Guillermo del Toro

Guillermo del Toro Gómez nació el 9 de octubre de 1964, en Guadalajara, México. Criado por su abuela, una católica muy devota, su interés por el cine le llegó a los 8 años. Estudió en el Instituto de Ciencias de la Universidad de Guadalajara. Luego, aprendería de maquillaje y efectos especiales con Dick Smith (quien trabajo en EL EXORCISTA), y empezó realizando sus primeros cortometrajes. Dirigió e hizo las veces de productor ejecutivo de su primera cinta, el cortometraje DOÑA LUPE, en 1986, a los 21 años. Pasaría los próximos ocho como diseñador de efectos especial y maquillaje, y formaría su propia compañía, Necropia, a cominenzos de los 80. Además sería el cofundador del Festival de Cine Mexicano, cuya base se encuentra en su ciudad natal, Guadalajara. Además produciría y dirigiría programas para la televisión mexicana, a la par que enseñaba cine.

Del Toro tuvo su primer reconocimiento con CRONOS (1992) que ganó nueve premios de la Academia de Cine Mexicana, además de ganar el premio de la Semana de Críticos Internacionales en Cannes. La cinta estuvo protagonizada por el veterano actor argentino Federico Luppi y por el estadounidense Ron Perlman, y marcaría el comienzo de varias colaboraciones entre ambos intérpretes con el cineasta.

Fue durante este éxito que Del Toro realizaría su primera cinta en Hollywood, MIMIC (1997), protagonizada por la actriz Mira Sorvino, basada en el cuento homónimo de Donald A. Wollheim. Durante la producción, sin embargo, del Toro y Bob Weinstein de Miramax peleaban todo el tiempo debido a diferencias creativas, lo que llevaría incluso a que Weinstein despidiera temporalmente a del Toro, aunque lo volvería a contratar días después. Del Toro no quedó satisfecho con el resultado final de la película, y no se quedaría callado al respecto, remarcándolo públicamente en varias ocasiones. Terminaría describiendo la película como “tener una bella hija a la cual le cortan los brazos”. Pero a pesar de la desagradable experiencia de trabajar con un exigente estudio hollywoodense, esto le serviría para que al regresar a México pudiera formar su propia compañía de producción, llamada The Tequila Gang.

En 1998 su padre sería secuestrado en México, lo que impulsó a del Toro a mudarse al extranjero como expatriado. Pasada la experiencia, y luego que su padre le fuera devuelto sano y salvo, Del Toro comentaría, a manera de broma, que lidiar con secuestradores no fue tan traumático como realizar MIMIC.

Entre la obra cinematográfica de Guillermo del Toro, son dos cintas, muy relacionadas entre sí, las que fueron la más aclamadas por la crítica. EL ESPINAZO DEL DIABLO (2001) y EL LABERINTO DEL FAUNO (2006) son cintas históricas de terror y fantasía, ubicadas en el contexto de la dictadura de Francisco Franco en España. Ambas tienen trasfondos, protagonistas (niños), y temas similares (que incluyen la relación entre la fantasía y el terror con la lucha de vivir bajo un gobierno autoritario) con la cinta EL ESPÍRITU DE LA COLMENA (1973) de Víctor Erice, considerada una de las mejores cintas españolas de los 70.

Fue gracias a EL ESPINAZO DEL DIABLO, historia de fantasmas durante la Guerra Civil Española, que encantó al público y a la crítica, que del Toro decidió darle otra oportunidad a Hollywood. Así, al año siguiente, dirigiría la segunda película de la franquicia del héroe cazavampiros de la Marvel, BLADE II (2002), protagonizada una vez más por Wesley Snipes.

A la cinta le fue bien, y a del Toro se le ofreció continuar trabajando en la tercera parte de BLADE o hacer una adaptación fílmica de HELLBOY (2004), cómic de la compañía Dark Horse, escrito por Mike Mignola. Aunque del Toro consideró brevemente meter ambas cintas en su itinerario, al final decidió elegir a HELLBOY, y para ellos llamaría a uno de sus actores favoritos, Ron Perlman, con quien ya tenía experiencia trabajando.

Toda esta experiencia manejando presupuesto mayores, lo llevaría a la que es considerada su obra maestra, EL LABERINTO DEL FAUNO. Con casi dos años de producción, del Toro puso su corazón y su vida en esta cinta, e incluso dejó de percibir un salario para asegurarse que el producto final fuera tal y como lo había imaginado. Al final, todos sus esfuerzos rindieron excelentes frutos. La cinta, llamada “un cuento de hadas para adultos”, también toma lugar durante la Guerra Civil Española, y no solo se ganó la aprobación de prácticamente toda la crítica, sino que se convirtió en la cinta española que más dinero ha recaudado en USA. Además conseguiría tres (Mejor Maquillaje, Mejor Dirección de Arte, Mejor Fotografía) de las seis estatuillas a las que fue nominada en los Premios de la Academia.

En todas estas cintas, ya se puede apreciar ciertas fascinaciones que tiene el director, y que se han vuelto regulares en su cine: insectos, relojes antiguos, monstruos, lugares oscuros y criaturas no nacidas. Es más, el director ha comentado que su fascinación particular con los monstruos es algo casi antropológico. En su cine estos son estudiados o hasta disecados, para ver como funcionan, que tiene por dentro, y hasta su sociología. Como para cimentar su adoración por la fantasía, del Toro también ha mencionado entre sus influencias a Arthur Machen, Lord Dunsany, Clark Ashton Smith, H.P. Lovecraft y Jorge Luis Borges.

Del Toro es amigo cercano de dos directores compatriotas, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu. Los tres a menudo suelen influir en las decisiones directorales de cada uno de ellos, e incluso han sido entrevistados juntos. Cuarón además produjo EL LABERINTO DEL FAUNO.

Cuando se revelaron las nominaciones para el Premio de la Academia, en enero del 2007, los tres fueron mencionados: del Toro por Guión Original en EL LABERINTO DEL FAUNO, Cuarón por Edición y Guión Adaptado por NIÑOS DEL HOMBRE e Iñárritu por producir y dirigir BABEL.

Del Toro ha rechazado realizar éxitos seguros cuando estos coinciden con el momento en que quiere hacer sus propios proyectos. Por EL LABERINTO DEL FAUNO, del Toro rechazó LAS CRÓNICAS DE NARNIA: EL LEÓN, LA BRUJA Y EL ROPERO. Para realizar HELLBOY II EL EJÉRCITO DORADO (2008), rechazó SOY LEYENDA, UNA LLAMADA PERDIDA, y HARRY POTTER Y EL MISTERIO DEL PRÍNCIPE.

Además de su relación cercana con varios directores, incluyendo los compatriotas ya mencionados, del Toro parece tener una buena relación laboral con el actor Ron Perlman. Entre sus películas que lo incluyen a Perlman como personaje secundario o principal, están BLADE II y la franquicia de HELLBOY. Es más, para estas últimas, del Toro ha tenido que pedir siete años para tener a Perlman en el papel titular, ya que los productores querían originalmente que se eligiera a un actor más conocido.

Guillermo ha comentado que entre sus futuros proyectos estaría THE COFFIN, basada en la alabada novela gráfica escrita por Phil Hester, y dibujada por Mike Huddleston. Otros proyectos incluyen DEADMAN, THE WITCHES, una adaptación de una historia de Roald Dahl (autor de CHARLIE Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATES), THE CHAMPIONS que estaría basada en una serie de televisión británica, y AT THE MOUNTAINS OF MADNESS, basada en una historia homónima de H. P. Lovecraft. Además también sería el productor de la cinta dirigida por Neil Gaiman, DEATH AND ME, adaptación de Death: The High Cost of Living.

Del Toro también ha expresado interés en adaptar FRANKENSTEIN como una “tragedia miltoniana”, tras haber leído con entusiasmo el borrador del guión realizado por Frank Darabont.

En abril de 2008, se anunció oficialmente que del Toro dirigiría EL HOBBIT, precuela de la popular saga de J.R.R. Tolkien, EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, cinta que sería producida por Peter Jackson. Para del Toro, contribuir con el legado de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, fue como un sueño hecho realidad. Por los próximos cuatro años, él y su familia se mudarían a Nueva Zelanda. Como consecuencia también está que sus proyectos serían atrasados, pero del Toro piensa que es una equivalencia aceptable.

Actualmente, el cineasta vive en Westlake Village en Los Angeles, California, con su esposa y sus hijas Mariana y Marisa.

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Heath Ledger

Heath Andrew Ledger nació el 4 de abril de 1979 en Perth, Australia Occidental. Su madre, Sally Ledger Bell, fue maestra de francés y su padre, Kim Ledger, un corredor de autos de carreras e ingeniero de minas. Heath Asistió a la primaria Mary’s Mount, en Gooseberry Hill, y luego a la Guildford Grammar School, en donde experimentaría por primera vez con la actuación, participando en la producción escolar de Peter Pan a los 10 años. Sus padres se separaron cuando tenía 10 años y se divorciaron al año siguiente. Sería su querida hermana mayor, Kate, anteriormente actriz y ahora publicista, quien lo acercaría a las tablas, y su cariño por Gene Kelly inspiró su exitosa coreografía liderando el primer equipo masculino de 60 estudiantes del Guildford Grammar que lo llevaría a la victoría en el Rock Eisteddfod Challenge.

Aunque no tenía aún una idea clara de hacer carrera delante de las cámaras, Heath sí consideraba la posibilidad, al menos lo suficiente para convencer a Kate a que fuera su agente. Aparecería en la pantalla por primera vez en 1992, como extra, en CLOWING AROUND, protagonizada por Ernie Dingo, y al año siguiente aparecería en SHIP TO SHORE, una especie de HAPPY DAYS en versión australiana. Ambas producciones se llevaron a cabo en su natal Perth.

En esta ciudad también rodaría SWEAT (1996), serie sobre la vida, triunfos y desesperanzas de un grupo de muchacho de una academia de élite para deportistas. A Heath se le ofreció el escoger entre 2 papeles –un nadador y un ciclista– y su elección de elegir al ciclista Steve “Snowy” Bowles demostraría desde ya su ambición. El personaje era homosexual, y al notar la casi inexistencia de tales personajes en la TV australiana, supuso que eso lo haría notorio. Y aunque la serie no fuera la gran cosa y tampoco tuviera gran impacto, Ledger sí que fue notado y, aún más importante, lograría conexiones. Durante esta producción conocería a Martin Henderson, quien a pesar de ser mayor que Heath por 4 años, se llevaba muy bien con él y vio su potencial. Al regresar a su natal Sydney, le comentó a Ledger la oportunidad de acompañarlo y probar en serio la actuación. Aunque inseguro, Ledger decidió arriesgarse, y acompañado por Henderson ingreso al mundo de la televisión, el cine y el teatro.

Aunque tenía solo 16, Ledger tomó la decidió arriesgarse. Así, tomó un examen adelantado para graduarse y terminar la escuela un año antes, y se mudaría a la gran ciudad con su mejor amigo Trevor DiCarlo, buscando ahora sí consolidar una carrera como actor. El trabajo llegaría pronto con un papel pequeño en la cinta BLACKROCK (1997), en donde un muchacho es testigo de una violación y asesinato pero debe callar para no delatar a sus amigos. Luego tuvo otro papel minúsculo en PAWS (1997), cinta infantil sobre un perro que tiene la clave para una fortuna de un millón de dólares. Y estando corto de dinero también tendría un papel esporádico en la exitosa y duradera telenovela australiana, HOME AND AWAY, como Scout Irwin, un chico surfista bastante rudo que esconde un terrible secreto.

Pero sería en 1997 cuando tendría un debut, propiamente dicho, con ROAR. Esta serie de fantasía medieval, financiada por la Fox Broadcasting Company, fue filmada en Queensland y está inspirada ligeramente en CORAZÓN VALIENTE. Ledger interpreta a Conor, un príncipe celta, que cada semana luchaba con una chica nueva y un enemigo nuevo mientras intentaba unir los clanes para poder librar a Bretaña de los invasores romanos. Aunque ROAR no fue un éxito en EEUU, resultó siendo una gran experiencia para el actor al estar expuesto a las cámaras por un periodo extendido, además de conseguir una pequeña legión de admiradoras en EEUU. Tanto se entusiasmaría él que conseguiría un agente estadounidense y vivió un tiempo en Los Ángeles.

El trabajo no llegó tan pronto como esperaba, pero en 1999, una producción australiana lo salvaría del estancamiento. Se trataba de TWO HANDS, dirigida por Gregor Jordan. Heath interpreta en la cinta a un muchacho de mal vivir en la Sydney suburbana, que sueña con el éxito en el mundo criminal.

De regreso a Hollywood, Ledger protagonizaría la comedia adolescente basada en LA FIERECILLA DOMADA de Shakesperare, 10 COSAS QUE ODIO SOBRE TI (1999), junto a la estrella adolescente del momento, Julia Stiles. El papel fue un éxito, y con él incluso pudo bailar y cantar como su admirado Gene Kelly, y el hecho que a la cinta le fura bien en taquilla, lo hizo más redituable.

Desde 2000 a 2005 actuaría en notorias cintas como EL PATRIOTA (2000), CORAZÓN DE CABALLERO (2001), EL PASADO NOS CONDENA (2001), LAS CUATRO PLUMAS (2002), NED KELLY (2003), DEVORADOR DE PECADOS (2003), LORDS OF DOGTOWN (2005) y LOS HERMANOS GRIMM (2005).

En 2005, Ledger recibió una nominación al Globo de Oro como Mejor Actor Dramático por su aclamada actuación en SECRETO EN LA MONTAÑA, en donde interpreta a Ennis Del Mar, el asistente de un rancho que mantiene una relación amorosa con el aspirante de jinete de rodeo Jack Twist, interpretado por Jake Gyllenhaal. Así a los 26 se convertiría también en uno de los intérpretes más jóvenes nominados al Premio de la Academia como Mejor Actor. Esta cinta además le valió a Ledger el premio de Mejor Actor de 2005 del Círculo de Críticos de Nueva York y el Círculo de Críticos de San Francisco.

Pero más allá de los numeroso premios, en SECRETO EN LA MONTAÑA, conocería a Michelle Williams, antes actriz de la exitosa serie DAWSON’S CREEK, con quien se casaría. Williams también había acabado la escuela antes de lo normal para abrirse paso en la vida de manera independiente en Los Ángeles. Ella también lograría una nominación al Globo de Oro por su interpretación en SECRETO EN LA MONTAÑA, y para entonces ya había tenido una hija junto con Heath, a la que llamaron Matilda Rose.

Y como para que nadie quede confundido por su convincente actuación en SECRETO EN LA MONTAÑA, ese año Ledger interpretaría al seductor más famoso del mundo y personaje titular de CASANOVA (2005), comedia romántica dirigida por Lasse Hallstrom y coprotagonizada por Sienna Miller.

Al año siguiente, Ledger sería invitado a formar parte de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

Su siguiente cinta sería I’M NOT THERE (2007), en donde sería uno de los 6 actores en interpretar a Bob Dylan en diferentes etapas de su vida. Ese año también iba a protagonizar TREE OF LIFE, de Terrence Malick, junto a Sean Penn. Pero tuvo que retirarse del proyecto en diciembre, y el rol terminó siendo ofrecido a Brad Pitt.

En uno de sus mejores papeles, Ledger participó en BATMAN, EL CABALLERO DE LA NOCHE, interpretando a un siniestro y totalmente psicópata Guasón, a quien muchos atribuyen el éxito de la cinta. Esta secuela de BATMAN INICIA (2005) que también es dirigida por Christopher Nolan, se estrenó a nivel mundial el 17 de julio de 2008. La película se encontraba en plena postproducción cuando la muerte encontró a este talentoso actor, quien además ya estaba enrolado en un papel secundario en THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS, cinta que en ese entonces se encontraba en producción. Ledger además estaba trabajando con el productor y guionista escocés Allan Scott en una adaptación de la novela de Walter Tevis, THE QUEEN’S GAMBIT. Planeaba no solo actuar en la cinta, sino también dirigirla, lo que la hubiera convertido en su primer largometraje como director.

La desgracia empezaría alrededor de las 2:45 de la tarde del 22 de enero del 2008, cuando se encontró al joven actor inconsciente en su apartamento del SoHo en Manhattan. Los paramédicos llegarían prontamente pero fueron incapaces de revivirlo, pronunciando su muerte a las 3:36, y su cuerpo fue retirado, mientras una multitud empezó a acumularse fuera del edificio durante toda la noche. Fue recién el 6 de febrero del 2008, casi luego de 2 semanas de diversas especulaciones por parte de los medios sobre la causa de su muerte, que la Oficina del Examinador Médico Jefe de Nueva York dio a conocer sus conclusiones basadas en la autopsia inicial del 23 de enero y de los subsecuentes y completos análisis toxicológicos. El reporte, en líneas generales, concluyó que Heath Ledger había muerto a causa de una intoxicación debido a los efectos combinados de varios químicos, que son parte de medicamentos prescritos para la ansiedad, la depresión el insomnio, el dolor y hasta el resfriado común. Se concluyó además que definitivamente se trata de un accidente, resultado de un abuso de medicamentos.

Al día siguiente de la trágica muerte, los padres y hermana de Ledger le leyeron a los medio en corto comunicado expresando su profunda pena y su deseo por privacidad. Dentro de los siguientes días, aparecieron numerosos tributos por parte de familiares, del Primer Ministro de Autralia Kevin Rudd, Warner Bros., y por su puesto miles de fans alrededor del mundo. También sus compañeros actores expresaron su tristeza por lo sucedido, entre ellos Daniel Day-Lewis, quien le dedicó su premio SAG a Ledger, diciendo haberse sentido inspirado por su actuación, además de alabar sus actuaciones en EL PASADO NOS CONDENA y SECRETO EN LA MONTAÑA.

Con respecto a las cintas del actor que estaban sin finalizar para el momento del deceso, las campañas de marketing de BATMAN: EL CABALLERO DE LA NOCHE y THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS, además de la producción de esta última, se vieron afectadas y ambos directores, Christopher Nolan y Terry Gilliam respectivamente, pensaron en rendir tributo al trabajo de Ledger en las cintas. Con respecto a la última cinta, aunque Gilliam tuvo que suspender la producción temporalmente, ha expresado su determinación de “salvarla”, tal vez usando imágenes por computadora (CGI). En febrero de 2008, los actores Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell aceptaron tomar la batuta en el papel que tuvo Ledger, convirtiéndose en múltiples encarnaciones de su personaje, Tony, transformado durante este recuento mágico de la historia de Fausto.

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Martin Scorsese

Martin Marcantonio Luciano Scorsese nació el 17 de noviembre de 1942 en Nueva York. Sus padres fueron Catherine (1912–1997) y Luciano Charles Scorsese (1913–1993), ella costurera y el planchador. De niño, su padre lo llevaría a menudo al cine, lo que generaría ya desde esta etapa en su vida una pasión por el séptimo arte, especialmente por el cine neorealista. Hablaría de esta influencia en un documental sobre el neorealismo italiano, específicamente en como LADRÓN DE BICICLETAS, PAISA y ROMA, CIUDAD ABIERTA lo inspirarían y de cómo influirían en cómo vería su herencia siciliana. En su documental IL MIO VAGGIO IN ITALIA, Scorsese notó que el episodio siciliano de PAISA de Roberto Rossellini, que vio por vez primera en la televisión junto a parientes inmigrantes sicilianos, tuvo un impacto importante en su vida. Fue por el cine que su deseo original de ser sacerdote fue finalmente reemplazado, dejando el seminario por la Escuela de Cine de NYU, en donde recibió su maestría en dirección de cine en 1969.

Debido al asma que lo aquejaba desde la infancia, Scorsese no sirvió al ejército en Vietnam cuando estalló la guerra, aprovechando el tiempo que pasó estudiando cine en la Universidad de Nueva York realizando cortometrajes como WHAT’S A NICE GIRL LIKE YOU DOING IN A PLACE LIKE THIS? (1963) y IT’S NOT JUST YOU, MURRAY! (1964). Su corto más famoso de este periodo sería la comedia negra THE BIG SHAVE (1967), en donde un hombre se afeita hasta terminar desangrado al cortarse la garganta. Esta cinta sería un guiño al envolvimiento de EEUU en Vietman, que también es sugerido por el título alternativo, VIET ‘67.

1967 también fue el año en que Scorsese logró realizar su primer largometraje, WHO’S THAT KNOCKING AT MY DOOR, en blanco y negro junto a sus compañeros de estudios, el actor Harvey Keitel, y la editora Thelma Schoonmaker, quienes luego colaborarían en varias cintas juntos. Esta cinta sería una precursora de MEAN STREETS. Ya incluso en este etapa embrionaría, se dejada evidenciar el “estilo Scorsese”: la visión de la vida callejera de los italoamericanos en Nueva York, una edición ágil, una banda sonora rockera y variada, y un protagonista masculino con problemas.

Fue en ese entonces que se haría amigo y conocido de los llamados “movie brats” de los 70: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas, y Steven Spielberg. Fue De Palma quien le presentó Robert De Niro a Scorsese, y ambos pronto se volverían amigos, y trabajarían juntos en varios proyectos. Durante este periodo el director trabajaría como uno de los editores de la cinta WOODSTOCK en donde conocería al actor y director John Cassavetes, quien no solo se convertiría también en su amigo, sino en una especie de mentor.

En 1972, Scorsese realizó la cinta de gángster de la era post-depresión BOXCAR BERTHA para el productor Roger Corman, quien también ayudó a directores como Francis Ford Coppola y James Cameron a comenzar sus carreras. Aunque se le considera una película menor, BOXCAR BERTHA le enseñaría a Scorsese a hacer cintas rápido y sin gastar mucho, proparándolo para su primera cinta junto a Robert De Niro, MEAN STREETS.

MEAN STREETS significó un reconocimiento inicial para ambos, y la consolidación del “estilo Scorsese” del que ya se ha hablado. Y aunque la cinta significó una innovación en el cine, su atmósfera energética, su estilo casi documental, y la dirección dura y callejera, bebe bastante de los directores Cassavetes y un Jean-Luc Godard cuando recién empezaba; es más, el primero instó a Scorsese que terminara de hacer su cinta, pues sintió que BOXCAR BERTHA no era suficiente para mostrar todo el talento del prodigioso director.

En 1974, la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en ALICE DOESN’T LIVE HERE ANYMORE, cinta por la cual ganaría el Oscar a Mejor Actriz. Aunque la cinta es apreciada, se le considera una anomalía en la carrera del director, pues se enfoca en un personaje femenino central.

Pronto después regresaría a Pequeña Italia en Nueva York, para explorer sus raíces étnicas, lo que se materialize en el documental ITALIANAMERICAN (1974), en donde aparecen sus padres, Charles y Catherine Scorsese.

Dos años después, Scorsese sorprendería al mundo del cine con la icónica TAXI DRIVER (1976), un retrato violento y deprimente de un hombre y su lento descenso hacia la locura en una Manhattan de pesadilla. Aquí la dirección de Scorsese ya estaba bastante lograda, con iluminación expresionista, cámaras lentas, cortes rápidos y tomas con punto de vista, todo para reflejar el delicado estado psicológico del protagonista. Pero a pesar de esta espectacular dirección, el poder de TAXI DRIVER recayó también en la excelente actuación de Robert De Niro en el papel principal. Esta cinta además sería la primera de una serie de colaboraciones con el guionista Paul Schrader. TAXI DRIVER ganaría la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1976, además de ser nominada a cuatro premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, aunque desgraciadamente el Oscar lo evadió en ese momento.

Este éxito con la crítica animaría a Scorsese a realizar su primer proyecto de gran presupuesto: el estilizado musical NEW YORK, NEW YORK (1977). Desgraciadamente este tributo del cineasta a su ciudad natal y al cine clásico musical de Hollywood fue un total fracaso. NEW YORK, NEW YORK marcó la tercera colaboración junto a Robert De Niro, y fue co-protagonizada además por Liza Minnelli, y se recuerda a la cinta principalmente por su canción principal del mismo nombre, popularizada por Frank Sinatra. Aunque poseía las típicas marcas visuales de Scorsese, los críticos en su mayoría que su atmósfera de la dejaron fría en comparación con su anteriores trabajos.

El desesperanzador recibimiento de NEW YORK, NEW YORK, deprimió mucho al director, que se complicaría al sufrir una adicción a la cocaína. Aún así mantuvo el ánimo creativo para realizar la apreciada THE LAST WALTZ, que documenta el último concierto de The Band, que mostraba uno de los equipos más caros de artistas presentados en un solo concierto, que incluía reconocidos músicos como Eric Clapton, Neil Young, Ringo Starr, Muddy Waters, Joni Mitchell, Bob Dylan, Ronnie Wood y Van Morrison. La cinta no sería vista hasta 1978 por que otros proyectos del cineasta retrasaban su estreno. Por ese entonces Scorsese también se encargó de otro documental, llamado AMERICAN BOY, que se enfocaba en Steve Prince, un arrogante vendedor de armas que aparece en TAXI DRIVER. A este le siguió un periodo de vida bastante desordenado, que hizo mella a la ya de por sí frágil salud de Scorsese.

De hecho, varios (incluído el mismo Scorsese) aseguran que fue Robert De Niro quien prácticamente le salvo la vida, cuando lo convenció a dejar su adicción para hacer la que es considerada una de sus mejores cintas, TORO SALVAJE (1980). Convencido que no volvería hacer otra cinta después de ésta, Scorsese puso todas sus ernegías en la realización de este violento biopic sobre el campeón de boxeo Jake La Motta. Filmada en blanco y negro, TORO SALVAJE, marca el ápice del desarrollo estilístico de Scorsese, con el uso extensivo de la cámara lenta, travelings completos, y extravagantes distorsiones de perspectiva. Los temas continuaron con los ya tratados en MEAN STREATS y TAXI DRIVER: la inseguridad masculina, la violencia, la culpa y la redención.La cinta, considerada ampliamente como toda una obra maestro, recibió 8 nominaciones al Premio de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. De éstos, se consiguió 2, uno para la increíble actuación de Robert De Niro y otro para Thelma Schoonmaker por edición.

El siguiente proyecto de Scorsese, y su quinta colaboración con Robert De Niro, sería EL REY DE LA COMEDIA (1983), sátira del mundo de los medios y las celebridades, y fue un alejamiento notorio de lo comúnmente era asociado a su cine. Visualmente también es una cinta más estática a lo que se estila del director, no sólo por la falta de movimiento de la cámara sino también por las largas tomas. Pero EL REY DE LA COMEDIA seguía siendo un cinta de Scorsese, con su locación en New York, y algunos parecidos a TAXI DRIVER, sobretodo en el personaje principal, como un solitario obsesivo que se vuelve famoso por un acto criminal. A la cinta no le fue muy bien en taquilla, pero el tiempo se ha encargado de revalorizarla. Sobretodo porque hay quienes afirman que su temática del vacuo mundo del espectáculo y el fanatismo hacia las celebridades es más pertinente en estos tiempos que en aquel entonces.

En 1983 Scorsese empezó a trabajar en un proyecto muy personal, LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO, basada en la novela homónima de Nikos Kazantzakis, sobre un Jesús más humano que divino. La cinta iba a ser realizada bajo la bandera de Paramount Pictures, pero justo antes que empezara el rodaje principal, Paramount retiró su apoyo citando presiones de grupos religiosos. En esta versión interrumpida de 1983, Aidan Quinn tenía el papel de Jesus, y el músico Sting iba a ser Poncio Pilatos.

Luego del colapso de este proyecto, Scorsese vio una vez más su carrera en un punto crítico. Notó que en el auge del cine altamente comercial del Hollywood ochentero, el estatus del cine setentero, tan personal y estilizado, no sería el mismo, así que decidió darle un nuevo giro a su trabajo. Con AFTER HOURS (1985) hizo un cambio estético hacia un estilo cinematográfico más “underground”. Filmado con un presupuesto bastante bajo, en locaciones, y de noche en el barrio del SoHo en Manhattan, AFTER HOURS es una cinta de humor negro sobre la desafortunada noche de un procesador de texto neoyorkino (Griffin Dunne).

En 1986, junto con el icónico video BAD de Michael Jackson, Scorsese realizaría EL COLOR DEL DINERO, secuela de una cinta de Paul Newman, THE HUSTLER (1960). EL COLOR DEL DINERO fue además la primera incursión de Scorsese a la industria cinematográfica comercial. Fue con esta cinta que el director lograría la influencia necesaria para poder respaldar su esperado proyecto, LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO. Además de tener una breve aventura televisiva, dirigiendo un episodio de la serie de Spielbierg, AMAZING STORIES.

Luego de este breve coqueteo con Hollywood, Scorsese pudo por fin concentrarse en su tan ansiada LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO en 1988. Esta cinta causaría un gran furor, incluso antes de su estreno, con protestas a nivel mundial sobre su supuesta blasfemia, lo que convertiría a este proyecto de bajo presupuesto en toda una sensación mediática. La mayoría de la controversia esta centrada en las partes finales de la cinta, en donde, gracias a una alucinación mandada a Jesús por parte de Satanás, se le ve a éste casado y formando una familia junto a María Magdalena. Pero pasando por alto la controversia, esta cinta se ganó el clamor de la crítica y sigue vigente como uno de los trabajos más importantes de Scorsese, incluso valiéndole su segunda nominación al Oscar como Mejor Director. En esta versión los papeles de Jesús y Poncio Pilatos lo hacen Willen Dafoe y David Bowie respectivamente.

En 1989 dirigió el segmento LIFE LESSONS, de la cinta compuesta NEW YORK STORIES, en la que también participaron cada uno con un segmento los también directores neoyorkinos Woody Allen y Francis Ford Coppola.

Pero pronto Scorsese regresaría a sus raíces, luego de una década bastante agitada y de resultados diversos, con la épica cinta de gángster BUENOS MUCHACHOS (1990). Regresando con De Niro, Joe Pesci, y La Pequeña Italia en New York, BUENOS MUCHACHOS nos ofrece toda la virtuosidad de la técnica cinematográfica del director, además de consolidar, reestablecer e incluso mejorar su reputación. Para muchos, es de los mejores trabajos de Scorsese, el apogeo de su cálidad técnica, y como era de esperarse le valió su tercera nominación al Oscar como Mejor Director, aunque la estatuilla lo seguiría evadiendo.

Ese año, Scorsese también aparecería en un cameo como Vincent Van Gogh en la emblemática cinta SUEÑOS, del legendario director japonés Akira Kurosawa.

CABO DE MIEDO (1991) fue un remake de la cinta de culto del mismo nombre estrenada en 1962, y representaría la sétima colaboración del director con De Niro. La cinta fue una nueva incursión de Scorsese en el mainstream y fue un thriller bastante estilizado. influenciado hasta cierto punto por el cine de Alfred Hitchcock y LA NOCHE DEL CAZADOR (1955) de Charles Laughton. La crítica fue ambivalente con CABO DE MIEDO, recibiendo sus peores críticas por la violencia misógina en algunas escenas. Aún así, la cinta obtuvo dos nominaciones al Premio de la Academia, y consiguó recaudar 80 millones de dólares, la que la convertiría en la película de Scorsese más exitosa hasta ese entonces.

La bella y opulenta cinta LA EDAD DE LA INOCENCIA (1993) significó superficialmente un gran cambio para Scorsese. Adaptación de la novela de Edith Wharton sobre la constrictiva alta sociedad de Nueva York a fines del siglo XIX, fue muy alabada por los críticos, pero fue un fracaso en la taquilla. El hecho que Scorsese quisiera hacer una película sobre un romance fallido en el siglo XIX, sorprendió a propios y estraños, sobretodo pues éste aseguraba que se trataba de un proyecto personal y no de un trabajo para el que fue contratado. Lo que atrajo a Scorsese fueron los personajes y la historia de Wharton, y quería que la cinta fuera una experiencia más emotiva que lo que eran las clásicas adaptaciones cinematográficas de obras literarias. LA EDAD DE LA INOCENCIA le valdría cinco nominaciones al Premio de la Academia, incluyengo uno para Scorsese como Mejor Guión Adaptado, aunque al final sólo consiguió Mejor Diseño de Vestuario. Esta cinta fue también su primera colaboración con el oscarizado Daniel Day-Lewis.

En CASINO (1995), como en LA EDAD DE LA INOCENCIA, la trama se enfoca en un hombre controlado y controlador, cuya ordenada vida se ve alterada por fuerzas impredecibles. Claro que el hecho que se tratara de una violenta cinta de mafiosos la hizo mucho más agradable a los fans del director, quienes no recibieron tan bien a su predecesora. Sin embargo, la crítica fue ambivalente con CASINO, principalmente por su gran parecido en cuanto estilo con su anterior BUENOS MUCHACHOS. Por otro lado, CASINO es considerada para algunos la cinta más violenta y distante de su filmografía, con escenas iniciales que incluso bordean a lo documental.

Mientras tanto, Scorsese se dio tiempo para el documental de cuatro horas A PERSONAL JOURNEY WITH MARTIN SCORSESE THROUGH AMERICAN MOVIES (1995), que ofrecía un completo viaje al cine estadounidense. Cubre desde la era del cine mudo hasta 1969, el año siguiente al que marcaría el inicio de la carrera de Scorsese con largometrajes, pues dice que “No me sentiría bien comentado sobre mí o mis contemporáneos.”

Y si los fans de Scorsese se habían quedado algo confundidos con LA EDAD DE LA INOCENCIA, KUNDUN (1997) llevaría esta confusión a otro nivel. La historia nos narra los primeros años de Tenzin Gyatso, el 14vo Dalai Lama, de la incursión del Ejército Popular de Liberación en el Tibet, y del exilio de Dalai Lama a la India. No sólo fue un alejamiento de su temática habitual sino que en KUNDUN se usó una narrativa fresca y un acercamiento visual novedoso. A corto plazo, este eclecticismo total aumentó la reputación de Scorsese, pero con el pasar del tiempo, KUNDUN ha sido dejada de lado cuando se habla de los grandes logros del director, siendo mencionada más que nada por desvío que significó de sus temas y estilos habituales. KUNDUN fue también el segundo intento de Scorsese por retratar la vida de un gran lìder religioso, después de LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO.

BRINGING OUT THE DEAD (1999) fue un regreso a aguas conocidas, siendo una especie de revisión cómica de TAXI DRIVER. Fue una película en general bien recibida por la crítica aunque no recibió la aprobación universal de otras cintas suyas.

En 1999, Scorsese también produjo un documental sobre directores italianos llamado MI VIAJE A ITALIA (Il Mio Viaggio in Italia), que presagiaría el siguiente proyecto del director, la épica PANDILLAS DE NUEVA YORK (2002), cinta claramente influenciada en importantes directores italianos como Luchino Visconti, y filmada completamente en el famoso estudio Cinecittá de Roma.

Con un aparente presupuesto de poco más de 1 billón de dólares, PANDILLAS DE NUEVA YORK es tal vez la cinta más mainstream de Scorsese a la fecha. Así como en LA EDAD DE LA INOCENCIA, está ubicada en el Nueva York del siglo XIX, aunque se enfoca en el otro lado de la escala social, y curiosamente esta cinta también es protagonizada por Daniel Day-Lewis. A pesar de los rumores de problemas entre director y Harvey Weinstein, el dueño de Miramax, sobre desacuerdos artísticos, PANDILLAS DE NUEVA YORK es la cinta más convencional de Scorsese, en donde se usan argucias cinematográficas comúnes, como los flashbacks, que el director tradicionalmente rechazaba. Incluso la banda sonora compuesta por el colaborador habitual de Scorsese, Elmer Bernstein, fue rechazada para dar pase a una más convencional de Howard Shore y de los conocidos U2 y Peter Gabriel. Finalmente la duración total de la película fue de unos 168 minutos, mientras que la edición original del director fue de 180 minutos. A pesar de este inusual convencionalismo estilístico, los temas centrales de la cinta sí son consistentes a los tratados en el cine de Scorsese: New York, violencia como algo culturalmente común, y divisiones culturales y sociales. Por esta cinta, Scorsese recibiría su primer Globo de Oro como Mejor Director, además de conseguir 10 nominaciones al Oscar, incluyendo la de Mejor Director, aunque una vez más el premio se le fue de las manos.

Al año siguiente, se estrenaría THE BLUES, un largo documental de siete partes sobre la historia del blues desde sus raíces africanas hasta la delta del río Mississippi y más allá. Cada segmento de 90 minutos fue dirigido por un cineasta diferente, entre los que estaban incluidos Wim Wenders, Clint Eastwood y Mike Figgis, con Scorsese dirigiendo el llamado “FEEL LIKE GOING HOME”).

El 2004 llegaría con EL AVIADOR, un extravagante y titánico biopic sobre el pionero de la aviación y magnate del cine, Howard Hughes. La cinta recibiría muy buenas críticas, así como una taquilla exitosa y el reconocimiento de la Academia. EL AVIADOR consiguió seis nominaciones a los Globos de Oro, de los cuales ganó tres. Lograría además once nominaciones al Premio de la Academia, incluyengo Mejor Película y Mejor Director, desgraciadamente de estas solo ganó cinto, y una vez más Scorsese regresaría con las manos vacías.

En el documental NO DIRECTION HOME (2005), Scorsese seguiría la vida de Bob Dylan, y su impacto en la música y cultural popular estadounidense del siglo XX. La cinta no cubre toda la carrera del músico, sino que se enfoca en sus comienzo, su ascenso a la fama en los sesenta, su transformación musical de la guitarra acústica a la eléctrica, y su “retiro” de las giras en 1966 luego de un accidente en moto. El documental fue presentado en television simultáneamente en EEUU y el Reino Unido, y al mes se lanzaría una versión en DVD. La cinta le valería en premio Peabody, así como una nominación al Emmy.

Scorsese regresaría al thriller criminal con LOS INFILTRADOS (2006), basado en el drama policial de Hong Kong, INFERNAL AFFAIRS (2002). La cinta reuniría al director con Leonardo DiCaprio, en el que sería su tercer trabajo consecutivo juntos. LOS INFILTRADOS además significó un encuentro entre Scorsese y Jack Nicholson. La cinta fue bien recibida por la crítica mundial, con algunas proclamaciones que era su mejor película desde BUENOS MUCHACHOS, y otros incluso poniéndola a la altura de clásicos del director como TAXI DRIVER y TORO SALVAJE. Además al conseguir una ganancia bruta de casi 130 millones de dólares tan sólo en EEUU, la cinta pasaría a ser la más taquillera del director. LOS INFILTRADOS además le valió a Scorsese su segundo Globo de Oro como Mejor Director, así como un Critic’s Choice Award, y su primer premio del Sindicato de Directores de EEUU, y el tal elusivo Premio de la Academia. Puesto que el último era algo que se lo tenía merecido en varias ocaciones, varios críticos se refirieron a éste como su Oscar a “Toda una vida de Logros”. Algunos llegaron incluso a decir que le dieron el premio a Scorsese no porque necesariamente se lo mereciera en esta oportunidad, sino porque no había conseguido uno a pesar de ser nominado en tantas ocasiones. Este premio lo recibió de manos de sus viejos amigos y colegas, Spielberg, Coppola, y Lucas. LOS INFILTRADOS además recibió el Oscar a la Mejor Película, Mejor Guión Adaptado y Mejor Edición.

Su último proyecto finalizado es SHINE A LIGHT (2008) una especie de documental sobre los conciertos que dieron The Rolling Stones en el Beacon Theater de Nueva York, el 29 de octubre y el 1 de noviembre del 2006, sazonados con grabaciones de noticias y entrevistas sobre la banda a lo largo de su carrera. La cinta iba a ser estrenada originalmente en el 2007, pero la Paramount Classics la pospuso hasta el 2008. Su premier mundial fue en la apertura de la Edición 58 del Festival de Cine de Berlín, el 7 de febrero del 2008.

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Natalie Portman

Natalie Portman (nacida el 9 de junio de 1981) es una actriz estadounidense/israelí. Comenzó su carrera a inicios de los 90, rechazando la oportunidad de ser una modelo infantil por la actuación. Su primer papel llegó en 1994 en la cinta independiente EL PROFESIONAL, y se hizo conocida al ser elegida para interpretar a Padmé Amidala en la nueva trilogía de STAR WARS. En 2005, recibió el Globo de Oro como Mejor Actriz de Reparto por el drama CLOSER.

Nació como Natalie Hershlag en Jerusalén, Israel, y es la única hija de Avner Hershlag y Shelley Stevens. En 1984, cuando Natalie tenía 3 años, la familia se mudó a Maryland, EEUU, done su padre comenzó su entrenamiento como médico. Portman empezó a tomar clases de danza y algunas de canto a los 4 años y se desenvolvía en compañías de baile locales. En 1988, la familia se mudaría a Connecticut por el trabajo de su padre, hasta que por fin se asentarían permanentemente en Long Island, New York, en 1990. Debido a estas contínuas mudanzas en sus años formativos y al hecho de ser hija única, Natalie nunca “echó raíces” en ningún lugar y su única estabilidad fueron sus padres, lo cual forjó un fuerte lazo entre ellos tres, que se mantendría hasta la actualidad.

A los 8 años, Natalie dejó de comer carne por voluntad propia. Esto debido a que fue a una conferencia médica con su padre en donde apreció una cirugía láser sobre una gallina. Fue entonces que por primera vez hizo la conexión que se debía matar animales para comerlos, y no esperar a que estos mueran como ella pensaba originalmente. Sus padres pensaron que era una fase, pero luego de disecar un pez en sexto grado, también dejó de comer pescado. Así poco a poco dejó de comer productos de procedencia animal como el queso y los huevos, y aunque sus padres no son vegetarianos, la apoyaron en todo momento.

A los 10 años, un agente de Revlon le sugirió convertirse en modelo infantil, pero ella rechazaría la oferta y más bien pediría contactos con el mundo de la actuación. Portman pasó sus vacaciones escolares durante 3 años seguidos en campamentos teatrales, incluso llegando a interpretar a Hermia en “Sueño de una Noche de Verano” de Shakespeare. Durante ese entonces se saltó un año de educación debido a sus excelentes calificaciones.

En 1991, perteneció al grupo “World Patrol Kids”, que tenía un tour por el país en donde cantaban canciones que motivaban y enseñaban como cuidar el medio ambiente, incluso sacando un CD titulado “Earth Tunes”.

En 1993, Portman participaría en un audición para “Ruthless!”, obra de teatro sobre una muchachita que está preparada para asesinar con tal de obtener el papel principal de una obra escolar. Portman conseguiría ser la sustituta de Laura Bell Bundy.

En 1994, hizo la audición para el papel de Mathilda Lando, una niña que se hace amiga de un matón de mediana edad en la famosa cinta de Luc Besson, EL PROFESIONAL, en donde compartiría roles con Jean Reno, Gary Oldman y Danny Aiello. Y aunque nunca tomó clases profesionales de teatro, su interpretación fue convincente, con un personaje que se vio madurar mientras progresa la trama. Poco después de conseguir el papel, ella dejaría de usar artísticamente el apellido Hershlag por el de Portman, apellido de soltera de su abuela, para proteger su intimidad. Aún así en la Edición del Director en DVD de la cinta, la actriz sale acreditada como Natalie Hershlag. EL PROFESIONAL se estrenó en noviembre de 1994, y marcaría su debut en el cine a los 13 años.

Ese mismo año saldría en el cortometraje DEVELOPING de Marya Cohn, que aparecería en televisión. En este, Portman interpreta Nina cuya madre sufre las consecuencias del cáncer de seno.

Debido a su interpretación en EL PROFESIONAL, Portman ya no necesitaba hacer audiciones, sino que los productores se acercaban a ella con posibles papeles y guiones. Así, su siguiente cinta sería BEAUTIFUL GIRLS (1995), junto a Timothy Hutton, Matt Dillon, Michael Rapaport, Uma Thurman, Lauren Holly y Rosie O’Donnell. El papel que le seguiría sería el de la hijastra suicida de Al Pacino en el thriller HEAT de Michael Mann, rodado también en 1995, y en donde también compartiría roles con Robert de Niro. Por entonces, Portman rechazaría protagonizar THE ICE STORM y un remake de LOLITA, y sería rechazada del papel de Julieta en ROMEO + JULIETA debido a su juventud. Ese año también participaría de MARS ATTACKS! en un reparto multiestelar junto a Pierce Brosnan, Annette Bening, Sarah Jessica Parker, Michael J. Fox, Danny De Vito y Tom Jones. Aquí intepreta a la hija del Jack Nicholson y Glenn Close, la pareja presidencial.

En 1996, Natalie comenzó el rodaje de TODOS DICEN TE AMO, cinta de Woody Allen, también llena de actores concocidos como Julia Roberts, Drew Berrymore, Edward Norton y el mismo Woody Allen.

Fue en este punto de su carrera, que se le ofreció el papel de Padmé Amidala de la nueva saga de STAR WARS, aunque sería todavía después cuando se reuniría con Geoge Lucas.

En 1997, tomó el papel titular en la adaptación de Broadway de “El Diario de Ana Frank”, libro que la emocionó mucho desde que lo leyó por primera vez, cuando rodaba EL PROFESIONAL. Este compromiso incluso forzó a George Lucas a mover un poco el itinerario de filmación de STAR WARS EPISODIO I: LA AMENAZA FANTASMA. Al dejar finalmente la producción de “El Diario de Ana Frank”, Portman fue despedida con una nominación al Tony y los aplausos de la crítica teatral. Y todo esto mientras iba a la escuela.

Por estas fechas, también rechazaría inicialmente un papel importante en la cinta ANYWHERE BUT HERE, al enterarse que tendría una escena sexual. Pero el director Wayne Wang y la actriz Susan Sarandon demandaron que el guión se reescribiera. Luego de ver el nuevo borrador del guión, Portman se unió a la producción. La cinta se estrenó a fines de 1999, y ella recibió una nominación al Globo de Oro.

STAR WARS EPISODIO I: LA AMENAZA FANTASMA, se estrenó en mayo de 1999, y la popularidad de la cinta la hizo muy conocida entre el público. Pero a pesar de toda esta exposición a los medios, Portman se graduó de la secundaría con honores en junio. Su nueva popularidad tampoco la alejaría de las producciones menores, y pronto se comprometería en el papel de una perseverante madre adolescente en WHERE THE HEART IS. Esta también sería la primera vez que rodara una cinta sin la compañía de sus padres.

Luego de rodar WHERE THE HEART IS, se movería a los dormitorios de la Universidad de Harvard por su bachillerato en psicología. Daría a entender que, con la excepción de las otras 2 cintas que le faltaban rodar de STAR WARS, ella dejaría de actuar por los próximos 4 años para concentrarse en sus estudios. Durante sus vacaciones de verano, de junio a setiembre del año 2000, participó en STAR WARS EPISODIO II: EL ATAQUE DE LOS CLONES. En julio de 2001, Portman trabajó en la adaptación teatral de “La Gaviota” de Chejov, dirigida por Mike Nichols, y en donde compartía roles con Meryl Streep, Kevin Kline y Philip Seymour Hoffman. La obra se estrenaría en el Teatro Delacorte en Central Park, Nueva York. Ese mismo año, ella sería una de las varias celebridades que tendrían cameos en la comedia ZOOLANDER. Portman además tuvo un papel menor en la cinta REGRESO A COLD MOUNTAIN junto a Jude Law y Nicole Kidman.

A comienzos de agosto de 2002, rodaría en Paris la contribución de Tom Tykwer en PARIS, YO TE AMO. Cinta compuesta de varios cortos de directores tan variados como reconocidos, cada uno de ellos rodado en uno de los 20 distritos de París. El corto de Tykwer, TRUE, cuenta la historia de una joven actriz (Portman) quien le tiende una trampa a su enamorado ciego (interpretado por Melchior Beslon) por teléfono. Las 98 escenas que componen este segmento fueron filmadas en 31 locaciones diferentes en solo 4 días.

En 2004, Portman apareció en las cintas independientes GARDEN STATE y CLOSER. GARDEN STATE estuvo en la selección oficial del Festival de Cine de Sundance, y ganó un premio en los Independent Spirit Awards. Su papel como Alice en CLOSER le valió un Globo de Oro como Actriz de Reparto así como una nominción al Oscar.

En 2005 vió el estreno mundial de la última parte de la nueva trilogía, STAR WARS EPISODIO III: LA VENGANZA DE LOS SITH. La película consiguió el ingresó bruto mayor del año, y también fue votada como Película Favorita en el People’s Choice Awards. Poco antes del estreno, Portman se afeitaría la cabeza para el papel de Evey en la adaptación de la novela gráfica de Alan Moore, V DE VENGANZA, que se estrenaría en marzo de 2006. También en 2005, Portman rodaría FREE ZONE de Amos Gitai y GOYA’S GHOSTS de Milos Forman. El último un drama histórico junto a Javier Bardem y Stellan Skarsgard, en donde también se trata la Inquisición Española. Forman no la había visto nunca actuar, pero consideraba que se parecía a una pintura de Goya, así que pidió un encuentro.

En 2006, Natalie participaría en el rodaje de la cinta infantil MR. MAGORIUM’S WONDER EMPORIUM (2007), sobre una tienda de juguetes mágica y su curioso dueño (Dustin Hoffman); y a finales de ese año, Portman actuaría en THE OTHER BOLEYN GIRL, drama histórico que protagoniza junto a Eric Bana y Scarlett Johansson, en donde interpreta a Ana Bolena.

En 2006, participó en la road movie de Wong Kar-wai, MY BLUEBERRY NIGHTS. En esta cinta, estrenada en el Festival de Cannes en 2007, interpreta a una apostadora y si bien fue un papel pequeño, fue una de las pocas cosas por la cual se aplaudió a la cinta. Este mismo año, Portman también estuvo envuelta en el rodaje de un documental sobre gorilas de montaña en Ruanda, llamado SAVING A SPECIES: GORILLAS ON THE BRINK, estrenado en octubre de ese año.

Portman además tuvo un papel pequeño en la temporada 18 de LOS SIMPSON en donde le da voz a la primera novia de Bart Simpson, Darcy. Además aparecería en el video musical de la canción “Dance Tonight” de Paul McCartney, dirigido por Michel Gondry.

Portman coprotagonizaría junto a Jason Schwartzman, el cortometraje de Wes Anderson, HOTEL CHEVALIER, en donde tuvo su primera escena de desnudos. La cinta fue estrenada en setiembre de 2007 en el Festival Internacional de Cine de Venecia y poco tiempo después pudo apreciarse por Internet. La cinta además representa una introducción al largometraje de Anderson, THE DARJEELING LIMITED.

Ese año, aparecería por una noche en la obra de teatro de Francesco Vezzoli, “Right You Are (If You Think You Are)”, junto a Cate Blanchett y Peter Sarsgaard en el Museo Guggenheim de Nueva York. Además compilaría, “Big Change: Songs for FINCA”, un álbum que se puede conseguir a través de iTunes y cuyas ventas van a caridad.

En mayo del 2008, Natalie, luego de ver tantas cintas suyas pasar por el festival, se convirtiría en la miembro del jurado más joven de la edición 61 del Festival de Cine de Cannes.

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Gus Van Sant

Gus Green Van Sant, Jr. (nacido el 24 de julio de 1952) es un director, fotógrafo, músico y guionista estadounidense, conocido por una carrera capaz de combinar el cine independiente con el comercial que muestra una visión experimental del cine y la realidad.

Van Sant nació en Louisville, Kentucky, hijo de Betty y Gus Green Van Sant, Sr. Una constante de los primeros años del director fue su interés en la pintura y filmar en una Super-8; mientras estaba en la escuela empezó a hacer cortos autobiográficos con un costo de entre 30 y 50 dólares. Las inclinaciones artísticas de Van Sant lo llevaron a la Escuela de Diseño de Rhode Island en 1970, en donde conoció a director vanguardistas como Stan Brakhage, Jonas Mekas, y Andy Warhol, lo que lo llevaría de cambiar su carrera de pintura por la del cine.

Luego de pasar tiempo en Europa, Van Sant fue a Los Angeles en 1976. Obtuvo un trabajo como asistente de producción del director Ken Shapiro, con quien desarrolló algunas ideas que desgraciadamente no dieron frutos. Van Sant encaminó sus frustraciones en ALICE IN HOLLYWOOD (1981), cinta sobre una inocente joven actriz que va a Hollywood y termina abandonando sus ideales. La cinta nunca fue estrenada. Durante este periodo, Van Sant pasaba el tiempo observando a la gente de los sectores no tan glamorosos del Hollywood Boulevard, fascinado por la existencia de esta marginada población, sobretodo al contrastarla con el mundo más común pero próspero que los rodeaba. Van Sant enfocaría su trabajo en varias ocasiones hacia esta gente, empezando con MALA NOCHE en 1985.

MALA NOCHE fue realizada dos años luego que Van Sant fuera a New York para trabajar en una agencia de publicidad. El cineasta ahorraría 20 mil dólares durante su tiempo allí, lo que le permitiría financiar la mayor parte de esta trágica historia amor entre un trabajador gay de una tienda de licores y un inmigrante mexicano. La cinta tiene varias de las características comunes del cine de Van Sant, como el romanticismo irrealizable, un seco sentido de lo absurdo, y el rehusarse a tratar el tema de la homosexualidad como algo que deba ser juzgado. A diferencia de varios cineastas gays, Van Sant siempre ha estado mucho más interesado en aspectos experimentales de la imagen que en crear un ideario moral y estético alrededor de la temática gay, aunque este tipo de relaciones aparecen en sus cintas. Filmada en blanco y negro, MALA NOCHE le dió a su director fama de la noche de la mañana en el circuito de festivales, incluso siendo nombrada por Los Angeles Times como La Mejor Cinta Independiente del año. Debido a esto, Van Sant fue cortejado brevemente por la Universal, pero esto acabaría cuando declinó en interesarse en una serie de sus proyectos (incluyendo las que luego serían DRUGSTORE COWBOY y MY OWN PRIVATE IDAHO).

Pero Van Sant no abandomaría sus ideas, y se mudaría a Portland, Oregon, para darles más vida. Con la ayuda de la productora independiente Avenue, el director realizaría DRUGSTORE COWBOY (1989), sobre cuatro adictos quienes roban farmacias para costear sus hábitos. La cintas obtuvo excelentes críticas, lo que aumentaría la reputación de Van Sant como un director dotado, además de revivir la carrera de Matt Dillon, quien causó sensación en su papel de líder de la banda que luego decide rehabilitarse. Con DRUGSTORE COWBOY, Van Sant realiza una obra donde la narración se interrumpe constantemente para introducir imágenes que aportan emociones y sentimientos, que si bien explican a los personajes, no parecen pertenecer a la narración, insertos de naturaleza alegórica que buscan crear otro nivel expresivo dentro de la película.

Algunas de estas formas narrativas también se verían reflejadas en la siguiente película del cineasta, MY OWN PRIVATE IDAHO (1991). Esta película experimental es una adaptación de varias obras de Shakespeare, así como un retrato bastante conciso del mundo underground. Centrada en la vida de dos gigolos (interpretados por River Phoenix y Keanu Reeves), la cinta examina del amor no correspondido, la alienación y el concepto de familia (tema explorado repetidamente en el cine de Van Sant). Así como lo hiciera con DRUGSTORE COWBOY, el guión de la cinta le valdría un premio Independent Spirit. Además de aumentar el prestigio del director, MY OWN PRIVATE IDAHO ayudaría a Reeves a obtener el hasta entonces elusivo respeto de la crítica.

Desgraciadamente el siguiente proyecto de Van Sant, EVEN COWGIRLS GET THE BLUES (1994), no tuvo buena acogida, ni con el público y ni con la crítica. Con un presupuesto mucho mayor a lo que el cineasta estaba acostumbrado, así como un reparto grande y variado, que incluía a Uma Thurman, John Hurt, y Keanu Reeves, la cinta fue trabajada y vuelta a trabajar; pero aún así el producto final no estuvo a la altura de sus predecesoras, no pudiendo encontrar ese lugar de convergencia entre lo irónico y lo serio. Aún así, esta cinta continúa con las temáticas de la vida itinerante y la necesidad de buscar la identidad, acentuadas en este caso por el personaje interpretado por Uma Thurman, Sissy, una joven que posee unos enormes pulgares con los que puede hacer auto-stop incansablemente con la seguridad de que siempre la recogerán. Así este personaje que continúa a los anteriores en la obra de Van Sant, una outsider, en este caso por fuerza de la naturaleza, que vive al margen y no le queda más remedio que vivir en el camino.

Por suerte su siguiente proyecto TODO POR UN SUEÑO (1995), lo ayudaría a recuperar su prestigio. Allí donde EVEN COWGIRLS GET THE BLUES no encontraba su lugar, TODO POR UN SUEÑO sí lo logra, siendo una combinación de géneros y tonos en todo momento conseguido. Nos cuenta la historia de Suzanne Stone, interpretada por una aún no tan conocida Nicole Kidman, una demasiado ambiciosa chica del clima, y quien a pesar de su éxito termina siendo también un personaje marginal, que no quiere crecer como persona ni saber más sobre sí misma, si no que desea sólo recibir aplausos que, tarde o temprano, acabarán. En el reparto también estarían un excelente Matt Dillon como el desafortunado esposo y un interesante Joaquin Phoenix, como el igualmente desafortunado amante. TODO POR UN SUEÑO es una de las mejores películas de Van Sant, a pesar de que con ella se diluyeron varios aspectos de sus cintas anteriores. En ella se siente el cambio de registro, a un Van Sant que ha evolucionado y ha perdido cierto sentido experimental. Fue su primer trabajo en un estudio grande, Columbia, y su éxito pavimentaría el camino a proyectos escogidos a dedo por el mismo director.

Es en este momento que el cineasta se lanza al camino extraño, al menos para un director surgido del cine independiente, de los altos presupuestos de Hollywood. Sus tres siguientes cintas marcarían un cambio en la dirección de Van Sant, en donde parece al mismo tiempo estar y no estar en sus películas.

La primera cinta que traería la aceptación del director en el mainstream vendría en 1997, y se llamaría GOOD WILL HUNTING. Protagonizada y escrita por Matt Damon y Ben Affleck, la cinta acerca del genio problemático, no llega a desentonar con el tono general de la obra de Van Sant, con personajes marginales de la sociedad que intentan encontrar su lugar. A pesar de la relativa convencionalidad y cierta rigidez de la cinta, comparada al menos con su cine anterior, con Van Sant demuestra ser un buen director, capaz de adaptarse y ver hasta donde es capaz de llegar como tal. Al final de cuentas, GOOD WILL HUNTING resultó un enorme éxito comercial y crítico, logrando, además de los 220 millones de dólares que recaudó en todo el mundo, varias nominaciones al Premio de la Academia, incluyendo Mejor Director para Van Sant.

Este éxito le permitió a Van Sant tener la oportunidad para hacer remake de la clásica PSICOSIS de Alfred Hitchcock. En lugar de reinterpretar la cinta sesentera, Van Sant optó por recrear la cinta cuadro por cuadro solo que en color. Su decisión fue vista en partes iguales de curiosidad, escepticismo y desdén, y el resultado final obtuvo una recepción similar. Por un lado, parte de la crítica vio este ejercicio como totalmente innecesario, pero hubo también quienes vieron en ella muchos puntos de interés, al menos por aquello que sugería antes que por lo que mostraba. Con Anne Heche, Vince Vaughn, y Julianne Moore, PSICOSIS, aunque no fue un fracaso, tampoco significó un éxito, y dejó a Van Sant en una encrucijada. Regresar a sus orígenes o seguir buscando un lugar en la industria. Lo primero sería como rendirse y lo segundo arriesgarse a un fracaso mortal. Finalmente las críticas ambivalentes no detuvieron al director, quien optó por la segunda alternativa y seguir con sus proyectos.

Van Sant tuvo mejor suerte con FINDING FORRESTER (2000), drama sobre un estudiante de secundaria del Bronx con mucho potencial (Rob Brown) quien se vuelve amigo de un escritor recluso y amargado (Sean Connery). Con esta cinta, Van Sant intenta reconciliarse al mismo tiempo con el cine comercial como con sus intereses originales. La respuesta de la crítica fue mayormente positiva, sobretodo por la habilidad de Van Sant al mezclar los estilos de actuación del Novato Brown con una leyenda como Connery. Pero hubo quienes vieron en FINDING FORRESTER a un típico producto comercial, una película milimetrada para no ser excesiva, y cuya puesta en escena dejó poco lugar para que Van Sant pudiera expresarse.

De cualquier manera, FINDING FORRESTER es vista como la consecución lógica de las dos anteriores. Si con GOOD WILL HUNTING, Van Sant intentaba realizar con un cine más figurativo, y menos abstracto que el de su primera etapa, y al copiar PSICOSIS intentaba aprender del cine narrativo y pictórico, con FINDING FORRESTER ya había aprendido tal vez crear un cine de imágenes claras, concisas y directas. Y aunque este cine no se parece a lo que Van Sant hizo ni a lo que haría, fue una etapa importante y experimental, que le sirvió para constatar que si bien puede hacer este cine, no es un camino por el que desea continuar.

Así, con el deseo de regresar a los métodos de producción más íntimos, Van Sant decidió dejar el cine de grandes presupuestos y millonarios estudios para sus siguientes dos largometrajes. Van Sant se refugiaría entonces en los desiertos de Argentina, Utah, y El Valle de la Muerte para GERRY (2002), uno de los experimentos cinematográficos más extraños, de los últimos años. Esta cinta escrita y protagonizada por Matt Damon y Casey Affleck, hermano de Ben, parece la otra cara de la moneda de GOOD WILL HUNTING. En donde la otra cinta estuvo perfectamente planeada, esta resultó en gran parte improvisada. La trama de dos jóvenes llamados Ferry, que se pierden en un desierto e intentan encontrar una salida, mientras discuten temas totalmente sin importancia, termina siendo una cinta minimalista, con un fondo totalmente sencillo pero con una superficie bastante compleja. GERRY se estrenó en el Festival de Cine de Sundance, donde consiguió tanto halagos como desprecios, polarizando al público con su historia elíptica en donde no sucede gran cosa, pero embellecida por la fotografía de Harris Savides.

A GERRY le tomó más de un año llegar a las salas de cine, tiempo en el cual su creador se la pasó produciendo su siguiente cinta, la controvertida ELEPHANT (2003), a quien GERRY termina siéndole como una suerte de borrador o ensayo. Abordado por la HBO y la productora Diane Keaton para crear una historia ficticia basada en la masacre de Columbine ocurrida en 1999, el director escogió rodar en su pueblo natal de Portland, usando a decenas de adolescentes sin estudios actorales para hacer una crónica de un día “ordinario” en una secundaria, que estaría marcado por una insospechada tragedia. Para esto, Van Sant repite los travellings que usara en GERRY, para seguir a los alumnos en su cotidianeidad antes, durante y después de los terribles hechos, con la clara intención de mostrar antes que explicar. Pues si bien desde sus inicios, el cineasta dejó claro que su cine poseía una alta carga estética, en sus últimas películas éste se ha acrecentado, y estas largas secuencias buscan una visualización determinada antes que darles un sentido interno, algo que puede provocar cierto rechazo, porque da la sensación de que no hay nada, cuando en verdad ahí está todo. Como era de esperarse, el producto final provocó fuertes reacciones en el público del Festival de Cine de Cannes de 2003, quienes aprobaron o rechazaron la decisión estética del director de nos mostrar razones para explicar las tendencias homicidas de los jóvenes sociópatas. Sorprendentemente al jurado de Cannes le encantó la cinta de manera unánime, y la cinta obtuvo la Palma de Oro, mientras que Van Sant obtuvo el premio al Mejor Director.

En 2005 Van Sant estrenó LAST DAYS, junto a GERRY y ELEPHANT, de lo que se conoce como su “Trilogía sobre la Muerte”, aunque talvez sería más correcto decir que son sobre la ausencia y la pérdida. En LAST DAYS, recuento ficticio de los últimos días del vocalista de la banda Nirvana, Kurt Cobain, el cineasta persigue con sus largos planos al personaje principal, en los días anteriores a su supuesto suicidio, y cuyos actos cotidianos no hacen si no resaltar el vacío y la nada.

En 2006, dirigiría el segmento LE MARAIS de la cinta PARÍS, YO TE AMO, sobre un joven cliente que se ha enamorado de otro joven que trabaja en una imprenta e intenta hacerle entender que son almas gemelas, a pesar de que no se da cuenta que el otro sabe muy poco francés.

Ese año, Van Sant también empezaría a trabajar en PARANOID PARK (2007), basada en la novela de Blake Nelson, sobre un skater adolescente quien accidentalmente causa la muerte de un guardia de seguridad. Esta cinta se estrenaría en el Festival de Cannes en donde fue bien recibida por la crítica y ganaría el Premio por el 60 aniversario.

Van Sant regresaría al mainstream con su próximo proyecto, MILK, biopic sobre Harvey Milk (Sean Penn), el supervisor de San Francisco activista de los derechos de los homosexuales quien fue asesinado en 1978.

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Edward Norton

Edward Harrison Norton es un actor estadounidense y director de cine, ganador del Globo de Oro y nominado en dos ocasiones al Premio de la Academia. Es conocido por sus papeles en AMERICAN HISTORY X, EL CLUB DE LA PELEA, EL ILUSIONISTA y HULK, EL HOMBRE INCREÍBLE.

Norton nació el 18 de agosto de 1969 en Boston, Massachusetts, y creció en Columbia, Maryland. Su madre, Robin, fue una profesora de ingles y murió de un tumor cerebral en 1997; su padre, Edward es un abogado y ex fiscal federal bajo la administración Carter, y ahora trabaja para al Fondo Nacional para Preservación Histórica. Norton es nieto del promotor inmoviliario James W. Rouse, quien diseñó la ciudad de Columbia, Maryland (en donde creció Norton) y también ayudo a desarrollar el Puerto Interno de Baltimore y el Mercado Quince de Boston. Tiene dos hermanos menores; su hermana se llama Molly quien fue a la Universidad de Washington y a la Universidad de Lee, y su hermano Jim con quien ha colaborado profesionalmente.

Norton se graduó de la secundaria Wilde Lake en 1987, luego de la Universidad de Yale en 1991 con un bachillerato en historia. Fue en Yale que Norton se interesó en el teatro, tomando tantas clases como pudo pero sin llegar a especializarse en ello. Los actores Ron Livingston y Paul Giamatti fueron compañeros de clases además de actores colegiados.

Luego de la graduación, Norton trabajó en Osaka, Japón, como consultor de la compañía de su abuelo materno, la Enterprise Foundation.

Más tarde, se mudaría a Nueva York donde empezó su carrera de actor en el teatro fuera de Broadway.

Moviéndose hacia el cine, empezó en ese mundo con la cinta de 1996, PRIMAL FEAR, en donde interpretó a Aaron Stampler, un joven monaguillo tartamudo acusado de un brutal asesinato, y por el cual ganó un Globo de Oro y fue nominado como Mejor Actor de Reparto para el Oscar.

Ese mismo año también participaría en dos películas completamente diferentes. La primera es EVERYONE SAYS I LOVE YOU, pintoresco musical de Woody Allen, en donde Norton interpreta a Holden, quien está profundamente enamorado de Skylar (Drew Barrymore), sólo para enterarse que ella acaba de enamorarse de la persona más inesperada. La otra cinta fue PEOPLE VS. LARRY FLYNT, biopic de Milos Foreman sobre Larry Flynt, en donde el tema principal es la Primera Enmienda de la constitución estadounidense. Aquí, Norton interpreta al abogado que defiende a Flynt (Woody Harrelson) y su derecho de Libre Expresión en frente de la Suprema Corte de los EEUU.

La segunda nominación al Premio de la Academia como Mejor Actor, llegaría con AMERICAN HISTORY X (1998). Norton sería un neonazi cuya forma de pensar cambia en prisión, pero que al volver a casa se encuentra con que su hermano (Edward Furlong) ha seguido sus pasos, abrazando todo el odio y la violencia que dejó atrás.

Ese mismo año también participó en la exitosa ROUNDERS junto a Matt Damon. En esta cinta, Mike (Matt Damon) abandona el póker al entrar a la escuela de leyes, pero termina regresando a ese mundo para ayudar a su mejor amigo Worm (Edward Norton) a pagar sus deudas por apuestas.

En 1999, tuvo el papel principal en la adaptación de la novela de culto de Chuck Palahniuk, EL CLUB DE LA PELEA. Como narrador sin nombre, Norton interpreta a un hombre exitoso pero alienado de la realidad de un mundo cada vez más materialista, hasta que se encuentra con Tyler Durden (Brad Pitt), y su vida nunca será la misma.

Su siguiente película sería KEEPING THE FAITH (2000), una comedia romántica que supuso un primer intento en la dirección y producción para Norton. En la cinta, un sacerdote (Norton) y un rabino (Ben Stiller), amigos de la infancia, se enamoran de la misma mujer (Jenna Elfman), pero ninguno puede iniciar una relación pues iría contra sus respectivas creencias.

En CUENTA FINAL (2001) no sólo participaría como actor, sino también realizaría la labor de guionista no acreditado. En esta cinta Norton interpreta a un hombre que frustra los planes de retiro del ladrón de alto vuelo (Robert De Niro), al chantajearlo para que participe en un último gran robo.

En la comedia negra DEATH TO SMOOCHY (2002) dirigida por Danny DeVito, Norton interpreta a un sujeto en un traje de rinoceronte que reemplaza al ex-anfitrión (Robin Williams) de un programa para niños por recibir un soborno. Ese mismo año, Norton repite el plato como guionista no acreditado, al reescribir el guión del biopic sobre la pintora mexicana, FRIDA (2002). En esta cinta sólo participaría en un cameo como Nelson Rockefeller.

También en el 2002, Norton participaría en esta secuela de EL SILENCIO DE LOS INOCENTES, DRAGON ROJO, como William Graham, agente del FBI que captura al Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins), a quien debe pedir ayuda para capturar a un terrible asesino en serie (Ralph Fiennes).

Norton participó además, ese mismo año, en LA HORA 25, adaptación de la novela de David Benioff, que muestra el último día de libertad de un joven (Norton) antes que empiece a servir condena de siete años por tráfico de drogas. Esta cinta dirigida por Spike Lee contó además en el reparto con Rosario Dawson, Philip Seymour Hoffman, Brian Cox, y Barry Pepper.

Norton protagoniza junto a Mark Wahlberg and Charlize Theron, LA ESTAFA MAESTRA (2003), remake de la cinta de 1969. Wahlberg es Charlie, cabeza de un grupo de asaltantes que organizan un atolladero en el tráfico para robar de vuelta una caja fuerte llena de oro, que les fue arrebatada por un ex-socio traidor (Norton).

Después se interpretaría a sí mismo en un cameo en el programa cómico experimental STELLA, y ganó la aclamación de la crítica por su papel no acreditado del rey leproso de Jerusalén en CRUZADA (2005), de Ridley Scott. Ese año además produciría y protagonizaría el drama independiente DOWN IN THE VALLEY, junto a Evan Rachel Wood. La historia se ubica en el Valle de San Fernando de esta era, y gira en torno a un hombre que cree ser un vaquero de antaño (Norton) y su relación con una rebelde jovencita (Wood).

En el 2006 tiene el papel principal en otra cinta independiente, EL ILUSIONISTA, adaptación de la historia corta de Steven Millhauser, Eisenheim The Illusionist la cual fue presentada en el Festival de Cine de Sundance y luego se convirtió en un éxito tardío cuando fue lanzada comercialmente en agosto.

Su proyecto finalizado más reciente es HULK, EL HOMBRE INCREÍBLE (2008), en donde no solo protagoniza como el clásico héroe de la Marvel, sino que también hizo las veces de guionista. La película también cuenta con las actuaciones de Liv Tyler (Betty Ross), Tim Roth (Abominación) y William Hurt (General Ross).

Actualmente Norton se encuentra trabajando en varios proyectos, entre ellos PRIDE AND GLORY es el que está prácticamente listo. Este filme, donde Norton comparte roles con Colin Farrell, Noah Emmerich y Jon Voight, es un drama generacional sobre una familia de policías en Nueva York que es destrozada por un escándalo de corrupción. Otro proyecto, que se encuentra en la fase de pre producción, es LEAVES OF GRASS, en donde Norton interpreta a gemelos, uno un profesor de Ivy League, y el otro un criminal hedonista y fumador de marihuana. Tim Blake Nelson no sólo escribe y dirige esta cinta, sino que también actuará. Por último tenemos MOTHERLESS BROOKLYN, ya en etapa de producción, donde Norton también escribe y produce. La cinta, basada en la novela de Jonathan Lethem, trata sobre Lionel “Freakshow” Essrog, un detective con Síndrome de Tourette, quien intenta buscar al asesino de su mentor.

Norton es conocido generalmente por su reticencia a aceptar su estatus de celebridad. Ha invertido dinero y tiempo en causas sociales activistas, incluyendo el mejoramiento de la calidad de vida de las comunidades con pocos recursos. También es conocido por su apoyo a causas ambientales y proyectos partidarios del uso de la energía renovable como el programa Solar Neighbors de BP. Además es un miembro de los fideicomisarios de la Enterprise Foundation, una promotora inmobiliaria sin fines de lucro para la construcción de casas a precios asequibles.

Ha sido un partidario particularmente fuerte de Eliot Spitzer, quien fue elegido gobernador de Nueva York en 2006. Norton ha presentado a Spitzer en varios eventos de campaña y también condujo su autobús de campaña.

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George A. Romero

Considerado el padre del terror moderno, y reconocido por su inteligencia, innovación y sensibilidad como cineasta, además de su innegable habilidad para generar el miedo.

Romero nació el 04 de febrero de 1940 en Nueva York. Atendió a la Universidad Carnegie Mellon de Pittsburgh. Luego de graduarse en 1960, comenzó filmando cortometrajes y comerciales.

A finales de esa década, él y sus amigos formaron Image Ten Productions, y recaudaron el exiguo presupuesto de $114.000 para producir la que sería la más celebrada cinta de terror de todos los tiempos, LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1968). Co-escrita (junto a John Russo), dirigida y editada por Romero, se volvió un clásico de culto que redefinió al género, no solo por su explícita violencia, sino fundamentalmente por ser una satírica mirada sobre la sociedad americana que consiguió reflejar la confusión de los tiempos. Toda la historia toma lugar en el curso de una noche. Sigue el dilema de un grupo de siete personas, que se refugian en una granja mientras que sucede el horrible suceso los muertos vueltos a la vida. Mientras batallan contra un número cada vez mayor de zombies, la situación se vuelve cada vez más severa, y finalmente terminan volviéndose unos contra otros.

Las siguientes cintas de Romero fueron menos populares: THERE’S ALWAYS VANILLA (1971), JACK’S WIFE / SEASON OF THE WITCH (1972) y THE CRAZIES (1973). Aunque no fueron tan aclamadas como LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES o algunos de sus trabajos posteriores, las cintas tienen su típica característica del comentario social mientras trata de temas terroríficos a nivel microscópico. THE CRAZIES, sobre un derrame biológico que induce una epidemia de locura homicida, y la aclamada por la crítica MARTIN (1977), una lírica, profunda e inquietante historia de un joven solitario que vive convencido de que es un vampiro, son las dos cintas que resaltan durante este periodo. Como casi todas sus cintas, estas fueron filmadas dentro o en los alrededores de Pittsburg, la ciudad favorita del cineasta.

En 1978, regresó al género de zombies con EL AMANECER DE LOS MUERTOS. Rodada con un presupuesto de apenas $500,000 (los productores dieron la falsa cifra de $1.5 millones para ayudar su posición de negociación con los distribuidores). La historia contada en la cinta transcurre en un shopping mall de los suburbios, donde un grupo acosado por zombies y sus propios demonios personales, lucha denodadamente por sobrevivir. En esta cinta el número de muertos aumenta, y la sociedad incrédula empieza a colapsar. Se declara ley marcial y los ciudadanos no ocupan ya residencias privadas, más bien siendo mandados a centros de rescate, muchos de los cuales son atacados continuamente por zombies. Poderosa y apocalíptica, con la firma de Romero estampada en ese ingenioso humor negro que la sobrevuela, la película se transformó además en una de las producciones independientes más rentables de la historia del cine, recaudando más de $55 millones a nivel mundial, y nombrada una de las mayores películas de culto por Entertainment Weekly en 2003.

Romero continuó realizando interesantes trabajos durante los 80 y 90, algunos de los cuales fueron KNIGHTRIDERS (1981) una película en la que Ed Harris encarna al líder de un grupo que, siguiendo las reglas de los hombres de Camelot, viaja por pequeños pueblos estadounidenses montando motocicletas en vez de caballos; y CREEPSHOW (1982), una película audaz y simpática con guión de Stephen King, protagonizada por un elenco de conocidos actores.

Durante este periodo, Romero realizaría también EL DÍA DE LOS MUERTOS (1985), la tercera en la saga de los zombies, una misteriosa y claustrofóbica película que si bien no fue espectacular en la taquilla, llegaría a ganar varios seguidores gracias a sus estrenos en VHS y DVD. En esta tercera entrega, la trama sigue a un pequeño grupo de sobrevivientes en un complejo de misiles bajo tierra, mientras intentan buscar una cura o solución a esta “enfermedad”, sobre ellos la sociedad ha colapsado completamente y el mundo está en ruinas, ocupado por ejércitos de zombies.

En 1988, MONKEY SHINES, sobre de un mono asesino, se convirtió en el primer filme de estudio realizado por Romero, introducido a él por Peter Grunwald, con quien formó Romero-Grunwald Productions.

Luego realizó en colaboración con el director Dario Argento TWO EVIL EYES (1990), que comprendía dos historias inspiradas en los cuentos de terror de Edgar Allan Poe.

En 1991, Romero tendría un cameo en la oscarizada EL SILENCIO DE LOS INOCENTES, dirigida por Jonathan Demme, como uno de los carceleros de Hannibal Lecter.

Dirigió en1993 THE DARK HALF, protagonizada por Tim Hutton en un impresionante doble papel. La película, como ocurrió con los anteriores trabajos de Romero, fue alabada por la crítica y considerada como una de las más brillantes y profundas adaptaciones, de las muchas, de un libro de Stephen King.

En 1998, Romero regresa al terror, esta vez con un comercial promocionando el videojuego RESIDENT EVIL 2, filmado en Tokio, Japón. El comercial de 30 segundos fue hecho en acción real y mostraba a los personajes principales del juego, Leon S. Kennedy y Claire Redfield, luchando contra una horda de zombies en la estación de policía de Raccoon City. El proyecto fue algo natural para Romero, pues RESIDENT EVIL fue influenciada por las historias de zombies de Romero. El spot fue bastante popular y fue estrenado semanas antes del lanzamiento del juego, aunque una disputa contractual impidió que fuera mostrado fuera de Japón.

En el año 2000, Romero dirige BRUISER, una entretenida y sumamente original historia de venganza, sobre un hombre cuyo rostro se convierte en una máscara sin expresiones, considerada como una de las realizaciones donde mejor quedaría evidenciada su habilidad y dote con la cámara.

Romero filmó una cuarta parte de su saga de zombies en Toronto, Canada. La cinta, TIERRA DE LOS MUERTOS (2005), tuvo un presupuesto de $16 millones, convirtiéndola en la más cara de las cuatro. Estelarizaron Dennis Hopper, Asia Argento y John Leguizamo. La película fue estrenada el 24 de junio del 2005, recibiendo sensacionales comentarios de la prensa y convirtiéndose además en unos de los mayores sucesos de taquilla para el director. En esta nueva historia, Romero crea una traumática visión del mundo moderno en el que los muertos caminan por un mundo desolado y deshabitado, y los personas intentan vivir “normalmente” dentro de las murallas de una ciudad fortificada. Esta nueva sociedad ha sido construida por un puñado de oportunistas innovadores pero despiadados, mientras que las personas más pobres tratan de subsistir en las calles. Pero, afuera de las murallas, un ejército de zombies está evolucionando. Adentro de éstas, la anarquía se abre paso. Con la sobrevivencia de la ciudad en juego, un grupo de mercenarios están llamados a la acción para proteger a los vivos del ejército de muertos.

Es casi generalizado que los críticos ven comentarios sociales en los trabajos de Romero, sobretodo en su saga de zombies. LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES sería una cinta hecha en respuesta a los turbulentos años 60, EL AMANECER DE LOS MUERTOS sería una sátira al consumismo, EL DÍA DE LOS MUERTOS, un estudio al conflicto entre la ciencia y lo militar, y TIERRA DE LOS MUERTOS como un examen a los conflictos de clase.

En el otoño del 2006, Romero se embarca en la realización de DIARIO DE LOS MUERTOS, que con financiamiento independiente, se convertiría en su proyecto más personal desde que filmó LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES. La cinta sigue a un grupo de estudiantes universitarios que tienen como proyecto hacer una historia de terror en el bosque, y que terminan tropezando con verdaderos zombies. Cuando empieza la desgracia, ellos aprovechan el momento, como cualquier estudiante de cine, para capturar los sucedido en un estilo “cinéma verité”, que le causaría a la producción más de un dolor de cabeza.

Él orgullosamente lo describe así: “la película vino directamente desde mi corazón. No es una secuela o un remake. Se trata más bien de un nuevo comienzo para los muertos”.

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David Cronenberg

David Paul Cronenberg (nacido el 15 de marzo de 1943) es un director y ocasional actor de cine canadiense. Es uno de los creadores principales del género conocido como “body horror” (horror biológico). Su estilo cinematográfico explora los temores de la gente por las transformaciones e infecciones corporales. En sus cintas, lo psicológico está muy ligado a lo físico. En la primera mitad de su carrera, exploró estos temas en cintas de terror y ciencia ficción, aunque actualmente su trabajo se ha expandido más allá de estos géneros.

Primeros años

Cronenberg nació en Toronto, Canada, en donde aún vive actualmente. Siendo hijo de Esther, pianista, y Milton Cronenberg, escritor y editor periodístico, los libros y la música marcarían su infancia y adolescencia. David atendió el Instituto Colegiado de North Toronto, graduándose luego de la Universidad de Toronto con un grado en literatura, luego de abandonar ciencias, citando a William S. Burroughs y Vladimir Nabokov como influencias.

Carrera

Luegos de dos cortometrajes de sketch y dos filmes de autor cortos (STEREO en blanco y negro, y CRIMES OF THE FUTURE a colores) Cronenberg se asoció con Ivan Reitman. El gobierno canadiense financió las cintas de Cronenberg durante los setentas, y el cineasta alternada sus características películas de body horror como Shivers con proyectos que reflejaban su interés en las carreras de autos y pandillas de motoristas. Rabid explotaría los insospechados talentos histriónicos de la famosa actriz porno Marilyn Chambers, y se convirtió en una cinta que le daría notoriedad internacional, con distribuidores extranjeros y más apoyo a sus siguientas cintas de terror.

Las cintas de esta parte de su carrera siguen una progresión definitiva, un movimiento del mundo social hacia la vida interior. En sus primeras cintas, los científicos modifican el cuerpo humano, cuyos resultados alteran el orden social (como en SHIVERS y en RABID). En su periodo intermedio, el caos traído por los científicos es más personal, (como en THE BROOD, SCANNERS y VIDEODROME). En el último periodo, el científico mismo es alterado por sus experimentos (como en el remake de LA MOSCA). Esta trayectoria finaliza en DEAD RINGERS en donde unos ginecólogos gemelos terminan en un mundo de codependencia y adicción a las drogas. Las siguientes cintas de Cronenberg tienden a ser más psicológicas, muchas veces contrastando las realidades objeticas y subjeticas (como en eXistenZ, M. BUTTERFLY, y SPIDER).

Tal vez el mejor ejemplo de esto sea su “adaptación del controversial libro de su “héroe” literario William S. Burroughs, NAKED LUNCH (1991). Se consideraba que el libro era imposible de filmar, y Cronenberg reconoció que una traducción exacta del libro a la pantalla grande “costaría un billón de dólares y sería prohibida en todo el mundo”. Así que Cronenberg difuminó las líneas entre lo que parecía ser la realidad con lo que parecían ser alucinaciones debido a la adicción a las drogas del personaje principal. Cronenberg declaró en tono de broma que, mientras escribía el guión de NAKED LUNCH, sintió un momento de conexión tan fuerte entre su estilo de guionización con el estilo de prosa de Burroughs, que si éste último moría, el cineasta debería escribir su siguiente libro.

Cronenberg ha dicho que sus cintas deben ser vistas “desde el punto de vista de la enfermedad”, pero la enfermedad y el desastre, son problemas menores en el trabajo del cineasta, si los comparamos con la transformación personal. Así en CRASH (1996), la gente que ha sido dañada en accidente intenta ver la terrible experiencia como “un evento fertilizador en lugar de destructivo”. En 2006, Cronenberg dijo que le molestó que Paul Haggis escogiera el mismo nombre para su cinta ganadora del Oscar, sintiendo que no sólo era poco ético, sino que también bastante fastidioso.

Aparte de THE DEAD ZONE (1983) y LA MOSCA (1986), Cronenberg generalmente no trabaja en producciones hollywoodenses de grandes presupuestos, aunque en varias ocasiones casi se vuelve parte de ellas. En un momento fue considerado por George Lucas como posible director de EL REGRESO DEL JEDI pero al final no resultó. Cronenberg también trabajó por casi un año en una versión de EL VENGADOR DEL FUTURO pero experimento “diferencias creativas” con los productores Dino De Laurentiis y Ronald Shusett. Eventualmente se realizó una versión diferente de la cinta con Paul Verhoeven. Como fan de Philip K. Dick, autor de la novela corta (We Can Remember it For You Wholesale) en la que se basó tal cinta, Cronenberg comentó que su descontento con lo que el visionaba que sería la cinta y lo que resultó lo hirió tanto en aquel entonces, que cada vez que pensaba en eso le entraba un migraña. Para finalizar, a fines de los 90, Cronenberg fue anunciado como el director de la secuela de otra cinta de Verhoeven, BAJOS INSTINTOS, pero tampoco llegó a concretarse.

Actualmente, su reciente trabajo UNA HISTORIA VIOLENTA (2005), es una de sus cintas con más presupuesto y “más estadounidenses”, en el sentido que sin perder su propio estilo si cinta atrajo a varios tipos de público. Dijo que su decisión para dirigirla fue influenciada por tener que diferir su salario en su también aclamada cinta de bajo presupuesto, SPIDER (2002), pero al final UNA HISTORIA VIOLENTA se convertiría en una de sus más aclamadas. Esta cinta fue seleccionada para competir en el Festival de Cannes y se estrenó con buena crítica luego de estrenarse en el Festival Internacional de Cine de Toronto. El filme fue nominado a dos Premios de la Academia, por Mejor Guión Adaptado y Mejor Actor de Reparto, para Josh Olson y William Hurt respectivamente.

Su última cinta, PROMESAS PELIGROSAS (2007), fue creada luego de décadas de experiencia y todos concuerdan que es su película más pulida. Fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto, en donde ganó el Premio del Público por Mejor Película. La BBC News la colocó en el Top 10 de las mejores cintas estrenadas en el 2007. PROMESAS PELIGROSAS fue nominada al Premio de la Academia por Mejor Actor, para Viggo Mortensen, quien se reune con Cronenberg luego de UNA HISTORIA VIOLENTA. Además fue nominada al Globo de Oro por una vez más Mejor Actor y también por Mejor Banda Sonora y Mejor Película. Por último recibió doce nominaciones a los Genie Awards y ganó siete.

Cronenberg ha contado con Howard Shore para componer la banda sonora de casi todas sus cintas. Otras colaboraciones regulares a su cine incluyen al actor Robert Silverman, a la directora de arte Carol Spier, al editor de sonido Bryan Day, al editor de cine Ronald Sanders, a su hermana y diseñadora de vestuarios Denise Cronenberg, y, entre 1979 y 1988, al director de fotografía Mark Irwin. Desde DEAD RINGERS (1988), Cronenberg ha trabajado con el director de fotografía Peter Suschitzky en todas sus cintas. Suschitzky fue el director de fotograía de EL IMPERIO CONTRAATACA (1980), y Cronenberg ha dicho en varias ocasiones que el trabajo de Suschitzky en esa cinta la convirtió en una de las cintas de ciencia ficción más bellas que ha visto, y eso fue el factor más importante para querer trabajar con el en DEAD RINGERS.

Además de la lealtad que le muestra a su personal, Cronenberg se mantiene como un director canadiense en todo el sentido de la palabra, con prácticamente todas sus cintas filmadas en suelo canadiense. La mayoría de sus cintas fueron al menos financiadas en parte por Telefilm Canada, y Cronenberg apoya activamente los proyectos concernientes al cine del gobierno canadiense.

Cronenberg también ha aparecido en las películas de otros directores como actor. La mayoría de sus papeles son cameos, así como en INTO THE NIGHT, JASON X, TODO POR UN SUEÑO, y ALIAS, pero en ocasiones tiene papeles mayores, como en NIGHTBREED o LAST NIGHT. Nunca ha tenido un papel importante en ninguna de sus películas, pero tuvo una corta aparición como ginecólogo en LA MOSCA, se le puede ver en las hordas sexualizadas en SHIVERS (1975), se le puede escuchar como miembro del público que observa un accidente en CRASH, sus manos son vistas en eXistenZ (1999), e hizo de doble de James Woods en VIDEODROME (1983) en tomas donde el personaje de Woods llevaba un casco que cubría su cabeza.

Honores

En 1999, Cronenberg fue inducido en el Paseo de la Fama de Canadá. En 2002, fue convertido en Oficial de la Orden de Canadá, y en 2006 fue premiado en el Festival de Cine de Cannes con el premio Carrosse d’Or, por logros de una vida. Dos de sus cintas, DEAD RINGERS y SPIDER, fueron votadas en 2002 por la Encuesta Sight and Sound de la revista cinematográfica del mismo nombre.

En 2006, fue convertido en Socio de la Sociedad Real de Canadá, la más imporntante institución del país para compatriotas científicos y entendidos.

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Gwyneth Paltrow

Gwyneth Kate Paltrow (nacida el 27 de setiembre de 1972) es una actriz estadounidense ganadora del Oscar, del Globo de Oro y del SAG.

Nació en Los Angeles, California, su madre es Blythe Danner, una actriz, y su padre el ya fallecido Bruce Paltrow, director, escritor y productor de cine y TV. Gwyneth reconoce sus raíces judías heredadas de su padre, y sigue el judaísmo. Tiene un hermano menor, Jake, y es prima de la actriz Katherine Moennig. Criada en Santa Monica, atendió al Crossroads School antes de mudarse y atender al Spence School, una escuela privada sólo para chicas en New York City. Luego estudiaría por un semestre historia del arte en la Universidad de California (UCLA), antes de abandonar su grado académico y meterse de lleno a la actuación al buscar trabajo como actriz en Nueva York.

Hizo su debut profesional en las tablas en 1990, y al año siguiente le seguiría su debut cinematográfico con SHOUT (1991), Más tarde, en ese mismo año, tuvo en papel pequeño como Wendy en la cinta familiar de su padrino, el reconocido director Steven Spielberg, HOOK (1991). Además aparecería en 1993 en MALICE y en FLESH AND BONE, esta última junto a Meg Ryan y Dennis Quaid.

Gwyneth apareció en SE7EN (1995), junto a Brad Pitt y Morgan Freeman, cinta que fue un éxito comercial y de crítica. Luego protagonizó EMMA en 1996, en donde recibió buenas críticas, particularmente en Reino Unido por su más que aceptable acento inglés, además del resto de Europa y Asia.

Dos años después, Paltrow protagonizó SHAKESPEARE ENAMORADO, una historia de ficción acerca de cómo William Shakespeare podría haber escrito Romeo y Julieta. La cinta no sólo recibió el respaldo de la crítica y se llevó a casa varios premios, sino que logró recaudar más de 100 millones de dólares tan solo en EEUU. SHAKESPEARE ENAMORADO ganó el Globo de Oro por Mejor Película Musical o Comedia y Mejor Guión, así como el Premio de la Academia por Mejor Película. Paltrow ganó un SAG y un Oscar por su actuación.

En 1999 protagonizó junto a Matt Damon, EL TALENTOSO SR. RIPLEY que recaudó más de $80 millones en EEUU, y recibió buenas críticas. En BOUNCE (2000) volvió a compartir el protagónico con su co-estrella de SHAKESPEARE ENAMORADO, Ben Affleck. La cinta tuvo un éxito moderado, tanto como en la crítica como con la taquilla.

Desde su Oscar, la actriz ha tenido una carrera de perfil bajo, aunque aún así bastante activa, con pocas cintas aclamadas por la crítica, que incluyen LOS EXCÉNTRICOS TENEMBAUM (2001) y PROOF (2005), lo que muestra un declive de su éxito cinematográfico. La actriz dijo no poder con la presión, lo que la llevó a tomar malas decisiones sobre su carrera, y está de acuerdo con algunos compañeros de trabajo que aseguran que ese premio fue una maldición.

Poco después, Gwyneth admitiría en The Guardian, que dividía su carrera en películas que hacía por amor y películas que hacía por dinero: LOS EXCÉNTRICOS TENEMBAUM, PROOF, y SYLVIA (2003) se ubicaban en la primera categoría, mientras que VIEW FROM THE TOP (2003) y AMOR CIEGO (2001) en la segunda. Para esta última cinta, la actriz fue a un bar local con el “traje de gorda” que usó en la cinta para experimentar la percepción del público hacia la gente obesa. La experiencia la sorprendió pues la gente rehusaba mirarla a la cara y le entristeció que la gente tratara mal a las personas con sobrepeso.

En su última película, IRON MAN, EL HOMBRE DE HIERRO, Paltrow interpreta a Virginia “Pepper” Potts, indispensable asistente del empresario millonario Tony Stark, interpretado por Robert Downey Jr. La cinta ha recibido buenas críticas iniciales y se espera que sea uno de los blockbusters del año.

En mayo de 2005, Paltrow se convirtió en el nuevo rostro del perfume Pleasures de Estée Lauder, a apereciendo en Chicago en el 2007 para autografíar botellas del perfume. Estée Lauder dona un mínimo de 500,000 dólares de las ventas de la colección ‘Pleasures Gwyneth Paltrow’ para la investigación contra el cáncer de mamas.

Paltrow sirve en la junta de la Fundación Robin Hood, una organización caritativa que intenta aliviar los problemas causados por la pobreza en Nueva York. En 2006, se convirtó en el nuevo rostro de Bean Pole International, una marca de ropa coreana, y protagonizó varias cintas comerciales junto al actor Daniel Henney. En octubre de 2007, Paltrow se alistó en la serie de TV estadounidense On The Road Again en el capítulo dedicado a España, en donde se muestra la comida y cultura del país.

Paltrow tuvo un muy publicitado romance y compromiso con Brad Pitt, con quien estuvo por tres años. Luego estuvo ligada emocionalmente a Ben Affleck y a Luke Wilson.

En diciembre de 2003, se casó con Chris Martin de la banda británica Coldplay en una ceremonia secreta en California. Gwyneth tuvo a su primera hija, Apple Blythe Alison Martin, 5 meses después, el 14 de mayo de 2004, en Londres. Su segundo hijo, Moses Bruce Anthony Martin, nació el 8 de abril de 2006 en Nueva York. Actualmente, divide su tiempo entre sus residencias de Inglaterra y su ciudad natal.

Gwyneth se ganó una enemistad con Sharon Stone debido a su imitación de ésta en un sketch de Saturday Night Live que se burlaba de ella y su entonces esposo, Phil Bronstein. Paltrow es buena amiga de Madonna y de los diseñadores de moda Valentino y Stella McCartney. Fue también la mejor amiga de Winona Ryder hasta su ruptura con Ben Affleck.

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