Guillermo del Toro

Guillermo del Toro Gómez nació el 9 de octubre de 1964, en Guadalajara, México. Criado por su abuela, una católica muy devota, su interés por el cine le llegó a los 8 años. Estudió en el Instituto de Ciencias de la Universidad de Guadalajara. Luego, aprendería de maquillaje y efectos especiales con Dick Smith (quien trabajo en EL EXORCISTA), y empezó realizando sus primeros cortometrajes. Dirigió e hizo las veces de productor ejecutivo de su primera cinta, el cortometraje DOÑA LUPE, en 1986, a los 21 años. Pasaría los próximos ocho como diseñador de efectos especial y maquillaje, y formaría su propia compañía, Necropia, a cominenzos de los 80. Además sería el cofundador del Festival de Cine Mexicano, cuya base se encuentra en su ciudad natal, Guadalajara. Además produciría y dirigiría programas para la televisión mexicana, a la par que enseñaba cine.

Del Toro tuvo su primer reconocimiento con CRONOS (1992) que ganó nueve premios de la Academia de Cine Mexicana, además de ganar el premio de la Semana de Críticos Internacionales en Cannes. La cinta estuvo protagonizada por el veterano actor argentino Federico Luppi y por el estadounidense Ron Perlman, y marcaría el comienzo de varias colaboraciones entre ambos intérpretes con el cineasta.

Fue durante este éxito que Del Toro realizaría su primera cinta en Hollywood, MIMIC (1997), protagonizada por la actriz Mira Sorvino, basada en el cuento homónimo de Donald A. Wollheim. Durante la producción, sin embargo, del Toro y Bob Weinstein de Miramax peleaban todo el tiempo debido a diferencias creativas, lo que llevaría incluso a que Weinstein despidiera temporalmente a del Toro, aunque lo volvería a contratar días después. Del Toro no quedó satisfecho con el resultado final de la película, y no se quedaría callado al respecto, remarcándolo públicamente en varias ocasiones. Terminaría describiendo la película como “tener una bella hija a la cual le cortan los brazos”. Pero a pesar de la desagradable experiencia de trabajar con un exigente estudio hollywoodense, esto le serviría para que al regresar a México pudiera formar su propia compañía de producción, llamada The Tequila Gang.

En 1998 su padre sería secuestrado en México, lo que impulsó a del Toro a mudarse al extranjero como expatriado. Pasada la experiencia, y luego que su padre le fuera devuelto sano y salvo, Del Toro comentaría, a manera de broma, que lidiar con secuestradores no fue tan traumático como realizar MIMIC.

Entre la obra cinematográfica de Guillermo del Toro, son dos cintas, muy relacionadas entre sí, las que fueron la más aclamadas por la crítica. EL ESPINAZO DEL DIABLO (2001) y EL LABERINTO DEL FAUNO (2006) son cintas históricas de terror y fantasía, ubicadas en el contexto de la dictadura de Francisco Franco en España. Ambas tienen trasfondos, protagonistas (niños), y temas similares (que incluyen la relación entre la fantasía y el terror con la lucha de vivir bajo un gobierno autoritario) con la cinta EL ESPÍRITU DE LA COLMENA (1973) de Víctor Erice, considerada una de las mejores cintas españolas de los 70.

Fue gracias a EL ESPINAZO DEL DIABLO, historia de fantasmas durante la Guerra Civil Española, que encantó al público y a la crítica, que del Toro decidió darle otra oportunidad a Hollywood. Así, al año siguiente, dirigiría la segunda película de la franquicia del héroe cazavampiros de la Marvel, BLADE II (2002), protagonizada una vez más por Wesley Snipes.

A la cinta le fue bien, y a del Toro se le ofreció continuar trabajando en la tercera parte de BLADE o hacer una adaptación fílmica de HELLBOY (2004), cómic de la compañía Dark Horse, escrito por Mike Mignola. Aunque del Toro consideró brevemente meter ambas cintas en su itinerario, al final decidió elegir a HELLBOY, y para ellos llamaría a uno de sus actores favoritos, Ron Perlman, con quien ya tenía experiencia trabajando.

Toda esta experiencia manejando presupuesto mayores, lo llevaría a la que es considerada su obra maestra, EL LABERINTO DEL FAUNO. Con casi dos años de producción, del Toro puso su corazón y su vida en esta cinta, e incluso dejó de percibir un salario para asegurarse que el producto final fuera tal y como lo había imaginado. Al final, todos sus esfuerzos rindieron excelentes frutos. La cinta, llamada “un cuento de hadas para adultos”, también toma lugar durante la Guerra Civil Española, y no solo se ganó la aprobación de prácticamente toda la crítica, sino que se convirtió en la cinta española que más dinero ha recaudado en USA. Además conseguiría tres (Mejor Maquillaje, Mejor Dirección de Arte, Mejor Fotografía) de las seis estatuillas a las que fue nominada en los Premios de la Academia.

En todas estas cintas, ya se puede apreciar ciertas fascinaciones que tiene el director, y que se han vuelto regulares en su cine: insectos, relojes antiguos, monstruos, lugares oscuros y criaturas no nacidas. Es más, el director ha comentado que su fascinación particular con los monstruos es algo casi antropológico. En su cine estos son estudiados o hasta disecados, para ver como funcionan, que tiene por dentro, y hasta su sociología. Como para cimentar su adoración por la fantasía, del Toro también ha mencionado entre sus influencias a Arthur Machen, Lord Dunsany, Clark Ashton Smith, H.P. Lovecraft y Jorge Luis Borges.

Del Toro es amigo cercano de dos directores compatriotas, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu. Los tres a menudo suelen influir en las decisiones directorales de cada uno de ellos, e incluso han sido entrevistados juntos. Cuarón además produjo EL LABERINTO DEL FAUNO.

Cuando se revelaron las nominaciones para el Premio de la Academia, en enero del 2007, los tres fueron mencionados: del Toro por Guión Original en EL LABERINTO DEL FAUNO, Cuarón por Edición y Guión Adaptado por NIÑOS DEL HOMBRE e Iñárritu por producir y dirigir BABEL.

Del Toro ha rechazado realizar éxitos seguros cuando estos coinciden con el momento en que quiere hacer sus propios proyectos. Por EL LABERINTO DEL FAUNO, del Toro rechazó LAS CRÓNICAS DE NARNIA: EL LEÓN, LA BRUJA Y EL ROPERO. Para realizar HELLBOY II EL EJÉRCITO DORADO (2008), rechazó SOY LEYENDA, UNA LLAMADA PERDIDA, y HARRY POTTER Y EL MISTERIO DEL PRÍNCIPE.

Además de su relación cercana con varios directores, incluyendo los compatriotas ya mencionados, del Toro parece tener una buena relación laboral con el actor Ron Perlman. Entre sus películas que lo incluyen a Perlman como personaje secundario o principal, están BLADE II y la franquicia de HELLBOY. Es más, para estas últimas, del Toro ha tenido que pedir siete años para tener a Perlman en el papel titular, ya que los productores querían originalmente que se eligiera a un actor más conocido.

Guillermo ha comentado que entre sus futuros proyectos estaría THE COFFIN, basada en la alabada novela gráfica escrita por Phil Hester, y dibujada por Mike Huddleston. Otros proyectos incluyen DEADMAN, THE WITCHES, una adaptación de una historia de Roald Dahl (autor de CHARLIE Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATES), THE CHAMPIONS que estaría basada en una serie de televisión británica, y AT THE MOUNTAINS OF MADNESS, basada en una historia homónima de H. P. Lovecraft. Además también sería el productor de la cinta dirigida por Neil Gaiman, DEATH AND ME, adaptación de Death: The High Cost of Living.

Del Toro también ha expresado interés en adaptar FRANKENSTEIN como una “tragedia miltoniana”, tras haber leído con entusiasmo el borrador del guión realizado por Frank Darabont.

En abril de 2008, se anunció oficialmente que del Toro dirigiría EL HOBBIT, precuela de la popular saga de J.R.R. Tolkien, EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, cinta que sería producida por Peter Jackson. Para del Toro, contribuir con el legado de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, fue como un sueño hecho realidad. Por los próximos cuatro años, él y su familia se mudarían a Nueva Zelanda. Como consecuencia también está que sus proyectos serían atrasados, pero del Toro piensa que es una equivalencia aceptable.

Actualmente, el cineasta vive en Westlake Village en Los Angeles, California, con su esposa y sus hijas Mariana y Marisa.

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Martin Scorsese

Martin Marcantonio Luciano Scorsese nació el 17 de noviembre de 1942 en Nueva York. Sus padres fueron Catherine (1912–1997) y Luciano Charles Scorsese (1913–1993), ella costurera y el planchador. De niño, su padre lo llevaría a menudo al cine, lo que generaría ya desde esta etapa en su vida una pasión por el séptimo arte, especialmente por el cine neorealista. Hablaría de esta influencia en un documental sobre el neorealismo italiano, específicamente en como LADRÓN DE BICICLETAS, PAISA y ROMA, CIUDAD ABIERTA lo inspirarían y de cómo influirían en cómo vería su herencia siciliana. En su documental IL MIO VAGGIO IN ITALIA, Scorsese notó que el episodio siciliano de PAISA de Roberto Rossellini, que vio por vez primera en la televisión junto a parientes inmigrantes sicilianos, tuvo un impacto importante en su vida. Fue por el cine que su deseo original de ser sacerdote fue finalmente reemplazado, dejando el seminario por la Escuela de Cine de NYU, en donde recibió su maestría en dirección de cine en 1969.

Debido al asma que lo aquejaba desde la infancia, Scorsese no sirvió al ejército en Vietnam cuando estalló la guerra, aprovechando el tiempo que pasó estudiando cine en la Universidad de Nueva York realizando cortometrajes como WHAT’S A NICE GIRL LIKE YOU DOING IN A PLACE LIKE THIS? (1963) y IT’S NOT JUST YOU, MURRAY! (1964). Su corto más famoso de este periodo sería la comedia negra THE BIG SHAVE (1967), en donde un hombre se afeita hasta terminar desangrado al cortarse la garganta. Esta cinta sería un guiño al envolvimiento de EEUU en Vietman, que también es sugerido por el título alternativo, VIET ‘67.

1967 también fue el año en que Scorsese logró realizar su primer largometraje, WHO’S THAT KNOCKING AT MY DOOR, en blanco y negro junto a sus compañeros de estudios, el actor Harvey Keitel, y la editora Thelma Schoonmaker, quienes luego colaborarían en varias cintas juntos. Esta cinta sería una precursora de MEAN STREETS. Ya incluso en este etapa embrionaría, se dejada evidenciar el “estilo Scorsese”: la visión de la vida callejera de los italoamericanos en Nueva York, una edición ágil, una banda sonora rockera y variada, y un protagonista masculino con problemas.

Fue en ese entonces que se haría amigo y conocido de los llamados “movie brats” de los 70: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas, y Steven Spielberg. Fue De Palma quien le presentó Robert De Niro a Scorsese, y ambos pronto se volverían amigos, y trabajarían juntos en varios proyectos. Durante este periodo el director trabajaría como uno de los editores de la cinta WOODSTOCK en donde conocería al actor y director John Cassavetes, quien no solo se convertiría también en su amigo, sino en una especie de mentor.

En 1972, Scorsese realizó la cinta de gángster de la era post-depresión BOXCAR BERTHA para el productor Roger Corman, quien también ayudó a directores como Francis Ford Coppola y James Cameron a comenzar sus carreras. Aunque se le considera una película menor, BOXCAR BERTHA le enseñaría a Scorsese a hacer cintas rápido y sin gastar mucho, proparándolo para su primera cinta junto a Robert De Niro, MEAN STREETS.

MEAN STREETS significó un reconocimiento inicial para ambos, y la consolidación del “estilo Scorsese” del que ya se ha hablado. Y aunque la cinta significó una innovación en el cine, su atmósfera energética, su estilo casi documental, y la dirección dura y callejera, bebe bastante de los directores Cassavetes y un Jean-Luc Godard cuando recién empezaba; es más, el primero instó a Scorsese que terminara de hacer su cinta, pues sintió que BOXCAR BERTHA no era suficiente para mostrar todo el talento del prodigioso director.

En 1974, la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en ALICE DOESN’T LIVE HERE ANYMORE, cinta por la cual ganaría el Oscar a Mejor Actriz. Aunque la cinta es apreciada, se le considera una anomalía en la carrera del director, pues se enfoca en un personaje femenino central.

Pronto después regresaría a Pequeña Italia en Nueva York, para explorer sus raíces étnicas, lo que se materialize en el documental ITALIANAMERICAN (1974), en donde aparecen sus padres, Charles y Catherine Scorsese.

Dos años después, Scorsese sorprendería al mundo del cine con la icónica TAXI DRIVER (1976), un retrato violento y deprimente de un hombre y su lento descenso hacia la locura en una Manhattan de pesadilla. Aquí la dirección de Scorsese ya estaba bastante lograda, con iluminación expresionista, cámaras lentas, cortes rápidos y tomas con punto de vista, todo para reflejar el delicado estado psicológico del protagonista. Pero a pesar de esta espectacular dirección, el poder de TAXI DRIVER recayó también en la excelente actuación de Robert De Niro en el papel principal. Esta cinta además sería la primera de una serie de colaboraciones con el guionista Paul Schrader. TAXI DRIVER ganaría la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1976, además de ser nominada a cuatro premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, aunque desgraciadamente el Oscar lo evadió en ese momento.

Este éxito con la crítica animaría a Scorsese a realizar su primer proyecto de gran presupuesto: el estilizado musical NEW YORK, NEW YORK (1977). Desgraciadamente este tributo del cineasta a su ciudad natal y al cine clásico musical de Hollywood fue un total fracaso. NEW YORK, NEW YORK marcó la tercera colaboración junto a Robert De Niro, y fue co-protagonizada además por Liza Minnelli, y se recuerda a la cinta principalmente por su canción principal del mismo nombre, popularizada por Frank Sinatra. Aunque poseía las típicas marcas visuales de Scorsese, los críticos en su mayoría que su atmósfera de la dejaron fría en comparación con su anteriores trabajos.

El desesperanzador recibimiento de NEW YORK, NEW YORK, deprimió mucho al director, que se complicaría al sufrir una adicción a la cocaína. Aún así mantuvo el ánimo creativo para realizar la apreciada THE LAST WALTZ, que documenta el último concierto de The Band, que mostraba uno de los equipos más caros de artistas presentados en un solo concierto, que incluía reconocidos músicos como Eric Clapton, Neil Young, Ringo Starr, Muddy Waters, Joni Mitchell, Bob Dylan, Ronnie Wood y Van Morrison. La cinta no sería vista hasta 1978 por que otros proyectos del cineasta retrasaban su estreno. Por ese entonces Scorsese también se encargó de otro documental, llamado AMERICAN BOY, que se enfocaba en Steve Prince, un arrogante vendedor de armas que aparece en TAXI DRIVER. A este le siguió un periodo de vida bastante desordenado, que hizo mella a la ya de por sí frágil salud de Scorsese.

De hecho, varios (incluído el mismo Scorsese) aseguran que fue Robert De Niro quien prácticamente le salvo la vida, cuando lo convenció a dejar su adicción para hacer la que es considerada una de sus mejores cintas, TORO SALVAJE (1980). Convencido que no volvería hacer otra cinta después de ésta, Scorsese puso todas sus ernegías en la realización de este violento biopic sobre el campeón de boxeo Jake La Motta. Filmada en blanco y negro, TORO SALVAJE, marca el ápice del desarrollo estilístico de Scorsese, con el uso extensivo de la cámara lenta, travelings completos, y extravagantes distorsiones de perspectiva. Los temas continuaron con los ya tratados en MEAN STREATS y TAXI DRIVER: la inseguridad masculina, la violencia, la culpa y la redención.La cinta, considerada ampliamente como toda una obra maestro, recibió 8 nominaciones al Premio de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. De éstos, se consiguió 2, uno para la increíble actuación de Robert De Niro y otro para Thelma Schoonmaker por edición.

El siguiente proyecto de Scorsese, y su quinta colaboración con Robert De Niro, sería EL REY DE LA COMEDIA (1983), sátira del mundo de los medios y las celebridades, y fue un alejamiento notorio de lo comúnmente era asociado a su cine. Visualmente también es una cinta más estática a lo que se estila del director, no sólo por la falta de movimiento de la cámara sino también por las largas tomas. Pero EL REY DE LA COMEDIA seguía siendo un cinta de Scorsese, con su locación en New York, y algunos parecidos a TAXI DRIVER, sobretodo en el personaje principal, como un solitario obsesivo que se vuelve famoso por un acto criminal. A la cinta no le fue muy bien en taquilla, pero el tiempo se ha encargado de revalorizarla. Sobretodo porque hay quienes afirman que su temática del vacuo mundo del espectáculo y el fanatismo hacia las celebridades es más pertinente en estos tiempos que en aquel entonces.

En 1983 Scorsese empezó a trabajar en un proyecto muy personal, LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO, basada en la novela homónima de Nikos Kazantzakis, sobre un Jesús más humano que divino. La cinta iba a ser realizada bajo la bandera de Paramount Pictures, pero justo antes que empezara el rodaje principal, Paramount retiró su apoyo citando presiones de grupos religiosos. En esta versión interrumpida de 1983, Aidan Quinn tenía el papel de Jesus, y el músico Sting iba a ser Poncio Pilatos.

Luego del colapso de este proyecto, Scorsese vio una vez más su carrera en un punto crítico. Notó que en el auge del cine altamente comercial del Hollywood ochentero, el estatus del cine setentero, tan personal y estilizado, no sería el mismo, así que decidió darle un nuevo giro a su trabajo. Con AFTER HOURS (1985) hizo un cambio estético hacia un estilo cinematográfico más “underground”. Filmado con un presupuesto bastante bajo, en locaciones, y de noche en el barrio del SoHo en Manhattan, AFTER HOURS es una cinta de humor negro sobre la desafortunada noche de un procesador de texto neoyorkino (Griffin Dunne).

En 1986, junto con el icónico video BAD de Michael Jackson, Scorsese realizaría EL COLOR DEL DINERO, secuela de una cinta de Paul Newman, THE HUSTLER (1960). EL COLOR DEL DINERO fue además la primera incursión de Scorsese a la industria cinematográfica comercial. Fue con esta cinta que el director lograría la influencia necesaria para poder respaldar su esperado proyecto, LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO. Además de tener una breve aventura televisiva, dirigiendo un episodio de la serie de Spielbierg, AMAZING STORIES.

Luego de este breve coqueteo con Hollywood, Scorsese pudo por fin concentrarse en su tan ansiada LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO en 1988. Esta cinta causaría un gran furor, incluso antes de su estreno, con protestas a nivel mundial sobre su supuesta blasfemia, lo que convertiría a este proyecto de bajo presupuesto en toda una sensación mediática. La mayoría de la controversia esta centrada en las partes finales de la cinta, en donde, gracias a una alucinación mandada a Jesús por parte de Satanás, se le ve a éste casado y formando una familia junto a María Magdalena. Pero pasando por alto la controversia, esta cinta se ganó el clamor de la crítica y sigue vigente como uno de los trabajos más importantes de Scorsese, incluso valiéndole su segunda nominación al Oscar como Mejor Director. En esta versión los papeles de Jesús y Poncio Pilatos lo hacen Willen Dafoe y David Bowie respectivamente.

En 1989 dirigió el segmento LIFE LESSONS, de la cinta compuesta NEW YORK STORIES, en la que también participaron cada uno con un segmento los también directores neoyorkinos Woody Allen y Francis Ford Coppola.

Pero pronto Scorsese regresaría a sus raíces, luego de una década bastante agitada y de resultados diversos, con la épica cinta de gángster BUENOS MUCHACHOS (1990). Regresando con De Niro, Joe Pesci, y La Pequeña Italia en New York, BUENOS MUCHACHOS nos ofrece toda la virtuosidad de la técnica cinematográfica del director, además de consolidar, reestablecer e incluso mejorar su reputación. Para muchos, es de los mejores trabajos de Scorsese, el apogeo de su cálidad técnica, y como era de esperarse le valió su tercera nominación al Oscar como Mejor Director, aunque la estatuilla lo seguiría evadiendo.

Ese año, Scorsese también aparecería en un cameo como Vincent Van Gogh en la emblemática cinta SUEÑOS, del legendario director japonés Akira Kurosawa.

CABO DE MIEDO (1991) fue un remake de la cinta de culto del mismo nombre estrenada en 1962, y representaría la sétima colaboración del director con De Niro. La cinta fue una nueva incursión de Scorsese en el mainstream y fue un thriller bastante estilizado. influenciado hasta cierto punto por el cine de Alfred Hitchcock y LA NOCHE DEL CAZADOR (1955) de Charles Laughton. La crítica fue ambivalente con CABO DE MIEDO, recibiendo sus peores críticas por la violencia misógina en algunas escenas. Aún así, la cinta obtuvo dos nominaciones al Premio de la Academia, y consiguó recaudar 80 millones de dólares, la que la convertiría en la película de Scorsese más exitosa hasta ese entonces.

La bella y opulenta cinta LA EDAD DE LA INOCENCIA (1993) significó superficialmente un gran cambio para Scorsese. Adaptación de la novela de Edith Wharton sobre la constrictiva alta sociedad de Nueva York a fines del siglo XIX, fue muy alabada por los críticos, pero fue un fracaso en la taquilla. El hecho que Scorsese quisiera hacer una película sobre un romance fallido en el siglo XIX, sorprendió a propios y estraños, sobretodo pues éste aseguraba que se trataba de un proyecto personal y no de un trabajo para el que fue contratado. Lo que atrajo a Scorsese fueron los personajes y la historia de Wharton, y quería que la cinta fuera una experiencia más emotiva que lo que eran las clásicas adaptaciones cinematográficas de obras literarias. LA EDAD DE LA INOCENCIA le valdría cinco nominaciones al Premio de la Academia, incluyengo uno para Scorsese como Mejor Guión Adaptado, aunque al final sólo consiguió Mejor Diseño de Vestuario. Esta cinta fue también su primera colaboración con el oscarizado Daniel Day-Lewis.

En CASINO (1995), como en LA EDAD DE LA INOCENCIA, la trama se enfoca en un hombre controlado y controlador, cuya ordenada vida se ve alterada por fuerzas impredecibles. Claro que el hecho que se tratara de una violenta cinta de mafiosos la hizo mucho más agradable a los fans del director, quienes no recibieron tan bien a su predecesora. Sin embargo, la crítica fue ambivalente con CASINO, principalmente por su gran parecido en cuanto estilo con su anterior BUENOS MUCHACHOS. Por otro lado, CASINO es considerada para algunos la cinta más violenta y distante de su filmografía, con escenas iniciales que incluso bordean a lo documental.

Mientras tanto, Scorsese se dio tiempo para el documental de cuatro horas A PERSONAL JOURNEY WITH MARTIN SCORSESE THROUGH AMERICAN MOVIES (1995), que ofrecía un completo viaje al cine estadounidense. Cubre desde la era del cine mudo hasta 1969, el año siguiente al que marcaría el inicio de la carrera de Scorsese con largometrajes, pues dice que “No me sentiría bien comentado sobre mí o mis contemporáneos.”

Y si los fans de Scorsese se habían quedado algo confundidos con LA EDAD DE LA INOCENCIA, KUNDUN (1997) llevaría esta confusión a otro nivel. La historia nos narra los primeros años de Tenzin Gyatso, el 14vo Dalai Lama, de la incursión del Ejército Popular de Liberación en el Tibet, y del exilio de Dalai Lama a la India. No sólo fue un alejamiento de su temática habitual sino que en KUNDUN se usó una narrativa fresca y un acercamiento visual novedoso. A corto plazo, este eclecticismo total aumentó la reputación de Scorsese, pero con el pasar del tiempo, KUNDUN ha sido dejada de lado cuando se habla de los grandes logros del director, siendo mencionada más que nada por desvío que significó de sus temas y estilos habituales. KUNDUN fue también el segundo intento de Scorsese por retratar la vida de un gran lìder religioso, después de LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO.

BRINGING OUT THE DEAD (1999) fue un regreso a aguas conocidas, siendo una especie de revisión cómica de TAXI DRIVER. Fue una película en general bien recibida por la crítica aunque no recibió la aprobación universal de otras cintas suyas.

En 1999, Scorsese también produjo un documental sobre directores italianos llamado MI VIAJE A ITALIA (Il Mio Viaggio in Italia), que presagiaría el siguiente proyecto del director, la épica PANDILLAS DE NUEVA YORK (2002), cinta claramente influenciada en importantes directores italianos como Luchino Visconti, y filmada completamente en el famoso estudio Cinecittá de Roma.

Con un aparente presupuesto de poco más de 1 billón de dólares, PANDILLAS DE NUEVA YORK es tal vez la cinta más mainstream de Scorsese a la fecha. Así como en LA EDAD DE LA INOCENCIA, está ubicada en el Nueva York del siglo XIX, aunque se enfoca en el otro lado de la escala social, y curiosamente esta cinta también es protagonizada por Daniel Day-Lewis. A pesar de los rumores de problemas entre director y Harvey Weinstein, el dueño de Miramax, sobre desacuerdos artísticos, PANDILLAS DE NUEVA YORK es la cinta más convencional de Scorsese, en donde se usan argucias cinematográficas comúnes, como los flashbacks, que el director tradicionalmente rechazaba. Incluso la banda sonora compuesta por el colaborador habitual de Scorsese, Elmer Bernstein, fue rechazada para dar pase a una más convencional de Howard Shore y de los conocidos U2 y Peter Gabriel. Finalmente la duración total de la película fue de unos 168 minutos, mientras que la edición original del director fue de 180 minutos. A pesar de este inusual convencionalismo estilístico, los temas centrales de la cinta sí son consistentes a los tratados en el cine de Scorsese: New York, violencia como algo culturalmente común, y divisiones culturales y sociales. Por esta cinta, Scorsese recibiría su primer Globo de Oro como Mejor Director, además de conseguir 10 nominaciones al Oscar, incluyendo la de Mejor Director, aunque una vez más el premio se le fue de las manos.

Al año siguiente, se estrenaría THE BLUES, un largo documental de siete partes sobre la historia del blues desde sus raíces africanas hasta la delta del río Mississippi y más allá. Cada segmento de 90 minutos fue dirigido por un cineasta diferente, entre los que estaban incluidos Wim Wenders, Clint Eastwood y Mike Figgis, con Scorsese dirigiendo el llamado “FEEL LIKE GOING HOME”).

El 2004 llegaría con EL AVIADOR, un extravagante y titánico biopic sobre el pionero de la aviación y magnate del cine, Howard Hughes. La cinta recibiría muy buenas críticas, así como una taquilla exitosa y el reconocimiento de la Academia. EL AVIADOR consiguió seis nominaciones a los Globos de Oro, de los cuales ganó tres. Lograría además once nominaciones al Premio de la Academia, incluyengo Mejor Película y Mejor Director, desgraciadamente de estas solo ganó cinto, y una vez más Scorsese regresaría con las manos vacías.

En el documental NO DIRECTION HOME (2005), Scorsese seguiría la vida de Bob Dylan, y su impacto en la música y cultural popular estadounidense del siglo XX. La cinta no cubre toda la carrera del músico, sino que se enfoca en sus comienzo, su ascenso a la fama en los sesenta, su transformación musical de la guitarra acústica a la eléctrica, y su “retiro” de las giras en 1966 luego de un accidente en moto. El documental fue presentado en television simultáneamente en EEUU y el Reino Unido, y al mes se lanzaría una versión en DVD. La cinta le valería en premio Peabody, así como una nominación al Emmy.

Scorsese regresaría al thriller criminal con LOS INFILTRADOS (2006), basado en el drama policial de Hong Kong, INFERNAL AFFAIRS (2002). La cinta reuniría al director con Leonardo DiCaprio, en el que sería su tercer trabajo consecutivo juntos. LOS INFILTRADOS además significó un encuentro entre Scorsese y Jack Nicholson. La cinta fue bien recibida por la crítica mundial, con algunas proclamaciones que era su mejor película desde BUENOS MUCHACHOS, y otros incluso poniéndola a la altura de clásicos del director como TAXI DRIVER y TORO SALVAJE. Además al conseguir una ganancia bruta de casi 130 millones de dólares tan sólo en EEUU, la cinta pasaría a ser la más taquillera del director. LOS INFILTRADOS además le valió a Scorsese su segundo Globo de Oro como Mejor Director, así como un Critic’s Choice Award, y su primer premio del Sindicato de Directores de EEUU, y el tal elusivo Premio de la Academia. Puesto que el último era algo que se lo tenía merecido en varias ocaciones, varios críticos se refirieron a éste como su Oscar a “Toda una vida de Logros”. Algunos llegaron incluso a decir que le dieron el premio a Scorsese no porque necesariamente se lo mereciera en esta oportunidad, sino porque no había conseguido uno a pesar de ser nominado en tantas ocasiones. Este premio lo recibió de manos de sus viejos amigos y colegas, Spielberg, Coppola, y Lucas. LOS INFILTRADOS además recibió el Oscar a la Mejor Película, Mejor Guión Adaptado y Mejor Edición.

Su último proyecto finalizado es SHINE A LIGHT (2008) una especie de documental sobre los conciertos que dieron The Rolling Stones en el Beacon Theater de Nueva York, el 29 de octubre y el 1 de noviembre del 2006, sazonados con grabaciones de noticias y entrevistas sobre la banda a lo largo de su carrera. La cinta iba a ser estrenada originalmente en el 2007, pero la Paramount Classics la pospuso hasta el 2008. Su premier mundial fue en la apertura de la Edición 58 del Festival de Cine de Berlín, el 7 de febrero del 2008.

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Gus Van Sant

Gus Green Van Sant, Jr. (nacido el 24 de julio de 1952) es un director, fotógrafo, músico y guionista estadounidense, conocido por una carrera capaz de combinar el cine independiente con el comercial que muestra una visión experimental del cine y la realidad.

Van Sant nació en Louisville, Kentucky, hijo de Betty y Gus Green Van Sant, Sr. Una constante de los primeros años del director fue su interés en la pintura y filmar en una Super-8; mientras estaba en la escuela empezó a hacer cortos autobiográficos con un costo de entre 30 y 50 dólares. Las inclinaciones artísticas de Van Sant lo llevaron a la Escuela de Diseño de Rhode Island en 1970, en donde conoció a director vanguardistas como Stan Brakhage, Jonas Mekas, y Andy Warhol, lo que lo llevaría de cambiar su carrera de pintura por la del cine.

Luego de pasar tiempo en Europa, Van Sant fue a Los Angeles en 1976. Obtuvo un trabajo como asistente de producción del director Ken Shapiro, con quien desarrolló algunas ideas que desgraciadamente no dieron frutos. Van Sant encaminó sus frustraciones en ALICE IN HOLLYWOOD (1981), cinta sobre una inocente joven actriz que va a Hollywood y termina abandonando sus ideales. La cinta nunca fue estrenada. Durante este periodo, Van Sant pasaba el tiempo observando a la gente de los sectores no tan glamorosos del Hollywood Boulevard, fascinado por la existencia de esta marginada población, sobretodo al contrastarla con el mundo más común pero próspero que los rodeaba. Van Sant enfocaría su trabajo en varias ocasiones hacia esta gente, empezando con MALA NOCHE en 1985.

MALA NOCHE fue realizada dos años luego que Van Sant fuera a New York para trabajar en una agencia de publicidad. El cineasta ahorraría 20 mil dólares durante su tiempo allí, lo que le permitiría financiar la mayor parte de esta trágica historia amor entre un trabajador gay de una tienda de licores y un inmigrante mexicano. La cinta tiene varias de las características comunes del cine de Van Sant, como el romanticismo irrealizable, un seco sentido de lo absurdo, y el rehusarse a tratar el tema de la homosexualidad como algo que deba ser juzgado. A diferencia de varios cineastas gays, Van Sant siempre ha estado mucho más interesado en aspectos experimentales de la imagen que en crear un ideario moral y estético alrededor de la temática gay, aunque este tipo de relaciones aparecen en sus cintas. Filmada en blanco y negro, MALA NOCHE le dió a su director fama de la noche de la mañana en el circuito de festivales, incluso siendo nombrada por Los Angeles Times como La Mejor Cinta Independiente del año. Debido a esto, Van Sant fue cortejado brevemente por la Universal, pero esto acabaría cuando declinó en interesarse en una serie de sus proyectos (incluyendo las que luego serían DRUGSTORE COWBOY y MY OWN PRIVATE IDAHO).

Pero Van Sant no abandomaría sus ideas, y se mudaría a Portland, Oregon, para darles más vida. Con la ayuda de la productora independiente Avenue, el director realizaría DRUGSTORE COWBOY (1989), sobre cuatro adictos quienes roban farmacias para costear sus hábitos. La cintas obtuvo excelentes críticas, lo que aumentaría la reputación de Van Sant como un director dotado, además de revivir la carrera de Matt Dillon, quien causó sensación en su papel de líder de la banda que luego decide rehabilitarse. Con DRUGSTORE COWBOY, Van Sant realiza una obra donde la narración se interrumpe constantemente para introducir imágenes que aportan emociones y sentimientos, que si bien explican a los personajes, no parecen pertenecer a la narración, insertos de naturaleza alegórica que buscan crear otro nivel expresivo dentro de la película.

Algunas de estas formas narrativas también se verían reflejadas en la siguiente película del cineasta, MY OWN PRIVATE IDAHO (1991). Esta película experimental es una adaptación de varias obras de Shakespeare, así como un retrato bastante conciso del mundo underground. Centrada en la vida de dos gigolos (interpretados por River Phoenix y Keanu Reeves), la cinta examina del amor no correspondido, la alienación y el concepto de familia (tema explorado repetidamente en el cine de Van Sant). Así como lo hiciera con DRUGSTORE COWBOY, el guión de la cinta le valdría un premio Independent Spirit. Además de aumentar el prestigio del director, MY OWN PRIVATE IDAHO ayudaría a Reeves a obtener el hasta entonces elusivo respeto de la crítica.

Desgraciadamente el siguiente proyecto de Van Sant, EVEN COWGIRLS GET THE BLUES (1994), no tuvo buena acogida, ni con el público y ni con la crítica. Con un presupuesto mucho mayor a lo que el cineasta estaba acostumbrado, así como un reparto grande y variado, que incluía a Uma Thurman, John Hurt, y Keanu Reeves, la cinta fue trabajada y vuelta a trabajar; pero aún así el producto final no estuvo a la altura de sus predecesoras, no pudiendo encontrar ese lugar de convergencia entre lo irónico y lo serio. Aún así, esta cinta continúa con las temáticas de la vida itinerante y la necesidad de buscar la identidad, acentuadas en este caso por el personaje interpretado por Uma Thurman, Sissy, una joven que posee unos enormes pulgares con los que puede hacer auto-stop incansablemente con la seguridad de que siempre la recogerán. Así este personaje que continúa a los anteriores en la obra de Van Sant, una outsider, en este caso por fuerza de la naturaleza, que vive al margen y no le queda más remedio que vivir en el camino.

Por suerte su siguiente proyecto TODO POR UN SUEÑO (1995), lo ayudaría a recuperar su prestigio. Allí donde EVEN COWGIRLS GET THE BLUES no encontraba su lugar, TODO POR UN SUEÑO sí lo logra, siendo una combinación de géneros y tonos en todo momento conseguido. Nos cuenta la historia de Suzanne Stone, interpretada por una aún no tan conocida Nicole Kidman, una demasiado ambiciosa chica del clima, y quien a pesar de su éxito termina siendo también un personaje marginal, que no quiere crecer como persona ni saber más sobre sí misma, si no que desea sólo recibir aplausos que, tarde o temprano, acabarán. En el reparto también estarían un excelente Matt Dillon como el desafortunado esposo y un interesante Joaquin Phoenix, como el igualmente desafortunado amante. TODO POR UN SUEÑO es una de las mejores películas de Van Sant, a pesar de que con ella se diluyeron varios aspectos de sus cintas anteriores. En ella se siente el cambio de registro, a un Van Sant que ha evolucionado y ha perdido cierto sentido experimental. Fue su primer trabajo en un estudio grande, Columbia, y su éxito pavimentaría el camino a proyectos escogidos a dedo por el mismo director.

Es en este momento que el cineasta se lanza al camino extraño, al menos para un director surgido del cine independiente, de los altos presupuestos de Hollywood. Sus tres siguientes cintas marcarían un cambio en la dirección de Van Sant, en donde parece al mismo tiempo estar y no estar en sus películas.

La primera cinta que traería la aceptación del director en el mainstream vendría en 1997, y se llamaría GOOD WILL HUNTING. Protagonizada y escrita por Matt Damon y Ben Affleck, la cinta acerca del genio problemático, no llega a desentonar con el tono general de la obra de Van Sant, con personajes marginales de la sociedad que intentan encontrar su lugar. A pesar de la relativa convencionalidad y cierta rigidez de la cinta, comparada al menos con su cine anterior, con Van Sant demuestra ser un buen director, capaz de adaptarse y ver hasta donde es capaz de llegar como tal. Al final de cuentas, GOOD WILL HUNTING resultó un enorme éxito comercial y crítico, logrando, además de los 220 millones de dólares que recaudó en todo el mundo, varias nominaciones al Premio de la Academia, incluyendo Mejor Director para Van Sant.

Este éxito le permitió a Van Sant tener la oportunidad para hacer remake de la clásica PSICOSIS de Alfred Hitchcock. En lugar de reinterpretar la cinta sesentera, Van Sant optó por recrear la cinta cuadro por cuadro solo que en color. Su decisión fue vista en partes iguales de curiosidad, escepticismo y desdén, y el resultado final obtuvo una recepción similar. Por un lado, parte de la crítica vio este ejercicio como totalmente innecesario, pero hubo también quienes vieron en ella muchos puntos de interés, al menos por aquello que sugería antes que por lo que mostraba. Con Anne Heche, Vince Vaughn, y Julianne Moore, PSICOSIS, aunque no fue un fracaso, tampoco significó un éxito, y dejó a Van Sant en una encrucijada. Regresar a sus orígenes o seguir buscando un lugar en la industria. Lo primero sería como rendirse y lo segundo arriesgarse a un fracaso mortal. Finalmente las críticas ambivalentes no detuvieron al director, quien optó por la segunda alternativa y seguir con sus proyectos.

Van Sant tuvo mejor suerte con FINDING FORRESTER (2000), drama sobre un estudiante de secundaria del Bronx con mucho potencial (Rob Brown) quien se vuelve amigo de un escritor recluso y amargado (Sean Connery). Con esta cinta, Van Sant intenta reconciliarse al mismo tiempo con el cine comercial como con sus intereses originales. La respuesta de la crítica fue mayormente positiva, sobretodo por la habilidad de Van Sant al mezclar los estilos de actuación del Novato Brown con una leyenda como Connery. Pero hubo quienes vieron en FINDING FORRESTER a un típico producto comercial, una película milimetrada para no ser excesiva, y cuya puesta en escena dejó poco lugar para que Van Sant pudiera expresarse.

De cualquier manera, FINDING FORRESTER es vista como la consecución lógica de las dos anteriores. Si con GOOD WILL HUNTING, Van Sant intentaba realizar con un cine más figurativo, y menos abstracto que el de su primera etapa, y al copiar PSICOSIS intentaba aprender del cine narrativo y pictórico, con FINDING FORRESTER ya había aprendido tal vez crear un cine de imágenes claras, concisas y directas. Y aunque este cine no se parece a lo que Van Sant hizo ni a lo que haría, fue una etapa importante y experimental, que le sirvió para constatar que si bien puede hacer este cine, no es un camino por el que desea continuar.

Así, con el deseo de regresar a los métodos de producción más íntimos, Van Sant decidió dejar el cine de grandes presupuestos y millonarios estudios para sus siguientes dos largometrajes. Van Sant se refugiaría entonces en los desiertos de Argentina, Utah, y El Valle de la Muerte para GERRY (2002), uno de los experimentos cinematográficos más extraños, de los últimos años. Esta cinta escrita y protagonizada por Matt Damon y Casey Affleck, hermano de Ben, parece la otra cara de la moneda de GOOD WILL HUNTING. En donde la otra cinta estuvo perfectamente planeada, esta resultó en gran parte improvisada. La trama de dos jóvenes llamados Ferry, que se pierden en un desierto e intentan encontrar una salida, mientras discuten temas totalmente sin importancia, termina siendo una cinta minimalista, con un fondo totalmente sencillo pero con una superficie bastante compleja. GERRY se estrenó en el Festival de Cine de Sundance, donde consiguió tanto halagos como desprecios, polarizando al público con su historia elíptica en donde no sucede gran cosa, pero embellecida por la fotografía de Harris Savides.

A GERRY le tomó más de un año llegar a las salas de cine, tiempo en el cual su creador se la pasó produciendo su siguiente cinta, la controvertida ELEPHANT (2003), a quien GERRY termina siéndole como una suerte de borrador o ensayo. Abordado por la HBO y la productora Diane Keaton para crear una historia ficticia basada en la masacre de Columbine ocurrida en 1999, el director escogió rodar en su pueblo natal de Portland, usando a decenas de adolescentes sin estudios actorales para hacer una crónica de un día “ordinario” en una secundaria, que estaría marcado por una insospechada tragedia. Para esto, Van Sant repite los travellings que usara en GERRY, para seguir a los alumnos en su cotidianeidad antes, durante y después de los terribles hechos, con la clara intención de mostrar antes que explicar. Pues si bien desde sus inicios, el cineasta dejó claro que su cine poseía una alta carga estética, en sus últimas películas éste se ha acrecentado, y estas largas secuencias buscan una visualización determinada antes que darles un sentido interno, algo que puede provocar cierto rechazo, porque da la sensación de que no hay nada, cuando en verdad ahí está todo. Como era de esperarse, el producto final provocó fuertes reacciones en el público del Festival de Cine de Cannes de 2003, quienes aprobaron o rechazaron la decisión estética del director de nos mostrar razones para explicar las tendencias homicidas de los jóvenes sociópatas. Sorprendentemente al jurado de Cannes le encantó la cinta de manera unánime, y la cinta obtuvo la Palma de Oro, mientras que Van Sant obtuvo el premio al Mejor Director.

En 2005 Van Sant estrenó LAST DAYS, junto a GERRY y ELEPHANT, de lo que se conoce como su “Trilogía sobre la Muerte”, aunque talvez sería más correcto decir que son sobre la ausencia y la pérdida. En LAST DAYS, recuento ficticio de los últimos días del vocalista de la banda Nirvana, Kurt Cobain, el cineasta persigue con sus largos planos al personaje principal, en los días anteriores a su supuesto suicidio, y cuyos actos cotidianos no hacen si no resaltar el vacío y la nada.

En 2006, dirigiría el segmento LE MARAIS de la cinta PARÍS, YO TE AMO, sobre un joven cliente que se ha enamorado de otro joven que trabaja en una imprenta e intenta hacerle entender que son almas gemelas, a pesar de que no se da cuenta que el otro sabe muy poco francés.

Ese año, Van Sant también empezaría a trabajar en PARANOID PARK (2007), basada en la novela de Blake Nelson, sobre un skater adolescente quien accidentalmente causa la muerte de un guardia de seguridad. Esta cinta se estrenaría en el Festival de Cannes en donde fue bien recibida por la crítica y ganaría el Premio por el 60 aniversario.

Van Sant regresaría al mainstream con su próximo proyecto, MILK, biopic sobre Harvey Milk (Sean Penn), el supervisor de San Francisco activista de los derechos de los homosexuales quien fue asesinado en 1978.

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George A. Romero

Considerado el padre del terror moderno, y reconocido por su inteligencia, innovación y sensibilidad como cineasta, además de su innegable habilidad para generar el miedo.

Romero nació el 04 de febrero de 1940 en Nueva York. Atendió a la Universidad Carnegie Mellon de Pittsburgh. Luego de graduarse en 1960, comenzó filmando cortometrajes y comerciales.

A finales de esa década, él y sus amigos formaron Image Ten Productions, y recaudaron el exiguo presupuesto de $114.000 para producir la que sería la más celebrada cinta de terror de todos los tiempos, LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1968). Co-escrita (junto a John Russo), dirigida y editada por Romero, se volvió un clásico de culto que redefinió al género, no solo por su explícita violencia, sino fundamentalmente por ser una satírica mirada sobre la sociedad americana que consiguió reflejar la confusión de los tiempos. Toda la historia toma lugar en el curso de una noche. Sigue el dilema de un grupo de siete personas, que se refugian en una granja mientras que sucede el horrible suceso los muertos vueltos a la vida. Mientras batallan contra un número cada vez mayor de zombies, la situación se vuelve cada vez más severa, y finalmente terminan volviéndose unos contra otros.

Las siguientes cintas de Romero fueron menos populares: THERE’S ALWAYS VANILLA (1971), JACK’S WIFE / SEASON OF THE WITCH (1972) y THE CRAZIES (1973). Aunque no fueron tan aclamadas como LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES o algunos de sus trabajos posteriores, las cintas tienen su típica característica del comentario social mientras trata de temas terroríficos a nivel microscópico. THE CRAZIES, sobre un derrame biológico que induce una epidemia de locura homicida, y la aclamada por la crítica MARTIN (1977), una lírica, profunda e inquietante historia de un joven solitario que vive convencido de que es un vampiro, son las dos cintas que resaltan durante este periodo. Como casi todas sus cintas, estas fueron filmadas dentro o en los alrededores de Pittsburg, la ciudad favorita del cineasta.

En 1978, regresó al género de zombies con EL AMANECER DE LOS MUERTOS. Rodada con un presupuesto de apenas $500,000 (los productores dieron la falsa cifra de $1.5 millones para ayudar su posición de negociación con los distribuidores). La historia contada en la cinta transcurre en un shopping mall de los suburbios, donde un grupo acosado por zombies y sus propios demonios personales, lucha denodadamente por sobrevivir. En esta cinta el número de muertos aumenta, y la sociedad incrédula empieza a colapsar. Se declara ley marcial y los ciudadanos no ocupan ya residencias privadas, más bien siendo mandados a centros de rescate, muchos de los cuales son atacados continuamente por zombies. Poderosa y apocalíptica, con la firma de Romero estampada en ese ingenioso humor negro que la sobrevuela, la película se transformó además en una de las producciones independientes más rentables de la historia del cine, recaudando más de $55 millones a nivel mundial, y nombrada una de las mayores películas de culto por Entertainment Weekly en 2003.

Romero continuó realizando interesantes trabajos durante los 80 y 90, algunos de los cuales fueron KNIGHTRIDERS (1981) una película en la que Ed Harris encarna al líder de un grupo que, siguiendo las reglas de los hombres de Camelot, viaja por pequeños pueblos estadounidenses montando motocicletas en vez de caballos; y CREEPSHOW (1982), una película audaz y simpática con guión de Stephen King, protagonizada por un elenco de conocidos actores.

Durante este periodo, Romero realizaría también EL DÍA DE LOS MUERTOS (1985), la tercera en la saga de los zombies, una misteriosa y claustrofóbica película que si bien no fue espectacular en la taquilla, llegaría a ganar varios seguidores gracias a sus estrenos en VHS y DVD. En esta tercera entrega, la trama sigue a un pequeño grupo de sobrevivientes en un complejo de misiles bajo tierra, mientras intentan buscar una cura o solución a esta “enfermedad”, sobre ellos la sociedad ha colapsado completamente y el mundo está en ruinas, ocupado por ejércitos de zombies.

En 1988, MONKEY SHINES, sobre de un mono asesino, se convirtió en el primer filme de estudio realizado por Romero, introducido a él por Peter Grunwald, con quien formó Romero-Grunwald Productions.

Luego realizó en colaboración con el director Dario Argento TWO EVIL EYES (1990), que comprendía dos historias inspiradas en los cuentos de terror de Edgar Allan Poe.

En 1991, Romero tendría un cameo en la oscarizada EL SILENCIO DE LOS INOCENTES, dirigida por Jonathan Demme, como uno de los carceleros de Hannibal Lecter.

Dirigió en1993 THE DARK HALF, protagonizada por Tim Hutton en un impresionante doble papel. La película, como ocurrió con los anteriores trabajos de Romero, fue alabada por la crítica y considerada como una de las más brillantes y profundas adaptaciones, de las muchas, de un libro de Stephen King.

En 1998, Romero regresa al terror, esta vez con un comercial promocionando el videojuego RESIDENT EVIL 2, filmado en Tokio, Japón. El comercial de 30 segundos fue hecho en acción real y mostraba a los personajes principales del juego, Leon S. Kennedy y Claire Redfield, luchando contra una horda de zombies en la estación de policía de Raccoon City. El proyecto fue algo natural para Romero, pues RESIDENT EVIL fue influenciada por las historias de zombies de Romero. El spot fue bastante popular y fue estrenado semanas antes del lanzamiento del juego, aunque una disputa contractual impidió que fuera mostrado fuera de Japón.

En el año 2000, Romero dirige BRUISER, una entretenida y sumamente original historia de venganza, sobre un hombre cuyo rostro se convierte en una máscara sin expresiones, considerada como una de las realizaciones donde mejor quedaría evidenciada su habilidad y dote con la cámara.

Romero filmó una cuarta parte de su saga de zombies en Toronto, Canada. La cinta, TIERRA DE LOS MUERTOS (2005), tuvo un presupuesto de $16 millones, convirtiéndola en la más cara de las cuatro. Estelarizaron Dennis Hopper, Asia Argento y John Leguizamo. La película fue estrenada el 24 de junio del 2005, recibiendo sensacionales comentarios de la prensa y convirtiéndose además en unos de los mayores sucesos de taquilla para el director. En esta nueva historia, Romero crea una traumática visión del mundo moderno en el que los muertos caminan por un mundo desolado y deshabitado, y los personas intentan vivir “normalmente” dentro de las murallas de una ciudad fortificada. Esta nueva sociedad ha sido construida por un puñado de oportunistas innovadores pero despiadados, mientras que las personas más pobres tratan de subsistir en las calles. Pero, afuera de las murallas, un ejército de zombies está evolucionando. Adentro de éstas, la anarquía se abre paso. Con la sobrevivencia de la ciudad en juego, un grupo de mercenarios están llamados a la acción para proteger a los vivos del ejército de muertos.

Es casi generalizado que los críticos ven comentarios sociales en los trabajos de Romero, sobretodo en su saga de zombies. LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES sería una cinta hecha en respuesta a los turbulentos años 60, EL AMANECER DE LOS MUERTOS sería una sátira al consumismo, EL DÍA DE LOS MUERTOS, un estudio al conflicto entre la ciencia y lo militar, y TIERRA DE LOS MUERTOS como un examen a los conflictos de clase.

En el otoño del 2006, Romero se embarca en la realización de DIARIO DE LOS MUERTOS, que con financiamiento independiente, se convertiría en su proyecto más personal desde que filmó LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES. La cinta sigue a un grupo de estudiantes universitarios que tienen como proyecto hacer una historia de terror en el bosque, y que terminan tropezando con verdaderos zombies. Cuando empieza la desgracia, ellos aprovechan el momento, como cualquier estudiante de cine, para capturar los sucedido en un estilo “cinéma verité”, que le causaría a la producción más de un dolor de cabeza.

Él orgullosamente lo describe así: “la película vino directamente desde mi corazón. No es una secuela o un remake. Se trata más bien de un nuevo comienzo para los muertos”.

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David Cronenberg

David Paul Cronenberg (nacido el 15 de marzo de 1943) es un director y ocasional actor de cine canadiense. Es uno de los creadores principales del género conocido como “body horror” (horror biológico). Su estilo cinematográfico explora los temores de la gente por las transformaciones e infecciones corporales. En sus cintas, lo psicológico está muy ligado a lo físico. En la primera mitad de su carrera, exploró estos temas en cintas de terror y ciencia ficción, aunque actualmente su trabajo se ha expandido más allá de estos géneros.

Primeros años

Cronenberg nació en Toronto, Canada, en donde aún vive actualmente. Siendo hijo de Esther, pianista, y Milton Cronenberg, escritor y editor periodístico, los libros y la música marcarían su infancia y adolescencia. David atendió el Instituto Colegiado de North Toronto, graduándose luego de la Universidad de Toronto con un grado en literatura, luego de abandonar ciencias, citando a William S. Burroughs y Vladimir Nabokov como influencias.

Carrera

Luegos de dos cortometrajes de sketch y dos filmes de autor cortos (STEREO en blanco y negro, y CRIMES OF THE FUTURE a colores) Cronenberg se asoció con Ivan Reitman. El gobierno canadiense financió las cintas de Cronenberg durante los setentas, y el cineasta alternada sus características películas de body horror como Shivers con proyectos que reflejaban su interés en las carreras de autos y pandillas de motoristas. Rabid explotaría los insospechados talentos histriónicos de la famosa actriz porno Marilyn Chambers, y se convirtió en una cinta que le daría notoriedad internacional, con distribuidores extranjeros y más apoyo a sus siguientas cintas de terror.

Las cintas de esta parte de su carrera siguen una progresión definitiva, un movimiento del mundo social hacia la vida interior. En sus primeras cintas, los científicos modifican el cuerpo humano, cuyos resultados alteran el orden social (como en SHIVERS y en RABID). En su periodo intermedio, el caos traído por los científicos es más personal, (como en THE BROOD, SCANNERS y VIDEODROME). En el último periodo, el científico mismo es alterado por sus experimentos (como en el remake de LA MOSCA). Esta trayectoria finaliza en DEAD RINGERS en donde unos ginecólogos gemelos terminan en un mundo de codependencia y adicción a las drogas. Las siguientes cintas de Cronenberg tienden a ser más psicológicas, muchas veces contrastando las realidades objeticas y subjeticas (como en eXistenZ, M. BUTTERFLY, y SPIDER).

Tal vez el mejor ejemplo de esto sea su “adaptación del controversial libro de su “héroe” literario William S. Burroughs, NAKED LUNCH (1991). Se consideraba que el libro era imposible de filmar, y Cronenberg reconoció que una traducción exacta del libro a la pantalla grande “costaría un billón de dólares y sería prohibida en todo el mundo”. Así que Cronenberg difuminó las líneas entre lo que parecía ser la realidad con lo que parecían ser alucinaciones debido a la adicción a las drogas del personaje principal. Cronenberg declaró en tono de broma que, mientras escribía el guión de NAKED LUNCH, sintió un momento de conexión tan fuerte entre su estilo de guionización con el estilo de prosa de Burroughs, que si éste último moría, el cineasta debería escribir su siguiente libro.

Cronenberg ha dicho que sus cintas deben ser vistas “desde el punto de vista de la enfermedad”, pero la enfermedad y el desastre, son problemas menores en el trabajo del cineasta, si los comparamos con la transformación personal. Así en CRASH (1996), la gente que ha sido dañada en accidente intenta ver la terrible experiencia como “un evento fertilizador en lugar de destructivo”. En 2006, Cronenberg dijo que le molestó que Paul Haggis escogiera el mismo nombre para su cinta ganadora del Oscar, sintiendo que no sólo era poco ético, sino que también bastante fastidioso.

Aparte de THE DEAD ZONE (1983) y LA MOSCA (1986), Cronenberg generalmente no trabaja en producciones hollywoodenses de grandes presupuestos, aunque en varias ocasiones casi se vuelve parte de ellas. En un momento fue considerado por George Lucas como posible director de EL REGRESO DEL JEDI pero al final no resultó. Cronenberg también trabajó por casi un año en una versión de EL VENGADOR DEL FUTURO pero experimento “diferencias creativas” con los productores Dino De Laurentiis y Ronald Shusett. Eventualmente se realizó una versión diferente de la cinta con Paul Verhoeven. Como fan de Philip K. Dick, autor de la novela corta (We Can Remember it For You Wholesale) en la que se basó tal cinta, Cronenberg comentó que su descontento con lo que el visionaba que sería la cinta y lo que resultó lo hirió tanto en aquel entonces, que cada vez que pensaba en eso le entraba un migraña. Para finalizar, a fines de los 90, Cronenberg fue anunciado como el director de la secuela de otra cinta de Verhoeven, BAJOS INSTINTOS, pero tampoco llegó a concretarse.

Actualmente, su reciente trabajo UNA HISTORIA VIOLENTA (2005), es una de sus cintas con más presupuesto y “más estadounidenses”, en el sentido que sin perder su propio estilo si cinta atrajo a varios tipos de público. Dijo que su decisión para dirigirla fue influenciada por tener que diferir su salario en su también aclamada cinta de bajo presupuesto, SPIDER (2002), pero al final UNA HISTORIA VIOLENTA se convertiría en una de sus más aclamadas. Esta cinta fue seleccionada para competir en el Festival de Cannes y se estrenó con buena crítica luego de estrenarse en el Festival Internacional de Cine de Toronto. El filme fue nominado a dos Premios de la Academia, por Mejor Guión Adaptado y Mejor Actor de Reparto, para Josh Olson y William Hurt respectivamente.

Su última cinta, PROMESAS PELIGROSAS (2007), fue creada luego de décadas de experiencia y todos concuerdan que es su película más pulida. Fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto, en donde ganó el Premio del Público por Mejor Película. La BBC News la colocó en el Top 10 de las mejores cintas estrenadas en el 2007. PROMESAS PELIGROSAS fue nominada al Premio de la Academia por Mejor Actor, para Viggo Mortensen, quien se reune con Cronenberg luego de UNA HISTORIA VIOLENTA. Además fue nominada al Globo de Oro por una vez más Mejor Actor y también por Mejor Banda Sonora y Mejor Película. Por último recibió doce nominaciones a los Genie Awards y ganó siete.

Cronenberg ha contado con Howard Shore para componer la banda sonora de casi todas sus cintas. Otras colaboraciones regulares a su cine incluyen al actor Robert Silverman, a la directora de arte Carol Spier, al editor de sonido Bryan Day, al editor de cine Ronald Sanders, a su hermana y diseñadora de vestuarios Denise Cronenberg, y, entre 1979 y 1988, al director de fotografía Mark Irwin. Desde DEAD RINGERS (1988), Cronenberg ha trabajado con el director de fotografía Peter Suschitzky en todas sus cintas. Suschitzky fue el director de fotograía de EL IMPERIO CONTRAATACA (1980), y Cronenberg ha dicho en varias ocasiones que el trabajo de Suschitzky en esa cinta la convirtió en una de las cintas de ciencia ficción más bellas que ha visto, y eso fue el factor más importante para querer trabajar con el en DEAD RINGERS.

Además de la lealtad que le muestra a su personal, Cronenberg se mantiene como un director canadiense en todo el sentido de la palabra, con prácticamente todas sus cintas filmadas en suelo canadiense. La mayoría de sus cintas fueron al menos financiadas en parte por Telefilm Canada, y Cronenberg apoya activamente los proyectos concernientes al cine del gobierno canadiense.

Cronenberg también ha aparecido en las películas de otros directores como actor. La mayoría de sus papeles son cameos, así como en INTO THE NIGHT, JASON X, TODO POR UN SUEÑO, y ALIAS, pero en ocasiones tiene papeles mayores, como en NIGHTBREED o LAST NIGHT. Nunca ha tenido un papel importante en ninguna de sus películas, pero tuvo una corta aparición como ginecólogo en LA MOSCA, se le puede ver en las hordas sexualizadas en SHIVERS (1975), se le puede escuchar como miembro del público que observa un accidente en CRASH, sus manos son vistas en eXistenZ (1999), e hizo de doble de James Woods en VIDEODROME (1983) en tomas donde el personaje de Woods llevaba un casco que cubría su cabeza.

Honores

En 1999, Cronenberg fue inducido en el Paseo de la Fama de Canadá. En 2002, fue convertido en Oficial de la Orden de Canadá, y en 2006 fue premiado en el Festival de Cine de Cannes con el premio Carrosse d’Or, por logros de una vida. Dos de sus cintas, DEAD RINGERS y SPIDER, fueron votadas en 2002 por la Encuesta Sight and Sound de la revista cinematográfica del mismo nombre.

En 2006, fue convertido en Socio de la Sociedad Real de Canadá, la más imporntante institución del país para compatriotas científicos y entendidos.

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