no le gustan los deportes, el mundo está lleno de Sres. Woodcock”, ríe Gilbert. “Mis padres no se daban cuenta de que tenían un hijo gordito y no muy activo, entonces me enviaban a campamentos de baloncesto en el verano. Los entrenadores a cargo de esos campamentos no suelen sentir pena por nadie”.

“Cada partido que tuve que jugar siempre estaba del lado de los que juegan mal”, continúa. “Que me grite un hombre más grande que yo, vestido en pantalones cortos de poliéster, mientras te encuentras corriendo en la cancha intentando jugar al balón cesto y a la vez tapar un poco tu gordura… eso es muy difícil y doloroso”.

Fue muy doloroso –tanto que Gilbert llevó esa humillación que sintió cuando adolescente al cine, junto con Michael Carnes, con quien escribió el guión. Ambos recordaron momentos pasados en el colegio y desarrollaron el guión de esta película y el personaje del Sr. Woodcock.

“Woodcock es el sujeto que todos tuvimos como profesor de gimnasia”, explica Gilbert. “Me di cuenta de que todo el mundo tuvo un profesor de gimnasia que odiaron. O un entrenador. O simplemente alguien con un silbato y medias de toalla que te obligaba a que te duches aunque tú no quisieras.”

Se necesita a un tipo de persona especial para que sea profesor de gimnasia”, dice el guionista Michael Carnes. “Además de poder soplar un silbato, no estoy seguro de qué te califica para ser profesor de gimnasia – ¿acaso la mayoría de ellos tienen sus estudios completos? Ocupan una posición de autoridad en una época muy extraña en la vida de un niño. Tienen muchísimo poder, y a veces disfrutan de abusar de ese poder en demasía.”

Gilbert y Carnes rápidamente entendieron el concepto rígido y hasta algo militar del profesor de gimnasia. Una vez que Woodcock estuvo definido, las posibilidades de la historia eran infinitas. “Una vez que tuvimos bien establecido al profesor de gimnasia, revisamos varios escenarios con él”, dice Gilbert. “Lo que finalmente lo llevó al primer boceto del guión fue la simple idea de “en el peor de los casos”: ¿qué tal si el profesor de gimnasia que odiaste toda tu vida se casara con tu madre? Después de llegar a ese interrogante, el resto de la historia se desenvolvió por sí sola… Mike y yo somos muy protectores de nuestras madres,” agrega.

Cuando el productor Bob Cooper, quien produjo comedias como SLEEPOVER y TODAS CONTRA JOHN, leyó el primer boceto, sintió un repentino interés. “Las primeras veinte páginas son tan espectaculares”, dice. “Y era el primer guión de Michael y Josh. Fue alucinante”. El boceto original era mucho más oscuro que el guión que se grabó, se hicieron varios cambios durante la filmación.

“Tomamos la idea central que habían desarrollado los escritores pero la aligeramos un poco”, dice Cooper. “Lo que decían los escritores, era mantener a John Farley y al Sr. Woodcock juntos constantemente. La vida de todos los días crearía la comedia”.

Además de la clara premisa y de un elemento sorpresa, el guión tiene temas profundos para ser comedia, y eso le da una profundidad a la historia que le gustó a Cooper.

“El guión te pregunta: ¿puedes regresar a casa?’”, dice. “También dice que no importa lo mala que fue tu niñez, llega un momento cuando debes tomar la responsabilidad de tu vida”.

A Cooper también le gustó lo accesible del personaje de John Farley. “Él es todos nosotros. Cuando se encuentra con el Sr. Woodcock, recuerda todo sobre su pasado –todas las debilidades, las fragilidades, los miedos, las pesadillas”, dice. “Todos tenemos esos disparadores”.

Pero la temática no empaña el humor. “Es genial que la película tenga una temática, pero que esté ejecutada de forma que te haga reír”, agrega Cooper. Cooper buscó al director Craig Gillespie para este proyecto. Gillespie es más que nada director de comerciales y tiene un estilo visual que le encantó a Cooper.

“Ve cosas que yo no veo”, dice el productor. “Craig es un visionario, en especial para la comedia. No le gustan los chistes baratos y simples. Él toma la realidad cotidiana y le coloca una lupa y la mira desde ahí”.

Cooper no estaba preocupado en trabajar con un artista que hiciera su debut como director en esta película. “Honestamente, me encanta la oportunidad de trabajar con un director debutante”, dice Cooper. “Es alucinante trabajar con alguien vibrante y fresco, con talento y habilidades. Es una gran oportunidad para un productor”.

Para Gillespie fue una oportunidad única, él se sintió muy atraído por el personaje de John Farley en el guión de Gilbert y Carnes. “Suelo sentirme atraído por estos héroes jóvenes que tienen 20 años y buscan respuestas”, dice Gillespie. “John se ve enfrentado a una figura tan fuerte como es el Sr. Woodcock, y parece que todos han tenido a alguien así en su vida. El hecho de que John tiene la oportunidad de regresar y tratar con él en la actualidad, lo convierte en un personaje interesante, y se pudieron crear muchas situaciones graciosas al respecto”.

El acercamiento de Gillespie a la comedia es tan disciplinado como el acercamiento de Woodcock a la educación física. “Intento hacer comedia para el público más difícil”, dice. “Todo lo que sucede y todo lo que hacen los personajes viene de un lugar posible. No hay situaciones graciosas imposibles de creer ni nada de eso”.

Gillespie y su equipo de creativos “pasaron mucho tiempo asegurándose de que todo estuviera basado en la realidad, que la estructura fuera lógica y los motivos de John tuvieran sentido. Cuando además agregas comedia a todo eso, lo disfrutas aún más”.

Con Gillespie a bordo como director, comenzó el casting para el Sr. Woodcock. “No podía pensar en nadie mejor para este papel que Billy Bob Thornton”, dice Gillespie. “Fue la primera elección.”

Thornton está acostumbrado a interpretar a entrenadores ya que fue el Entrenador Morris Buttermaker en la nueva versión de BAD NEW BEARS y el Entrenador Gary Gaines en FRIDAY NIGHT LIGHTS. ¿Le interesaría hacer del profesor de gimnasia Jasper Woodcock?

“Mi primer requerimiento cuando hago una película es tener un buen guión, y éste lo era”, dice Thornton. Después de los cambios, “el guión pasó de ser realmente bueno a grandioso. Esa es la razón principal por la que quise interpretar a este personaje”.

“Nunca antes vieron a un personaje como Woodcock”, agrega. “Definitivamente nunca alguien tan gracioso y oscuro como él”. Habiendo crecido entre atletas toda su vida, Thornton ansiaba poder interpretar un personaje que fuera tan estricto como Gary Gaines en FRIDAY NIGHT LIGHTS, pero desde el punto de vista de la comedia.

“Mr. Woodcock es la pesadilla que tienen todos los chicos en el colegio”, dice Thornton. “Todos se pueden sentir identificados con la historia”. El padre de Thornton era entrenador de balóncesto en un colegio secundario, “yo crecí en ese ambiente. Cuando tu padre es entrenador, tiene reglas para todo. Yo tengo parte de la personalidad de mi padre”.

Pero el resto es magia pura creada por la fértil imaginación de Thornton. “Billy Bob tiene un estilo tan único que puede tomar un estereotipo y hacerlo mucho más interesante y menos predecible. Y también mucho más temeroso”, dice el productor Bob Cooper. “Hay un elemento desconocido en la actuación de Billy Bob en esta película. ¿Qué es lo próximo que harán él y Woodcock?”

Thornton habla sobre el director Craig Gillespie. “Craig hace cosas graciosas muy sutiles”, dice el actor. “No le gusta la comedia obvia. Yo me alegré mucho al saber eso, ya que el guión no es nada obvio. Es muy gracioso y a veces muy oscuro”.

Gillespie estaba feliz de que Thornton haya firmado para interpretar a Woodcock. “Una vez que Billy firmó, la película cobró vida”, dice el director. “Tiene una gran presencia e intensidad, incluso para las cosas menores”.

Thornton y Gillespie estaban de acuerdo en que no querían que el personaje de Woodcock se convirtiera en un cliché del hombre gritón que sopla un silbato “como cualquier entrenador de fútbol que ves en las películas de deportes”, dice el director. “Los motivos ocultos y ambiguos de Woodcock lo convierten en alguien tenso e incómodo. Y Billy sabe muy bien cómo lograr eso”.

El éxito de la película se basaba en la química entre Woodcock y John Farley. Al combinar al vecino de al lado con una sutil agudeza, Seann William Scott fue la elección ideal para interpretar al escritor de libros de auto ayuda que se convierte en el enemigo de Woodcock.

Scott quiso actuar en esta película por un motivo de tres palabras: “Billy Bob Thornton – quería hacerlo porque él estaba en el filme”, explica. “Era una gran oportunidad de trabajar con él”. A Scott también le atrajeron muchos elementos del proyecto. “Es fácil identificarse con él. Muchos adultos han tenido esta experiencia ya sea con profesores de gimnasia o entrenadores”, dice. “También me gustó poder interpretar al sujeto normal de la película al que le pasan todas estas cosas”.

Al igual que Thornton, Scott se sintió inmediatamente impactado con el director Craig Gillespie. “Craig tiene una energía única”, dice Scott. “Me encantó su demo –sus comerciales son graciosos y a la vez diferentes a todo lo que he visto. Después de conocerlo, me di cuenta que tenía que hacer esta película”.

Gillespie estaba igualmente entusiasmado con Scott. “Lo que me encanta de Seann en este papel, es que es diferente a todo lo que hizo anteriormente. Nunca lo vimos hacer esto antes”, dice Gillespie. “Tiene un costado tan sincero y agradable. Y esta fue la oportunidad de mostrar ese costado suyo en el film. Siempre ha hecho cosas muy grandes e importantes en sus películas y esta es la primera vez en la que puede hacer cosas más sutiles y pequeñas en su actuación”.

Al elenco lo completa la ganadora del Oscar Susan Sarandon como Beverly, la madre de John Farley y pareja del Sr. Woodcock.

“Ella es una de esas madres hermosas que cuando eras niño te enamoraban”, dice el guionista Josh Gilbert. “Beverly siempre ha sido gran parte de la vida de su hijo –y probablemente porque ella fue la única que estuvo ahí para él, él todavía se siente muy cerca de ella.”

El productor Bob Cooper trabajó anteriormente con Sarandon en STEPMOM. “El nivel de actuación, carisma, calma y belleza que aporta Susan al personaje hace que no se convierta en una víctima”, dice Cooper. “El poder que ella le aporta al rol nos hace dar cuenta que Woodcock no es tan mal sujeto”.

“El cortejo de Woodcock hacia Beverly definitivamente muestra su mejor parte”, dice Sarandon. “Ella no ha tenido un novio en serio desde que su marido muriera hace años y ahora se encuentra cortejada por Woodcock, un hombre de verdad que la cuida mucho. Y luego cuando su hijo, John, aparece, eso hace que salga lo peor de ambos, tanto de él como de Woodcock –así es que las dos personas que ella más quiere, la desilusionan”.

Sarandon disfrutó trabajar con Billy Bob Thornton y recuerda el primer día en que empezaron la grabación. “Billy Bob Thornton es realmente gracioso, pero a veces se pone tan serio que te confunde. El primer día me invitó a su camarín y cuando entré vi fotos mías desde la actualidad hasta el colegio secundario. Debió pegar cerca de 100 fotos mías! Pero él no me dijo nada. Simplemente conversamos y yo pensé, esto será interesante…”

Completando el estelar elenco se encuentra Amy Poehler (Saturday Night Live) , quien interpreta a Maggie, la editora de John Farley que también es niñera. “Ella es la encargada de tener listo a John para promocionar la gira de su libro”, dice Poehler. “Ella es la típica muchacha de ciudad y no se siente impactada cuando él decide dejar todo e ir a casa de su madre”.

Poehler, cuyos padres son ambos maestros, se sintió satisfecha cuando el guión fue revisado y cambiaron algunas cosas de él. “Cuando leí el guión por primera vez era una comedia/drama en la Inglaterra Victoriana y muchas cosas sucedían debajo del agua”, bromea. “Mucho ha cambiado desde mi primer boceto”.

Completando el elenco se encuentan Melissa Sagemiller como Tracy, la vieja compañera de clases y primer amor de John Farley; Ethan Suplee como el amigo de Farley, Nedderman y Jacob Davich como el misterioso hermano de Nedderman, Clark.

La producción de ENEMIGO EN CASA se hizo en Los Ángeles. Como puede esperarse al filmar esta especie de material, las risas fueron abundantes de ambos lados de la cámara.

“Me muero de risa en cada secuencia de la película. Es difícil quedarse serio”, dice Seann William Scott. “Toda la película es muy graciosa”.

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METEORO: El especial

Los hermanos Wachowski y el productor Joel Silver creadores de la revolucionaria trilogía THE MATRIX ofrecen ahora la aventura de altos octanos, METEORO - LA PELÍCULA, para toda la familia.

METEORO - LA PELÍCULA es el primer trabajo de los hermanos Wachowski como escritores y directores, luego de la trilogía de filmes THE MATRIX. Joel Silver, ya había trabajado con ellos, no solo con todos los filmes THE MATRIX sino también en V DE VENGANZA. Es él quien produce METEORO - LA PELÍCULA bajo el nombre de su compañía productora Silver Pictures. Grant Hill, Andy Wachowski y Larry Wachowski fueron también productores, y David Lane Seltzer, Michael Lambert y Bruce Berman fueron productores ejecutivos.

Tras las imágenes, el equipo creativo estuvo compuesto por: el director de fotografía David Tattersall, el diseñador de producción Owen Paterson, los editores Zach Staenberg y Roger Barton, y la diseñadora de vestuario Kym Barrett. Música de Michael Giacchino. John Gaeta y Dan Glass fueron los supervisores de efectos visuales.

Los protagonistas de METEORO - LA PELÍCULA son: Emile Hirsch (LA CHICA DE AL LADO, ALPHA DOG) en el papel principal; Christina Ricci (LA LEYENDA DEL JINETE SIN CABEZA) como la novia de METEORO, Trixie; John Goodman (REGRESO DEL TODOPODEROSO) y la actriz ganadora del Oscar Susan Sarandon (ENCANTADA) respectivamente como Pops y Mom Racer; Matthew Fox (la serie Lost) interpreta al Corredor X; Roger Allam (V DE VENGANZA) es Royalton; Paulie Litt (Hope & Faith en TV) es Chispita; Benno Fürmann (THE MUTANT CHRONICLES) es el Inspector Detector; Hiroyuki Sanada (EL ÚLTIMO SAMURAI) es el Señor Musha; Rain, la súper estrella del pop asiático, en su gran debut en el cine americano, es el corredor rival llamado Taejo Togokahn; Richard Roundtree (Heroes en TV, SHAFT) es Ben Burns; y Kick Gurry (DALTRY CALHOUN) es Bujía.

METEORO - LA PELÍCULA está basada en la serie clásica creada por el pionero de animación en Japón, Tatsuo Yoshida. Narrando la maravillosa historia por medio de actuación en vivo, la película muestra el tipo de efectos visuales revolucionarios, ya característicos en las películas de los hermanos Wachowski.

Dando arranque al Mach 5

Larry y Andy Wachowski, escritores, directores y productores fueron quienes crearon la revolucionaria trilogía THE MATRIX. Ellos dieron nueva definición a las películas de acción con su estilo de filmación único, el cual mezcla varias capas de narrativa con increíbles efectos visuales.

METEORO era ya una clásica serie de dibujos animados de la TV. Al llevarla a la pantalla grande, los Wachowski pudieron darle una nueva perspectiva a este clásico probado, y al mismo tiempo, alcanzar el amplio público que vé películas para la familia.

-“Con THE MATRIX, Larry y Andy crearon un estilo visual que cambió la consciencia de los que ven cine. Ahora, uno puede ver cosas inimaginables en un filme” – dice el productor Joel Silver- “Con METEORO - LA PELÍCULA, una vez más, l