Una película acerca de un estudio de personaje realmente se trata del desempeño del actor en el protagónico. Queda bastante claro que Paul Giamatti no decepciona en la tarea, pese a que no lo veamos ni en el poster promocional de los cines. El filme relata la vida muy poco común de un hombre ordinario, cuyas aspiraciones aterrizaron inintencionadamente en las 3 esposas que cambiaron su vida progresivamente. Los recuerdos de Barney Panofsky quedan poco a poco explícitos al final al darnos cuenta que el mundo no solamente pasa por nosotros, sino que de alguna manera nos quedamos en él aunque dejemos de existir.

Son muy importantes los personajes que sí aparecen en el poster, interpretados por Scott Speedman y Rachelle LeFevre. ‘Boogie’ y Clara ‘Chambers’ Charnofsky, respectivamente, marcan el principal cambio de vida del joven Barney Panofsky en Italia. Boogie es el recurrente amigo de Barney y depositario inconsciente de todo lo que llegaríamos a ser si no adquirimos la responsabilidad de ese cambio adulto. Clara es la pretensión del “para siempre” que todos los comprometidos con sus parejas desean alcanzar, siempre y cuando no ocurra algo tan definitivo que rompa la relación. En este caso, se rompió todo y de forma tan drástica, que nos hacemos la idea de otro compromiso venidero con carácter de urgencia.

Barney tiene nada de donjuán. Sencillamente, es un hombre común y creativo pero que quedó aletargado en la monotonía. Felizmente existe su padre, llevado por Dustin Hoffman de manera fantástica, quien hace que su vida sea más divertida para todos nosotros. Cuando llega la segunda esposa, interpretada por una antipática Minnie Driver, sabemos que solo un gran choque haría la transición hacia la tercera. La locura de Boogie crea un gran trauma que ni la pérdida de memoria podría borrar.

Se nota que la falta de prejuicios de Barney no le permite conformarse de nuevo con una vida normal. Es la primera vez que lo vemos tomar el toro por las astas y llegar a la felicidad con su tercera esposa, Miriam Grant. No se queda estancado como con la recurrente actriz de sus “Producciones Totalmente Innecesarias”, compañía en la trabaja. Lo que sí llega a adquirir es el exceso de comodidad. De nuevo deja de la vida le arrastre, pese a que tanta evidencia ya debería haberle convencido de lo contrario. Al final nos percatamos que la actriz Rosamund Pike como Miriam será para siempre la novia de Barney, pase lo que pase. Por ello esta película se hace demasiado recomendable: las personas comunes nos adentramos para apreciar las pequeñas sorpresas de la “monotonía” de nuestras vidas.

Valoración:

Es un filme bestial, con muchas circunstancias sangrientas y truculentas. Pero también es una cinta intrigante y tensa, pues posee buena cantidad de alternativas en donde la impresión de amenaza se la vive con mucha inquietud, dado que es en general una cinta en la cual la sensación de claustrofobia está siempre presente.

La historia nos presenta a un cerrajero que decide entrar a robar en una mansión en la cual ha trabajado ese mismo día. Debido a que su esposa posee deudas acuciantes, el ladrón ingresará esa misma noche para hurtar una joya preciosa, la cual sería la salvación económica que alivie la apremiante situación de su familia. Lo que no tendrá en cuenta es que un demencial asesino serial también ha decido ingresar a esa vivienda, pero con otras intenciones más macabras.

Lo mejor de la cinta es que combina muy bien suspense y gore.

El suspense surge de la constante sensación de amenaza que se vive en la casona tomada por un maniaco que se mueve en las sombras. El villano está encapuchado pero se puede vislumbrar que su aspecto es tétrico y repugnante. El psicópata ha tendido una serie de trampas mortales por toda la superficie de la casona y ha secuestrado a la mayoría de los miembros de la familia que habita allí. Por ello cada paso puede ser fatídico dado que las trampas están bien solapadas.

Y el gore se manifiesta en los asesinatos cometidos, todos ellos están muy bien conseguidos desde lo estético, pero además sobresaltan por lo atroces que resultan.

También hay que mencionar como positivo el manejo de cámaras, el cual acrecienta la sensación de peligro y contribuye a que la atmósfera malsana sea vivida con más nervio y tensión.

Es positivo además la brutalidad con el villano ataca a sus víctimas, la banda sonora perturbadora que colabora a generar turbación, y la amarillenta fotografía que brinda una sensación de sordidez escalofriante y otorga al filme una estética visual lúgubre y macabra.

Una pena que la historia no esté mejor confeccionada, que no haya mayor elaboración de las vicisitudes que dan vida al guión, y que los personajes sean bastante torpes (trazados a propósito así para que el espectáculo sangriento funcione).

Lo dicho, EL COLECCIONISTA es una buena opción si se quiere intriga y gore. Por más que sea efectista, funciona bien porque de la manera en que la película está desplegada mantiene siempre la atención de espectador, básicamente sobresaltándolo con la sangre y generándole tensión en forma constante.

Hablando precisamente de los aciertos, debo mencionar sus tantas virtudes en todos los aspectos:

La historia
Nos cuenta sobre una bailarina de ballet (sensacional Natalie Portman, el Oscar ya es suyo) que se compenetra tanto en su personaje que termina enfermándose mentalmente ante la posibilidad de no interpretarlo correctamente (la perfección que la obsesiona) y perder el puesto a manos de su reemplazante, considerada una rival (Mila Kunis). El filme comienza como una historia de superación personal y de anhelos por triunfar, pero poco a poco va derivando en un angustiante drama psicológico con visos surrealistas donde vemos el descenso estrepitoso de una joven bailarina hacia la locura y la esquizofrenia. Los personajes, en especial el principal, están lo suficientemente desarrollados como para que nos vayamos haciendo eco de sus sentimientos, traumas, ansias, temores, anhelos y demás situaciones propias de la existencia humana.

El discurso
Brillante. Esta cinta constituye un profundo ejercicio reflexivo sobre la represión y la liberación emocional, el mutar de personalidad para adaptarse a las exigencias, la enfermiza obsesión por conseguir la perfección en la profesión, el miedo y los celos paralizantes ante la competencia que acecha, la sobreprotección maternal, la autodestrucción.

La atmósfera
Consigue unos climas densos donde la opresión psicológica y el desequilibrio mental dominan la pantalla. También es una película con bastante de tensión sexual, la cual en cierta parte puede entenderse como un erotismo un tanto gratuito y sobredimensionado, pues no creo que la trama necesitara de esas escenas subidas de tono.

La técnica visual
Impecable factura en la imagen. Darren Aronofsky utiliza las cámaras de manera sugerente, siempre muy cerca de los personajes y girando alrededor de ellos, generando una agradable sensación envolvente. Se destacan las escenas de baile y coreografías, donde el espectador siente como estar en el mismo escenario experimentando los sentimientos de los personajes. También hay que mencionar que en el filme hay un justo y conseguido uso de efectos visuales, como para dar vida a la fantasía psicológica que vivencia el personaje principal.

Las actuaciones
Brillante Natalie Portman quien, a mi juicio, ya tiene ganado el Oscar. La actriz nos regala una interpretación contundente a la hora de transmitir los pesares de su personaje al espectador. Por muchas palabras que uno quiera utilizar, nunca alcanzarían para describir la maravillosa composición dramática que la actriz alcanza para hacernos sentir en carne propia los complejos psicológicos y los obsesivos anhelos de su personaje. El resto del elenco también acompaña correctamente la labor de la actriz protagónica.

La música
También magistral. La partitura ofrece por momentos fragmentos de “El lago de los cisnes” de Tchaikovsky, en otros pasajes el compositor le da volumen al personaje principal acompañando su presencia en la pantalla con melodías oscuras y sentidas, mientras que también aparece en esta banda sonora un armónico temario con la característica música clásica que acompaña a las obras de ballet.

Valoración:

Quienes formamos parte de la red social virtual más famosa del mundo sentimos esa curiosidad por interiorizarnos de los detalles sobre cómo se fueron sucediendo los hechos que la hicieron nacer. Así, quienes por un lado somos cinéfilos y por el otro también usuarios de Facebook vemos conjugarse dos grandes atractivos que hacen imposible el no ver la película, por más que el mismo fundador Mark Zuckerberg dijera que no le gusta la traslación de esa historia real a la gran pantalla.

Como verán, en mi introducción ya he citado algunos elementos muy importantes para que la cinta atrape de antemano nuestra atención.

Yendo al análisis en concreto del filme, tengo que decir que la forma en que David Fincher nos cuenta la historia es bastante atractiva y tan adictiva como la misma web sobre la cual en esta cinta se explican sus orígenes.

El director va contándonos la historia dividiendo el tiempo narrativo en dos: presente (el juicio que debe afrontar Zuckerberg por supuesto hurto y apropiación de ideas para crear el sitio web) y el pasado mediante flashbacks (donde se nos va contando las numerosas circunstancias que fueron llevando a la creación, consolidación y difusión del sitio web, así como también las disputas y diferencias de opiniones entre los que formaron parte del proyecto).

Es una cinta muy ágil y dinámica en su ritmo. Fincher nos va relatando con buen pulso narrativo los sucesos que llevaron a la creación de Facebook y los conflictos que fueron surgiendo alrededor de ese origen, sin ahondar en detalles innecesarios y nutriendo a la trama con los datos más significativos con los que se nos dan un amplio panorama de tales acontecimientos.

Las actuaciones son otro punto alto en este filme. Jesse Eisenberg no solo es bastante parecido físicamente a Zuckerberg, sino que además caracteriza de manera muy convincente a su personaje. El joven actor logra hasta ahora su mejor interpretación dando vida a ese excéntrico genio en lo digital. Verdaderamente que su actuación está muy lograda, como para que vayamos conociendo ciertos rasgos de la personalidad del joven millonario creador del Facebook. Los demás del elenco también salen sobrios en sus respectivos papeles, pero obviamente no acaparan todas las miradas debido a que el gran personaje de la cinta es Zuckerberg.

Los demás rubros del filme también están correctos, aunque no merecen menciones especiales.

Fincher logra engendrar una crónica muy ilustrativa sobre los orígenes de FB. El director logra dar sobradas pruebas de que es un cineasta completo y versátil para encarar proyectos de toda índole. Aquí aprueba como cronista al desplegar con suficiencia una obra biográfica que se presenta absorbente de principio a fin en sus explicaciones.

Valoración:

TRON: EL LEGADO continúa directamente el original de los 80, pero no importa si no viste TRON o si no te acuerdas de qué trataba más allá de las motos, porque empezamos con un resumen de lo acontecido. Kevin Flynn (Jeff Bridges “rejuvenecido”) le cuenta una historia para dormir sobre el mundo cibernético a su pequeño hijo Sam. Aunque promete mostrárselo algún día, de repente Kevin desaparece misteriosamente dejando su compañía multimillonaria en el aire y abandonando a Sam… que al crecer termina siendo un adinerado rebelde sin causa.

El día que la compañía de su padre está a punto de lanzar un nuevo sistema operativo a prueba de todo, un joven Sam (interpretado por el nada encantador Garret Hedlund) decide sabotearlo. Al ser reprendido por el gran amigo de su “difunto” padre, éste le dice que hay un mensaje enviado desde el viejo cuartel de Kevin, en donde Sam descubre las oficinas secretas de su progenitor.

Y empieza el festín visual.

No estuve particularmente impresionada con los efectos visuales en sí, o siquiera el uso 3D de la cámara. Sin embargo, TRON: EL LEGADO tiene la mejor dirección de arte que he visto este año. Si AVATAR ganó Dirección de Arte en los Premios de la Academia la última vez, esta película tiene que tener esa nominación asegurada.

¿Con respecto a la historia, actuación y diálogo? Hay algunos momentos cursis. El único que parecía realmente entenderlo era Michael Sheen y su exagerado Castor a lo David Bowie. Hedlund y Wilde —quien me gustaba en House M.D.— solo están bien a lo mucho. Bridges sí está mejor, pero el suavizado que le hicieron a la cara se ve muy poco natural cada vez que se muestra más de la mitad de su cara.

Una extrella extra porque me gustó visualmente.

Valoración:

Eso es precisamente lo que sucede cuando Brandon (Dan Byrd), su amigo gay, le pide que se “acueste” con él por puro show.

SE DICE DE MÍ es una de esas comedias de adolescente que te da gusto de ver en un mercado sobresaturado de malas películas para jóvenes. El dialogo es rápido y cuasi-inteligente –es un poco difícil de creer que exista una chica de la edad de Olive que le gusten las películas ochenteras y se haya leído La letra escarlata en lugar de ver la película con Demi Moore.

La película se compara mucho a CHICAS PESADAS, un filme con el diálogo característico de Tina Fey sobre el tema de rumores en la secundaria, pero ahí terminan las comparaciones. SE DICE DE MÍ no tiene esas líneas memorables que puedes añadir al lenguaje coloquial, pero no deja de tener esos momentos con los cuales uno se identifica. ¿Quién no tiene esa canción mala que se le pega para cantar hasta en la ducha?

Toda la película se sostiene en Emma Stone, quien pone las cartas sobre la mesa y nos muestra sus mejores talentos: su habilidad para mantener nuestra atención cada vez que sale en escena, la manera en que nos recita sus líneas y ese carisma único que tienen las jóvenes estrellas.

Valoración:

La más reciente cinta de Michael Haneke (LA PROFESORA DE PIANO, CACHÉ) trata de, en palabras del propio director, “el origen de toda clase de terrorismo, ya sea de naturaleza política o religiosa”. Con estas palabras ominosas recibimos, como una alternativa bastante diferente en estas temporadas, una película que ha sido premiada con grandes lauros, incluyendo la Palma de Oro de Cannes y el Globo de Oro.

A inicios del siglo XX, en un pueblo de Alemania, sucesos extraños y terribles alteran a la “apacible comunidad”, dejando entrever lo represiva y opresiva de su verdadera naturaleza. Todo empieza con un evento desafortunado que deja al pueblo sin su doctor temporalmente, al que le seguirán muertes y actos violentos. Y aunque por toda la película hay pistas sobre la naturaleza (y culpables) de los hechos, la película no tiene ninguna intensión detectivesca. Buscar a los culpables toma un segundo lugar a internarse en este cerrado mundo, at portas de la Primera Guerra Mundial.

LA CINTA BLANCA, filmada a color pero convertida a blanco y negro, da una sensación de claustrofobia y amenaza. Los contrastes en la iluminación interior y exterior, la cámara estática y la música, te mantienen tenso y con ganas de escapar del lugar. Todo eso intensificado con las actuaciones, sobretodo de los niños, que se ven tan parcas y frías, hasta que los personajes explotan y sobresaltan con su emotividad no solo a quienes tienen delante, sino también al público mismo. Tal vez los únicos “momentos ligeros” son los relacionados al sastre narrador, en aquel entonces maestro del pueblo, y su relación con aquella dulce y tímida joven que será su prometida.

Aquí, “la cinta blanca”, atada al brazo o cabellos de los hijos del pastor, sirve de recordatorio a todo el que la ve de la pureza traicionada, pero que en realidad funciona para demostrar el dominio patriarcal. Dominio hipócrita que, bajo el nombre de la religión o autoridad social, daña a aquellos más débiles. Idiosincrasia que parecen recoger los niños del pueblo. Esto último es algo que da que pensar, considerando que los trastornados protagonistas de esta “historia para niños alemana”, serán adultos durante el auge del Nazismo.

Valoración:

Aceptable combinación entre el thriller psicológico con moralejas incluidas y el drama erótico elegante sobre disfuncionalidad de pareja.

No deja de ser un producto pasable que escarba en la disfuncionalidad familiar, y más precisamente en el problema de los celos por la infidelidad, dejando además deja algunas profundas reflexiones sobre el tema de la prostitución, donde se muestran las nocivas secuelas que sufren aquellas personas que son utilizadas como meros objetos de placer a los cuales se les usa y se les desecha.

Es una propuesta que desarrolla mucho trasfondo psicológico de fondo, donde se trasgreden las normas éticas y donde el dolor que aflige se transforma en excitación.

Es un thriller engañoso que depara giros sorpresas en su narración, algunos de los cuales son un tanto previsibles.

También hay tiempo para desarrollar escenas subidas de tono, donde se provoca al espectador con una cinta sugerente que muestra a personajes desequilibrados que siempre están al filo de la explosión sentimental y de la locura pasional.

Bien por los actores principales (Liam Neeson, Amanda Seyfried y Julianne Moore) quienes dan vida a tres personajes que experimentan un triángulo amoroso incitante y sumamente peligroso. Hay momentos donde se lo desafía a descubrir qué hay detrás del halo de misterio que se cierne sobre las relaciones afectivas de los personajes y otros pasajes donde predomina una atmósfera de inestabilidad mental y patológica obsesión que pueden llegar a derivar en una catástrofe familiar.

CHLOE: UNA PROPUESTA ATREVIDA es una cinta que además nos habla sobre los peligros de tratar a personas como objetos, que nos demuestra lo peligroso que podría ser el involucrar a un extraño en los problemas íntimos de pareja, y que también se sumerge en la compleja mente humana, la cual puede llegar a disfrutar en forma masoquista del sufrimiento que provoca un desengaño, transformando un evento traumático en un enfermizo proceso de delectación voyeurista.

Valoración:

LAS CRÓNICAS DE NARNIA: LA TRAVESÍA DEL VIAJERO DEL ALBA nos cuenta la historia de Edmund y Lucy Pevensie, quienes se quedaron en casa de su primo Eustace al separarse de su familia… incluyendo a Susan y Peter. Eustace, interpretado de manera bastante convincente por Will Poulter (SON OF RAMBOW), es molesto, escandaloso, quejumbroso y un total dolor de cabeza. Entonces un día, mientras los primos discuten en una habitación que incluye a una pintura de un barco en el mar, el agua empieza a escurrir de la pintura. La habitación se llena de agua y son transportados a Narnia.

Edmund, Lucy y Eustace —quien está bastante alterado para entonces— son rescatado por el Príncipe (ahora Rey) Caspian y su tripulación, más Reepicheep, a bordo del Viajero del Alba, que está en busca de los 7 aliados del reino de Caspian que fueron traicionados por su tío cuando este usurpó el poder. Al llegar al primer reino/isla, descubren a un grupo que está llevándose personas para ofrecerlos como sacrificio a algo que conocen como “La Niebla Verde”.

A Aslan no le parece la Niebla Verde, así que Caspian, los hermanos Pevensie, Eustace y compañía deben seguirle el rastro al resto de los aliados del templo, reunir sus espadas y derrotarla.

Lucy (Georgie Henley) está incluso más crecida de lo que recordaba en LAS CRÓNICAS DE NARNIA: EL PRÍNCIPE CASPIAN. Lo mismo para Edmund (Skandar Keynes). Peter (William Moseley) y Susan (Anna Popplewell), sin embargo, no han envejecido nada. Al menos no en esta película.

LAS CRÓNICAS DE NARNIA: LA TRAVESÍA DEL VIAJERO DEL ALBA es mejor de lo esperado. Las tomas usadas en la cinta funcionan bien como tomas en 3D, hasta puedes creer que pensaron en términos de ambiente 3D.

El problema con LAS CRÓNICAS DE NARNIA: LA TRAVESÍA DEL VIAJERO DEL ALBA, sin embargo, yace en que tiene una historia bastante ligera. Incluso en el libro, parece funcionar solo como una introducción a Eustace… tal vez es la razón por la cual era lo único que recordaba del libro.

Pero la disfruté. Lo que mejora del libro, es que arregla el ritmo, hay bastante acción mientras van en su búsqueda de los aliados y sus espadas. También crean una buena historia de crecimiento para Reepicheep, a pesar de lo poco que ha aparecido en las películas, para darle una despedida merecida. De hecho, es probablemente mi escena favorita —a pesar del evidente Cristianismo, me encariñé de la manera como acabó la historia.

Sin embargo, desearía que le hubieran hecho una despedida más emotiva a Lucy y Edmund, porque sentí que la de Susan y Peter fue mucho más sentida… después de todo, ¡ya no veremos ni a Lucy ni a Edmund! Podremos ver un poco a Ben Barnes como Caspian en LA SILLA DE PLATA, pero no a Keynes y Henley.

Ojalá logren adaptar La silla de plata y La última batalla… incluso mejor si hacen El sobrino del mago. La novela que menos me gusta es El caballo y el muchacho.

Valoración:

Para los no lectores o aquellos que no han visto HARRY POTTER Y EL MISTERIO DEL PRÍNCIPE… pues están de malas. La cinta no funciona sin conocimientos previos, y estás mejor sin verla, si te vas a empezar a quejar. HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 1 se siente como hecho para los fans de la serie.

La cinta continúa justo después de los eventos de HARRY POTTER Y EL MISTERIO DEL PRÍNCIPE, con los planes de Voldemort al descubierto para el público en general, sus mortífagos deben actuar rápido. Toman el control del Ministerio de la Magia, y crean el caos dentro y fuera del mundo mágico, matan Muggles y colmn los titulares de “nuestro” mundo.

La familia de Harry se retira rápidamente de la historia, y Harry queda solo a la espera de la Órden del Fénix que vendrá a recogerlo durante su cumpleaños número 17 — Harry llega así a la mayoría de edad en el mundo mágico. Ahora podrá hacer magia sin ser detectado, lo que será útil en sus actividades extracurriculares junto a Hermione y Ron en su búsqueda de horrocruces — que no son otra cosa que pedazos del alma de Volvemort.

La situación es difícil, pero Kloves (de regreso a las adaptaciones de HARRY POTTER) no olvida la boda, y hay humor entre los momentos oscuros. Es necesario para los más jóvenes, o no podrán soportar que estén todo el tiempo en los bosques, sin contacto humano más que ellos tres. Encima de todo, tienen una misión, pero no saben cómo realizarla.

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 1 recae bastante en Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint, y es reconfortante verlos crecido y como actores ya “experimentados”. Aprendieron el arte de la crema y nata de la actuación británica, y lo hicieron bien. La química entre ellos, como amigos por tanto tiempo como los mismos personajes, se nota en las escenas… sólo deseamos que pudiera haber sido una cinta de calificación R. La devastación hubiera sido mucho más poderosa. Aunque está eso de no mostrar sangre en películas para niños, hay un poco de sangre en HARRY POTTER — dos escenas saltan a la vista — pero esas “escenas con sangre” se pudieron haber guardado para una escena particular con Hermione, alguien en quien estamos más interesados.

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 1 de Yates es una adaptación más que adecuada del libro, captura su espíritu y lo aumenta para la pantalla, de la manera que lo hizo Cuarón para HARRY  POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN. Aun no llega a esa altura porque el tercer libro estaba mejor desarrollado, pero muy buena al nivel de las adaptaciones de HARRY POTTER.

Aún así… siento que HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 2 no va a ser tan buena.

Valoración: