THE CLONE WARS: Entrevista a George Lucas y el director Dave Filoni

Explorando la Galaxia

El 14 de agosto, Lucasfilm Ltd. y Warner Bros. Pictures estrenarán la primera película animada de STAR WARS, STAR WARS: THE CLONE WARS. Esta aventura en el infinito espacio trata de la Guerra de los Clones, que cambia de galaxias, un período de intensas batallas y mucha aventura que sucede entre STAR WARS: EPISODIO II EL ATAQUE DE LOS CLONES y STAR WARS: EPISODIO III LA VENGANZA DE LOS SITH. En esta entrevista, George Lucas, creador de STAR WARS y el director de THE CLONE WARS, Dave Filoni, comentan sobre esta revolucionaria película, de Lucasfilm Animation.

Pregunta: ¿Cómo se les ocurrió la idea de hacer una película animada de STAR WARS?

George Lucas: Lo interesante de la Guerra de los Clones, es que nunca fue contada a lo largo de las 6 películas de STAR WARS que cuentan la saga Skywalker. Nunca dijeron lo que pasó durante ese tiempo. Se lo saltean completamente. Se cuenta un poquito del principio de la Guerra en el EPISODIO II, y un poco del final en el EPISODIO III. Obviamente, durante una guerra hay miles de historias, con mucha acción, drama, corazones rotos y hasta humor. A mí me atraía la idea de hacer una versión animada de La Guerra de los Clones, porque la animación permite contar otras historias, mostrar otro Jedi, presentar nuevos personajes y hasta contar relatos de los clones mismos. Algunos de ellos tienen historias muy interesantes. La animación nos permite ampliar la tela en la que se pinta STAR WARS.

Dave Filoni: Siempre me sorprendió la cantidad de historias que se pueden contar en lo que pareciera ser un lapso de tiempo muy limitado. El período entre los Episodios II y III, era sólo de unos 3 años. Pero pudimos contar tantas nuevas historias, presentar tantos nuevos personajes y nuevos lugares, como jamás me lo hubiera imaginado.

¿Qué le da la animación a la saga de STAR WARS?

George Lucas: Desde el principio sabíamos que queríamos utilizar animación generada por computadoras, pero de manera jamás vista. Creo que el resultado es algo nuevo y diferente. Las películas con animación generada por computadoras tienen un estilo muy distinto de las que son filmadas con actores en vivo. La animación ofrece muchas más posibilidades de poder lograr lo que uno imagina. La animación es como un bloc de dibujo.

Dave Filoni: La animación ofrece infinita flexibilidad para realizar las escenas. No necesitábamos buscar utilería original o llamar a los actores para volver a filmar una toma. Con animación, podíamos mirar a una escena gráfica, volver a recrearla, o cambiarla completamente al día siguiente. Eso sería imposible en una película de acción en vivo. Con animación todos los escenarios, y todos los actores están disponibles en todo momento. Pudimos hacer las cosas exactamente como quisimos que se vean, y eso es realmente fantástico.

¿Qué pueden decirnos de la nueva heroína de STAR WARS, Ahsoka?

George Lucas: Anakin y Obi-Wan tienen una muy buena relación, pero ya habíamos visto su dinámica en las películas anteriores.

Dave Filoni: Siempre nos pareció que era importante tener un personaje cuyo temperamento fuera algo intermedio entre el de Anakin y el de Obi-Wan. Anakin salta y se mete en cualquier parte, pero Obi-Wan prefiere pensar las cosas profundamente antes de actuar. Si bien Ahsoka aprecia la impulsividad de Anakin, admira la paciencia y la prudencia de Obi-Wan. Ella tiene mucho que aprender de los dos, si bien es fuerte y muy capaz por sí misma. Muchas veces sorprende a Anakin con su visión especial de las situaciones en las que ambos se meten. Es una buena contraparte para Anakin, inclusive visualmente, como personalidad y por su actitud. De muchas maneras lo vuelve loco, pero él comienza a sentirse muy unido a ella, como se verá en la película.

George Lucas: En las películas de STAR WARS, hay una especie de tradición, de que alguien es llevado en un viaje increíble en el cual aprende cómo volverse Jedi. Luke era un joven granjero que se vio arrastrado hacia la Alianza Rebelde. Anakin era aún un niño en Tatooine. En la Guerra de los Clones, Anakin ya no es un Padawan. Es un Jedi. Entonces Ahsoka toma ese rol, la muchacha aprendiz, que da la dinámica que un “estudiante” brinda a la historia. Todos tiramos varias ideas sobre ella, como por ejemplo: ¿ella era humana o no? ¿era hombre o mujer? Finalmente decidimos que una muchacha iba a ser más divertida en la historia.

La Guerra de los Clones les dio una gran oportunidad de crear personajes fuera de la saga Skywalker. ¿Cuáles son algunos de sus favoritos?

George Lucas: Siempre me gustaron los Duros, los extraterrestres azules en una escena en la cantina en (EPISODIO IV) UNA NUEVA ESPERANZA. Ellos derivan de los Neimoidianos, que son verdes, y arrugados.

Dave Filoni: Para mí, es el Consejo Jedi. Me encantó tener la oportunidad de explorar esos personajes que antes se vieron tan brevemente. En su tiempo son legendarios: Kit Fisto, Ki-Adi-Mundi, Luminara, Plo Koon.

George Lucas: Si fuera por Dave, Plo Koon estaría en todas las escenas. Fue muy bueno que Dave pudiera trabajar con personajes que le importaban, y que no tenían que estar solamente en batallas, o escenas cortas, o en el fondo de algún lado.

Dave Filoni: ¡Eso es lo importante! A mí me importan esos personajes, lo que les sucede, y cómo van evolucionando en el filme. ¡Estamos listos y muy entusiasmados por mostrarlos en esta película!

¿Cómo describiría las imágenes de THE CLONE WARS?

George Lucas: En THE CLONE WARS todos los personajes y sus entornos parecen estar pintados, lo cual le da a la película una imagen única. También utilizamos algunos dibujos con influencias de manga y anime en nuestro propio estilo de filmación, las cuales tienen luz muy dramática y un cuadro muy agresivo.

Dave Filoni: STAR WARS ya está diseñada brillantemente, si uno mira la dirección de arte de las películas. Era importante mantener la integridad, y al mismo tiempo ofrecer a los espectadores algo completamente nuevo, que no hubieran visto antes. El aspecto ahora es más estilizado, sin preocuparse por ser foto-realista. Más bien el foco estaba en establecer una realidad visual propia, a la manera que un pintor usa distintas técnicas para crear imágenes únicas. Nosotros utilizamos imágenes generadas por computadora para crear una realidad estilizada.

George Lucas: Creo que creamos un estilo cinematográfico poco común para contar historias, algo completamente diferente comparado con cualquier otra animación.

• Ficha de la película
• Ver galería

Compártelo

Megan Gale es la Mujer Maravilla

Megan Gale es la actriz australiana elegida para el papel de la Mujer Maravilla en LA LIGA DE LA JUSTICIA, la esperada cinta de superhéroes que dirigirá el ganador del Oscar George Miller.

“Ella consiguió el trabajo porque estuvo maravillosa en su prueba. En serio, no tenía idea que fuera tan buena”, declaró Miller al diario Herald Sun. “Ella entró en nuestra oficina en Sidney y leyó la parte. Ha hecho algunas películas italianas, pero no pensé que podría ser tan buena como estuvo. Pero una vez que hizo la prueba todos nos miramos y dijimos: ‘Bueno, no hay duda’.”

El realizador reveló que, antes de su audición, Gale tuvo solo una pocas horas de entrenamiento actoral con un profesor del NIDA (Instituto Nacional de Arte Dramático). También que la producción de LA LIGA DE LA JUSTICIA se trasladará fuera de su natal Australia y comenzará a filmarse en 2009.

Compártelo

Martin Scorsese

Martin Marcantonio Luciano Scorsese nació el 17 de noviembre de 1942 en Nueva York. Sus padres fueron Catherine (1912–1997) y Luciano Charles Scorsese (1913–1993), ella costurera y el planchador. De niño, su padre lo llevaría a menudo al cine, lo que generaría ya desde esta etapa en su vida una pasión por el séptimo arte, especialmente por el cine neorealista. Hablaría de esta influencia en un documental sobre el neorealismo italiano, específicamente en como LADRÓN DE BICICLETAS, PAISA y ROMA, CIUDAD ABIERTA lo inspirarían y de cómo influirían en cómo vería su herencia siciliana. En su documental IL MIO VAGGIO IN ITALIA, Scorsese notó que el episodio siciliano de PAISA de Roberto Rossellini, que vio por vez primera en la televisión junto a parientes inmigrantes sicilianos, tuvo un impacto importante en su vida. Fue por el cine que su deseo original de ser sacerdote fue finalmente reemplazado, dejando el seminario por la Escuela de Cine de NYU, en donde recibió su maestría en dirección de cine en 1969.

Debido al asma que lo aquejaba desde la infancia, Scorsese no sirvió al ejército en Vietnam cuando estalló la guerra, aprovechando el tiempo que pasó estudiando cine en la Universidad de Nueva York realizando cortometrajes como WHAT’S A NICE GIRL LIKE YOU DOING IN A PLACE LIKE THIS? (1963) y IT’S NOT JUST YOU, MURRAY! (1964). Su corto más famoso de este periodo sería la comedia negra THE BIG SHAVE (1967), en donde un hombre se afeita hasta terminar desangrado al cortarse la garganta. Esta cinta sería un guiño al envolvimiento de EEUU en Vietman, que también es sugerido por el título alternativo, VIET ‘67.

1967 también fue el año en que Scorsese logró realizar su primer largometraje, WHO’S THAT KNOCKING AT MY DOOR, en blanco y negro junto a sus compañeros de estudios, el actor Harvey Keitel, y la editora Thelma Schoonmaker, quienes luego colaborarían en varias cintas juntos. Esta cinta sería una precursora de MEAN STREETS. Ya incluso en este etapa embrionaría, se dejada evidenciar el “estilo Scorsese”: la visión de la vida callejera de los italoamericanos en Nueva York, una edición ágil, una banda sonora rockera y variada, y un protagonista masculino con problemas.

Fue en ese entonces que se haría amigo y conocido de los llamados “movie brats” de los 70: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas, y Steven Spielberg. Fue De Palma quien le presentó Robert De Niro a Scorsese, y ambos pronto se volverían amigos, y trabajarían juntos en varios proyectos. Durante este periodo el director trabajaría como uno de los editores de la cinta WOODSTOCK en donde conocería al actor y director John Cassavetes, quien no solo se convertiría también en su amigo, sino en una especie de mentor.

En 1972, Scorsese realizó la cinta de gángster de la era post-depresión BOXCAR BERTHA para el productor Roger Corman, quien también ayudó a directores como Francis Ford Coppola y James Cameron a comenzar sus carreras. Aunque se le considera una película menor, BOXCAR BERTHA le enseñaría a Scorsese a hacer cintas rápido y sin gastar mucho, proparándolo para su primera cinta junto a Robert De Niro, MEAN STREETS.

MEAN STREETS significó un reconocimiento inicial para ambos, y la consolidación del “estilo Scorsese” del que ya se ha hablado. Y aunque la cinta significó una innovación en el cine, su atmósfera energética, su estilo casi documental, y la dirección dura y callejera, bebe bastante de los directores Cassavetes y un Jean-Luc Godard cuando recién empezaba; es más, el primero instó a Scorsese que terminara de hacer su cinta, pues sintió que BOXCAR BERTHA no era suficiente para mostrar todo el talento del prodigioso director.

En 1974, la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en ALICE DOESN’T LIVE HERE ANYMORE, cinta por la cual ganaría el Oscar a Mejor Actriz. Aunque la cinta es apreciada, se le considera una anomalía en la carrera del director, pues se enfoca en un personaje femenino central.

Pronto después regresaría a Pequeña Italia en Nueva York, para explorer sus raíces étnicas, lo que se materialize en el documental ITALIANAMERICAN (1974), en donde aparecen sus padres, Charles y Catherine Scorsese.

Dos años después, Scorsese sorprendería al mundo del cine con la icónica TAXI DRIVER (1976), un retrato violento y deprimente de un hombre y su lento descenso hacia la locura en una Manhattan de pesadilla. Aquí la dirección de Scorsese ya estaba bastante lograda, con iluminación expresionista, cámaras lentas, cortes rápidos y tomas con punto de vista, todo para reflejar el delicado estado psicológico del protagonista. Pero a pesar de esta espectacular dirección, el poder de TAXI DRIVER recayó también en la excelente actuación de Robert De Niro en el papel principal. Esta cinta además sería la primera de una serie de colaboraciones con el guionista Paul Schrader. TAXI DRIVER ganaría la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1976, además de ser nominada a cuatro premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, aunque desgraciadamente el Oscar lo evadió en ese momento.

Este éxito con la crítica animaría a Scorsese a realizar su primer proyecto de gran presupuesto: el estilizado musical NEW YORK, NEW YORK (1977). Desgraciadamente este tributo del cineasta a su ciudad natal y al cine clásico musical de Hollywood fue un total fracaso. NEW YORK, NEW YORK marcó la tercera colaboración junto a Robert De Niro, y fue co-protagonizada además por Liza Minnelli, y se recuerda a la cinta principalmente por su canción principal del mismo nombre, popularizada por Frank Sinatra. Aunque poseía las típicas marcas visuales de Scorsese, los críticos en su mayoría que su atmósfera de la dejaron fría en comparación con su anteriores trabajos.

El desesperanzador recibimiento de NEW YORK, NEW YORK, deprimió mucho al director, que se complicaría al sufrir una adicción a la cocaína. Aún así mantuvo el ánimo creativo para realizar la apreciada THE LAST WALTZ, que documenta el último concierto de The Band, que mostraba uno de los equipos más caros de artistas presentados en un solo concierto, que incluía reconocidos músicos como Eric Clapton, Neil Young, Ringo Starr, Muddy Waters, Joni Mitchell, Bob Dylan, Ronnie Wood y Van Morrison. La cinta no sería vista hasta 1978 por que otros proyectos del cineasta retrasaban su estreno. Por ese entonces Scorsese también se encargó de otro documental, llamado AMERICAN BOY, que se enfocaba en Steve Prince, un arrogante vendedor de armas que aparece en TAXI DRIVER. A este le siguió un periodo de vida bastante desordenado, que hizo mella a la ya de por sí frágil salud de Scorsese.

De hecho, varios (incluído el mismo Scorsese) aseguran que fue Robert De Niro quien prácticamente le salvo la vida, cuando lo convenció a dejar su adicción para hacer la que es considerada una de sus mejores cintas, TORO SALVAJE (1980). Convencido que no volvería hacer otra cinta después de ésta, Scorsese puso todas sus ernegías en la realización de este violento biopic sobre el campeón de boxeo Jake La Motta. Filmada en blanco y negro, TORO SALVAJE, marca el ápice del desarrollo estilístico de Scorsese, con el uso extensivo de la cámara lenta, travelings completos, y extravagantes distorsiones de perspectiva. Los temas continuaron con los ya tratados en MEAN STREATS y TAXI DRIVER: la inseguridad masculina, la violencia, la culpa y la redención.La cinta, considerada ampliamente como toda una obra maestro, recibió 8 nominaciones al Premio de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. De éstos, se consiguió 2, uno para la increíble actuación de Robert De Niro y otro para Thelma Schoonmaker por edición.

El siguiente proyecto de Scorsese, y su quinta colaboración con Robert De Niro, sería EL REY DE LA COMEDIA (1983), sátira del mundo de los medios y las celebridades, y fue un alejamiento notorio de lo comúnmente era asociado a su cine. Visualmente también es una cinta más estática a lo que se estila del director, no sólo por la falta de movimiento de la cámara sino también por las largas tomas. Pero EL REY DE LA COMEDIA seguía siendo un cinta de Scorsese, con su locación en New York, y algunos parecidos a TAXI DRIVER, sobretodo en el personaje principal, como un solitario obsesivo que se vuelve famoso por un acto criminal. A la cinta no le fue muy bien en taquilla, pero el tiempo se ha encargado de revalorizarla. Sobretodo porque hay quienes afirman que su temática del vacuo mundo del espectáculo y el fanatismo hacia las celebridades es más pertinente en estos tiempos que en aquel entonces.

En 1983 Scorsese empezó a trabajar en un proyecto muy personal, LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO, basada en la novela homónima de Nikos Kazantzakis, sobre un Jesús más humano que divino. La cinta iba a ser realizada bajo la bandera de Paramount Pictures, pero justo antes que empezara el rodaje principal, Paramount retiró su apoyo citando presiones de grupos religiosos. En esta versión interrumpida de 1983, Aidan Quinn tenía el papel de Jesus, y el músico Sting iba a ser Poncio Pilatos.

Luego del colapso de este proyecto, Scorsese vio una vez más su carrera en un punto crítico. Notó que en el auge del cine altamente comercial del Hollywood ochentero, el estatus del cine setentero, tan personal y estilizado, no sería el mismo, así que decidió darle un nuevo giro a su trabajo. Con AFTER HOURS (1985) hizo un cambio estético hacia un estilo cinematográfico más “underground”. Filmado con un presupuesto bastante bajo, en locaciones, y de noche en el barrio del SoHo en Manhattan, AFTER HOURS es una cinta de humor negro sobre la desafortunada noche de un procesador de texto neoyorkino (Griffin Dunne).

En 1986, junto con el icónico video BAD de Michael Jackson, Scorsese realizaría EL COLOR DEL DINERO, secuela de una cinta de Paul Newman, THE HUSTLER (1960). EL COLOR DEL DINERO fue además la primera incursión de Scorsese a la industria cinematográfica comercial. Fue con esta cinta que el director lograría la influencia necesaria para poder respaldar su esperado proyecto, LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO. Además de tener una breve aventura televisiva, dirigiendo un episodio de la serie de Spielbierg, AMAZING STORIES.

Luego de este breve coqueteo con Hollywood, Scorsese pudo por fin concentrarse en su tan ansiada LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO en 1988. Esta cinta causaría un gran furor, incluso antes de su estreno, con protestas a nivel mundial sobre su supuesta blasfemia, lo que convertiría a este proyecto de bajo presupuesto en toda una sensación mediática. La mayoría de la controversia esta centrada en las partes finales de la cinta, en donde, gracias a una alucinación mandada a Jesús por parte de Satanás, se le ve a éste casado y formando una familia junto a María Magdalena. Pero pasando por alto la controversia, esta cinta se ganó el clamor de la crítica y sigue vigente como uno de los trabajos más importantes de Scorsese, incluso valiéndole su segunda nominación al Oscar como Mejor Director. En esta versión los papeles de Jesús y Poncio Pilatos lo hacen Willen Dafoe y David Bowie respectivamente.

En 1989 dirigió el segmento LIFE LESSONS, de la cinta compuesta NEW YORK STORIES, en la que también participaron cada uno con un segmento los también directores neoyorkinos Woody Allen y Francis Ford Coppola.

Pero pronto Scorsese regresaría a sus raíces, luego de una década bastante agitada y de resultados diversos, con la épica cinta de gángster BUENOS MUCHACHOS (1990). Regresando con De Niro, Joe Pesci, y La Pequeña Italia en New York, BUENOS MUCHACHOS nos ofrece toda la virtuosidad de la técnica cinematográfica del director, además de consolidar, reestablecer e incluso mejorar su reputación. Para muchos, es de los mejores trabajos de Scorsese, el apogeo de su cálidad técnica, y como era de esperarse le valió su tercera nominación al Oscar como Mejor Director, aunque la estatuilla lo seguiría evadiendo.

Ese año, Scorsese también aparecería en un cameo como Vincent Van Gogh en la emblemática cinta SUEÑOS, del legendario director japonés Akira Kurosawa.

CABO DE MIEDO (1991) fue un remake de la cinta de culto del mismo nombre estrenada en 1962, y representaría la sétima colaboración del director con De Niro. La cinta fue una nueva incursión de Scorsese en el mainstream y fue un thriller bastante estilizado. influenciado hasta cierto punto por el cine de Alfred Hitchcock y LA NOCHE DEL CAZADOR (1955) de Charles Laughton. La crítica fue ambivalente con CABO DE MIEDO, recibiendo sus peores críticas por la violencia misógina en algunas escenas. Aún así, la cinta obtuvo dos nominaciones al Premio de la Academia, y consiguó recaudar 80 millones de dólares, la que la convertiría en la película de Scorsese más exitosa hasta ese entonces.

La bella y opulenta cinta LA EDAD DE LA INOCENCIA (1993) significó superficialmente un gran cambio para Scorsese. Adaptación de la novela de Edith Wharton sobre la constrictiva alta sociedad de Nueva York a fines del siglo XIX, fue muy alabada por los críticos, pero fue un fracaso en la taquilla. El hecho que Scorsese quisiera hacer una película sobre un romance fallido en el siglo XIX, sorprendió a propios y estraños, sobretodo pues éste aseguraba que se trataba de un proyecto personal y no de un trabajo para el que fue contratado. Lo que atrajo a Scorsese fueron los personajes y la historia de Wharton, y quería que la cinta fuera una experiencia más emotiva que lo que eran las clásicas adaptaciones cinematográficas de obras literarias. LA EDAD DE LA INOCENCIA le valdría cinco nominaciones al Premio de la Academia, incluyengo uno para Scorsese como Mejor Guión Adaptado, aunque al final sólo consiguió Mejor Diseño de Vestuario. Esta cinta fue también su primera colaboración con el oscarizado Daniel Day-Lewis.

En CASINO (1995), como en LA EDAD DE LA INOCENCIA, la trama se enfoca en un hombre controlado y controlador, cuya ordenada vida se ve alterada por fuerzas impredecibles. Claro que el hecho que se tratara de una violenta cinta de mafiosos la hizo mucho más agradable a los fans del director, quienes no recibieron tan bien a su predecesora. Sin embargo, la crítica fue ambivalente con CASINO, principalmente por su gran parecido en cuanto estilo con su anterior BUENOS MUCHACHOS. Por otro lado, CASINO es considerada para algunos la cinta más violenta y distante de su filmografía, con escenas iniciales que incluso bordean a lo documental.

Mientras tanto, Scorsese se dio tiempo para el documental de cuatro horas A PERSONAL JOURNEY WITH MARTIN SCORSESE THROUGH AMERICAN MOVIES (1995), que ofrecía un completo viaje al cine estadounidense. Cubre desde la era del cine mudo hasta 1969, el año siguiente al que marcaría el inicio de la carrera de Scorsese con largometrajes, pues dice que “No me sentiría bien comentado sobre mí o mis contemporáneos.”

Y si los fans de Scorsese se habían quedado algo confundidos con LA EDAD DE LA INOCENCIA, KUNDUN (1997) llevaría esta confusión a otro nivel. La historia nos narra los primeros años de Tenzin Gyatso, el 14vo Dalai Lama, de la incursión del Ejército Popular de Liberación en el Tibet, y del exilio de Dalai Lama a la India. No sólo fue un alejamiento de su temática habitual sino que en KUNDUN se usó una narrativa fresca y un acercamiento visual novedoso. A corto plazo, este eclecticismo total aumentó la reputación de Scorsese, pero con el pasar del tiempo, KUNDUN ha sido dejada de lado cuando se habla de los grandes logros del director, siendo mencionada más que nada por desvío que significó de sus temas y estilos habituales. KUNDUN fue también el segundo intento de Scorsese por retratar la vida de un gran lìder religioso, después de LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO.

BRINGING OUT THE DEAD (1999) fue un regreso a aguas conocidas, siendo una especie de revisión cómica de TAXI DRIVER. Fue una película en general bien recibida por la crítica aunque no recibió la aprobación universal de otras cintas suyas.

En 1999, Scorsese también produjo un documental sobre directores italianos llamado MI VIAJE A ITALIA (Il Mio Viaggio in Italia), que presagiaría el siguiente proyecto del director, la épica PANDILLAS DE NUEVA YORK (2002), cinta claramente influenciada en importantes directores italianos como Luchino Visconti, y filmada completamente en el famoso estudio Cinecittá de Roma.

Con un aparente presupuesto de poco más de 1 billón de dólares, PANDILLAS DE NUEVA YORK es tal vez la cinta más mainstream de Scorsese a la fecha. Así como en LA EDAD DE LA INOCENCIA, está ubicada en el Nueva York del siglo XIX, aunque se enfoca en el otro lado de la escala social, y curiosamente esta cinta también es protagonizada por Daniel Day-Lewis. A pesar de los rumores de problemas entre director y Harvey Weinstein, el dueño de Miramax, sobre desacuerdos artísticos, PANDILLAS DE NUEVA YORK es la cinta más convencional de Scorsese, en donde se usan argucias cinematográficas comúnes, como los flashbacks, que el director tradicionalmente rechazaba. Incluso la banda sonora compuesta por el colaborador habitual de Scorsese, Elmer Bernstein, fue rechazada para dar pase a una más convencional de Howard Shore y de los conocidos U2 y Peter Gabriel. Finalmente la duración total de la película fue de unos 168 minutos, mientras que la edición original del director fue de 180 minutos. A pesar de este inusual convencionalismo estilístico, los temas centrales de la cinta sí son consistentes a los tratados en el cine de Scorsese: New York, violencia como algo culturalmente común, y divisiones culturales y sociales. Por esta cinta, Scorsese recibiría su primer Globo de Oro como Mejor Director, además de conseguir 10 nominaciones al Oscar, incluyendo la de Mejor Director, aunque una vez más el premio se le fue de las manos.

Al año siguiente, se estrenaría THE BLUES, un largo documental de siete partes sobre la historia del blues desde sus raíces africanas hasta la delta del río Mississippi y más allá. Cada segmento de 90 minutos fue dirigido por un cineasta diferente, entre los que estaban incluidos Wim Wenders, Clint Eastwood y Mike Figgis, con Scorsese dirigiendo el llamado “FEEL LIKE GOING HOME”).

El 2004 llegaría con EL AVIADOR, un extravagante y titánico biopic sobre el pionero de la aviación y magnate del cine, Howard Hughes. La cinta recibiría muy buenas críticas, así como una taquilla exitosa y el reconocimiento de la Academia. EL AVIADOR consiguió seis nominaciones a los Globos de Oro, de los cuales ganó tres. Lograría además once nominaciones al Premio de la Academia, incluyengo Mejor Película y Mejor Director, desgraciadamente de estas solo ganó cinto, y una vez más Scorsese regresaría con las manos vacías.

En el documental NO DIRECTION HOME (2005), Scorsese seguiría la vida de Bob Dylan, y su impacto en la música y cultural popular estadounidense del siglo XX. La cinta no cubre toda la carrera del músico, sino que se enfoca en sus comienzo, su ascenso a la fama en los sesenta, su transformación musical de la guitarra acústica a la eléctrica, y su “retiro” de las giras en 1966 luego de un accidente en moto. El documental fue presentado en television simultáneamente en EEUU y el Reino Unido, y al mes se lanzaría una versión en DVD. La cinta le valería en premio Peabody, así como una nominación al Emmy.

Scorsese regresaría al thriller criminal con LOS INFILTRADOS (2006), basado en el drama policial de Hong Kong, INFERNAL AFFAIRS (2002). La cinta reuniría al director con Leonardo DiCaprio, en el que sería su tercer trabajo consecutivo juntos. LOS INFILTRADOS además significó un encuentro entre Scorsese y Jack Nicholson. La cinta fue bien recibida por la crítica mundial, con algunas proclamaciones que era su mejor película desde BUENOS MUCHACHOS, y otros incluso poniéndola a la altura de clásicos del director como TAXI DRIVER y TORO SALVAJE. Además al conseguir una ganancia bruta de casi 130 millones de dólares tan sólo en EEUU, la cinta pasaría a ser la más taquillera del director. LOS INFILTRADOS además le valió a Scorsese su segundo Globo de Oro como Mejor Director, así como un Critic’s Choice Award, y su primer premio del Sindicato de Directores de EEUU, y el tal elusivo Premio de la Academia. Puesto que el último era algo que se lo tenía merecido en varias ocaciones, varios críticos se refirieron a éste como su Oscar a “Toda una vida de Logros”. Algunos llegaron incluso a decir que le dieron el premio a Scorsese no porque necesariamente se lo mereciera en esta oportunidad, sino porque no había conseguido uno a pesar de ser nominado en tantas ocasiones. Este premio lo recibió de manos de sus viejos amigos y colegas, Spielberg, Coppola, y Lucas. LOS INFILTRADOS además recibió el Oscar a la Mejor Película, Mejor Guión Adaptado y Mejor Edición.

Su último proyecto finalizado es SHINE A LIGHT (2008) una especie de documental sobre los conciertos que dieron The Rolling Stones en el Beacon Theater de Nueva York, el 29 de octubre y el 1 de noviembre del 2006, sazonados con grabaciones de noticias y entrevistas sobre la banda a lo largo de su carrera. La cinta iba a ser estrenada originalmente en el 2007, pero la Paramount Classics la pospuso hasta el 2008. Su premier mundial fue en la apertura de la Edición 58 del Festival de Cine de Berlín, el 7 de febrero del 2008.

Compártelo

Aronofsky confirmado para remake de ROBOCOP

Darren Aronofsky, director de títulos notables como PI y REQUIEM POR UN SUEÑO y de quien viéramos el año pasado LA FUENTE DE LA VIDA, ha sido contratado por Metro-Goldwyn-Mayer Pictures para una nueva entrega de la franquicia ROBOCOP. El guionista David Self (CAMINO A LA PERDICIÓN, la próxima versión de EL HOMBRE LOBO) también ha firmado para escribir esta película que se espera para 2010.

La original ROBOCOP fue estrenada con bastante éxito en 1987 y se enfocaba en un policía mortalmente herido que regresa al servicio como un poderoso cyborg (”mitad hombre, mitad máquina, todo policía”) atormentado por sus recuerdos humanos. El filme, dirigido por el holandés Paul Verhoven, fue nominado a 2 Premios de la Academia en las categorías de Mejor Edición y Mejor Edición de Sonido. Tuvo luego 2 secuelas en 1990 y 1993, la última de ellas con guión de Frank Miller, autor de SIN CITY y 300.

Compártelo

George A. Romero

Considerado el padre del terror moderno, y reconocido por su inteligencia, innovación y sensibilidad como cineasta, además de su innegable habilidad para generar el miedo.

Romero nació el 04 de febrero de 1940 en Nueva York. Atendió a la Universidad Carnegie Mellon de Pittsburgh. Luego de graduarse en 1960, comenzó filmando cortometrajes y comerciales.

A finales de esa década, él y sus amigos formaron Image Ten Productions, y recaudaron el exiguo presupuesto de $114.000 para producir la que sería la más celebrada cinta de terror de todos los tiempos, LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1968). Co-escrita (junto a John Russo), dirigida y editada por Romero, se volvió un clásico de culto que redefinió al género, no solo por su explícita violencia, sino fundamentalmente por ser una satírica mirada sobre la sociedad americana que consiguió reflejar la confusión de los tiempos. Toda la historia toma lugar en el curso de una noche. Sigue el dilema de un grupo de siete personas, que se refugian en una granja mientras que sucede el horrible suceso los muertos vueltos a la vida. Mientras batallan contra un número cada vez mayor de zombies, la situación se vuelve cada vez más severa, y finalmente terminan volviéndose unos contra otros.

Las siguientes cintas de Romero fueron menos populares: THERE’S ALWAYS VANILLA (1971), JACK’S WIFE / SEASON OF THE WITCH (1972) y THE CRAZIES (1973). Aunque no fueron tan aclamadas como LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES o algunos de sus trabajos posteriores, las cintas tienen su típica característica del comentario social mientras trata de temas terroríficos a nivel microscópico. THE CRAZIES, sobre un derrame biológico que induce una epidemia de locura homicida, y la aclamada por la crítica MARTIN (1977), una lírica, profunda e inquietante historia de un joven solitario que vive convencido de que es un vampiro, son las dos cintas que resaltan durante este periodo. Como casi todas sus cintas, estas fueron filmadas dentro o en los alrededores de Pittsburg, la ciudad favorita del cineasta.

En 1978, regresó al género de zombies con EL AMANECER DE LOS MUERTOS. Rodada con un presupuesto de apenas $500,000 (los productores dieron la falsa cifra de $1.5 millones para ayudar su posición de negociación con los distribuidores). La historia contada en la cinta transcurre en un shopping mall de los suburbios, donde un grupo acosado por zombies y sus propios demonios personales, lucha denodadamente por sobrevivir. En esta cinta el número de muertos aumenta, y la sociedad incrédula empieza a colapsar. Se declara ley marcial y los ciudadanos no ocupan ya residencias privadas, más bien siendo mandados a centros de rescate, muchos de los cuales son atacados continuamente por zombies. Poderosa y apocalíptica, con la firma de Romero estampada en ese ingenioso humor negro que la sobrevuela, la película se transformó además en una de las producciones independientes más rentables de la historia del cine, recaudando más de $55 millones a nivel mundial, y nombrada una de las mayores películas de culto por Entertainment Weekly en 2003.

Romero continuó realizando interesantes trabajos durante los 80 y 90, algunos de los cuales fueron KNIGHTRIDERS (1981) una película en la que Ed Harris encarna al líder de un grupo que, siguiendo las reglas de los hombres de Camelot, viaja por pequeños pueblos estadounidenses montando motocicletas en vez de caballos; y CREEPSHOW (1982), una película audaz y simpática con guión de Stephen King, protagonizada por un elenco de conocidos actores.

Durante este periodo, Romero realizaría también EL DÍA DE LOS MUERTOS (1985), la tercera en la saga de los zombies, una misteriosa y claustrofóbica película que si bien no fue espectacular en la taquilla, llegaría a ganar varios seguidores gracias a sus estrenos en VHS y DVD. En esta tercera entrega, la trama sigue a un pequeño grupo de sobrevivientes en un complejo de misiles bajo tierra, mientras intentan buscar una cura o solución a esta “enfermedad”, sobre ellos la sociedad ha colapsado completamente y el mundo está en ruinas, ocupado por ejércitos de zombies.

En 1988, MONKEY SHINES, sobre de un mono asesino, se convirtió en el primer filme de estudio realizado por Romero, introducido a él por Peter Grunwald, con quien formó Romero-Grunwald Productions.

Luego realizó en colaboración con el director Dario Argento TWO EVIL EYES (1990), que comprendía dos historias inspiradas en los cuentos de terror de Edgar Allan Poe.

En 1991, Romero tendría un cameo en la oscarizada EL SILENCIO DE LOS INOCENTES, dirigida por Jonathan Demme, como uno de los carceleros de Hannibal Lecter.

Dirigió en1993 THE DARK HALF, protagonizada por Tim Hutton en un impresionante doble papel. La película, como ocurrió con los anteriores trabajos de Romero, fue alabada por la crítica y considerada como una de las más brillantes y profundas adaptaciones, de las muchas, de un libro de Stephen King.

En 1998, Romero regresa al terror, esta vez con un comercial promocionando el videojuego RESIDENT EVIL 2, filmado en Tokio, Japón. El comercial de 30 segundos fue hecho en acción real y mostraba a los personajes principales del juego, Leon S. Kennedy y Claire Redfield, luchando contra una horda de zombies en la estación de policía de Raccoon City. El proyecto fue algo natural para Romero, pues RESIDENT EVIL fue influenciada por las historias de zombies de Romero. El spot fue bastante popular y fue estrenado semanas antes del lanzamiento del juego, aunque una disputa contractual impidió que fuera mostrado fuera de Japón.

En el año 2000, Romero dirige BRUISER, una entretenida y sumamente original historia de venganza, sobre un hombre cuyo rostro se convierte en una máscara sin expresiones, considerada como una de las realizaciones donde mejor quedaría evidenciada su habilidad y dote con la cámara.

Romero filmó una cuarta parte de su saga de zombies en Toronto, Canada. La cinta, TIERRA DE LOS MUERTOS (2005), tuvo un presupuesto de $16 millones, convirtiéndola en la más cara de las cuatro. Estelarizaron Dennis Hopper, Asia Argento y John Leguizamo. La película fue estrenada el 24 de junio del 2005, recibiendo sensacionales comentarios de la prensa y convirtiéndose además en unos de los mayores sucesos de taquilla para el director. En esta nueva historia, Romero crea una traumática visión del mundo moderno en el que los muertos caminan por un mundo desolado y deshabitado, y los personas intentan vivir “normalmente” dentro de las murallas de una ciudad fortificada. Esta nueva sociedad ha sido construida por un puñado de oportunistas innovadores pero despiadados, mientras que las personas más pobres tratan de subsistir en las calles. Pero, afuera de las murallas, un ejército de zombies está evolucionando. Adentro de éstas, la anarquía se abre paso. Con la sobrevivencia de la ciudad en juego, un grupo de mercenarios están llamados a la acción para proteger a los vivos del ejército de muertos.

Es casi generalizado que los críticos ven comentarios sociales en los trabajos de Romero, sobretodo en su saga de zombies. LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES sería una cinta hecha en respuesta a los turbulentos años 60, EL AMANECER DE LOS MUERTOS sería una sátira al consumismo, EL DÍA DE LOS MUERTOS, un estudio al conflicto entre la ciencia y lo militar, y TIERRA DE LOS MUERTOS como un examen a los conflictos de clase.

En el otoño del 2006, Romero se embarca en la realización de DIARIO DE LOS MUERTOS, que con financiamiento independiente, se convertiría en su proyecto más personal desde que filmó LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES. La cinta sigue a un grupo de estudiantes universitarios que tienen como proyecto hacer una historia de terror en el bosque, y que terminan tropezando con verdaderos zombies. Cuando empieza la desgracia, ellos aprovechan el momento, como cualquier estudiante de cine, para capturar los sucedido en un estilo “cinéma verité”, que le causaría a la producción más de un dolor de cabeza.

Él orgullosamente lo describe así: “la película vino directamente desde mi corazón. No es una secuela o un remake. Se trata más bien de un nuevo comienzo para los muertos”.

Compártelo

DIARIO DE LOS MUERTOS: Entrevista al director George A. Romero

Hay varias cosas sobre DIARIO DE LOS MUERTOS que son bastante diferentes a tus otros trabajos. Algo que salta a la vista es que esta es la primera cinta de muertos vivientes –y una de las pocas cintas que has realizado– que se centra en jóvenes. Las anteriores cintas de muertos vivientes tenían a treintones de la clase trabajadora. Esta es una perspectiva diferente, ¿por qué se decidió por ello?

Me gustó la idea de que fueran estudiantes de cine porque así encajó de alguna manera en mi cabeza. Quería que fueran estudiantes de cine filmando un proyecto cuando los muertos empiezan a caminar. Ellos tenían su cámara y su equipo, así que podían documentar lo que pasaba alrededor suyo. De eso quería hablar realmente, esta nueva explosión de los medios y sus peligros y cómo envuelven a la gente. La gente es reclutada tan fácilmente por la CNN para ser reporteros caseros – que no es necesariamente una queja contra el medio. Creo que se le ha malentendido de esa manera – es más bien una preocupación acerca de quiénes están ahí hablando con nosotros. Podría haber un lunático ahí, y por la manera en que las cosas están estructuradas en estos tiempos, de repente tendría millones de seguidores. Si Hitler estuviera vivo hoy, olvídate.

Podría haber puesto un video viral en YouTube y cada chico de secundaria sería su amigo en su página de MySpace.

Exactamente. Subyace de qué se trata todo esto. Hay una secuela planeada en donde quisiera ir mucho más lejos. Creo que puedo ir más lejos, pues dejé esto como una historia menor y es forzada a acabar donde acaba. Espero que haya una secuela, porque tengo mucho más que decir al respecto.

Otra cosa que es diferente sobre DIARIO DE LOS MUERTOS es obviamente la manera en que está filmada. Lo interesante sobre esto es que como cineasta estás caminando una línea –quieres mantener la verosimilitud del concepto, pero por otro lado tienes una historia que contar. Quieres mostrar en pantalla todo lo que se necesita mostrar en pantalla. ¿Cómo camina sobre esa línea?

Fue muy conveniente el tenerlos estudiando para ser profesionales del cine. Intenté esplicar cuidadosamente que la personaje principal editó la cinta, así se explica la forma más tradicional de contar la hisroria pues pues ha sido editada. Una vez más, fue un ardid, y lo lancé al ruedo y ya veremos si funciona.

Usa bastante sangre digital en esta cinta, lo que también es otro gran cambio con respecto a los galones de “sangre real” que usaba en el pasado. Imagino que esto lo hace más fácil…

Mucho más fácil. No tienes que esperar a que se haga el efecto. Teníamos que avanzar la marcha; pues dije que teníamos 20 días y el tiempo era estrecho. Si estás esperando que estalle un petardo, y estalla arruinando las paradas y tienes que volver a pintarlas… no había tiempo para correr esos riesgos. […] El proceso de filmación es más fácil cuando puedes decir, “Lo arreglaremos en postproducción”. Por supuesto hay algunos efectos que los actores no nos permitirían hacer. Como derretir la mitad de la cabeza de alguien. La mayoría de actores se rehúsan.

Considerando la diferencia entre la sangre digital versus un cuerpo falso lleno de entrañas de cerdo. ¿Existe alguna diferencia para los actores, es más difícil hacer que “entren en el momento”?

No encuentro mucho de eso. Supongo que si hicieras un épica de pantallas verdes, donde te tienes que parar y hacer una escena con nada más que verde y alguien te dice “El universo está desarmándose por ahí, y tú estás parado en el borde de tu nave espacial”, sería mucho más duro. Esto no fue para nada difícil. Disparas el gatillo del arma, no te preocupas pues la chispa del disparo sera digital – no tenemos que preocuparnos pues la mitad de las veces el chispazo se registra y las otras veces no – sólo es cuestión de apuntar y se cae un zombie. Tienes esa cantidad de verosimilitud, pasaste por la acción. No es como si estuvieras actuando solo y luego agregan un dinosaurio.

Esta es su segunda cinta de muertos vivientes que obtiene la categoría R. […] ¿El gore que vemos es la edición final, o veremos una versión aún más dura de esto?

Actualmente no hay versión más dura. Lo que vez en la pantalla es lo que rodamos. Una vez más, estuvimos muy limitados respecto al presupuesto. Y la mitad de la veces esas cosas… He visto ediciones de EL AMANECER DE LOS MUERTOS con “material nuevo” – ¿quién lo rodó? ¡Yo no fui! Así que no, no hay nada parecido oculto en la bóveda. He visto situaciones donde la gente regresa y dice, “rodemos un par de tomas, las pondremos en los extras”. No puedo decirte que eso no vaya a pasar, porque uno nunca sabe, pero lo que está en la pantalla es lo que rodamos.

Habla de hacer una secuela. Aunque éste es un reinicio en la franquicia, un nuevo comienzo respecto a las otras cintas, todas las otras no continuaban realmente con los mismo personajes. ¿Veremos a los personajes continuar, o habrá una secuela tradicional no conectada?

En este caso, sí, definitivamente. Esas personas encerradas en aquella habitación saldrán. Definitivamente será una continuación, una secuela directa en esa manera. Las otras nunca lo fueron, y eso fue en parte contractual pues diferentes personas eran dueñas de cada cinta independiente.

Este es un género que Ud. inventó, y ha tomado vuelo de maneras que nadie se hubiera imaginado. ¿El futuro de estas historias se vuelve más pequeño, yendo hacia historias más personales?

Está empezando es lo que pienso. Ahora tengo una nueva oportunidad de ir en otra dirección. Hubieron dos grandes colecciones de historias cortas llamadas EL LIBRO DE LOS MUERTOS y EL LIBRO DE LOS MUERTOS II, y era todo lleno de escritores de terror que usaron LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES, y contaron sus historias acerca de lo que pasó aquella primera noche, y yo estoy haciendo lo mismo. Con suerte puedo mantenerlo pequeño y tener que volverse tan grande. Me encantó hacer TIERRA DE LOS MUERTOS, y siempre tengo que decir esto porque es la verdad, pero Universal me dejó hacer la película. Le tenía miedo a esos chicos en la Torre Negra, pero fueron excelentes. Me dejaron hacer una película de la manera que quería hacerla. Pero es demasiado difícil, y no es lo que me propuse hacer con este. Prefiero mantenerlo pequeño, mantenerme en la ventanilla de apuestas barata.

Entrevista: Devin Faraci
Traducción: Mirella Matías

Compártelo

Murió Sidney Pollack

El director y actor estadounidense Sydney Pollack, ganador del Oscar por la película AFRICA MÍA (1985), murió ayer en su casa de Los Ángeles, a la edad de 73 años debido al cáncer que padecía, situación que hizo pública en 2007.

Pollack dirigió clásicos como THE WAY WE WERE (1973), con Barbara Streisand y Robert Redford; y TOOTSIE (1982), con Dustin Hoffman, donde también participó como actor y productor.

Además, con el filme AFRICA MÍA, basado en las experiencias del autor Isak Dinesen en Kenia y que contó con Meryl Streep y Robert Redford entre el reparto, consiguió 2 Premios de la Academia, uno al Mejor director y otro al Mejor productor, además de ganar otros 5, que incluyeron Mejor película y Mejor guión adaptado. Pollack también fue nominado al Oscar por Mejor director, y al Premio de los Críticos de Cine de Nueva York, por TOOTSIE.

La producción se volvió su pasión en los últimos años de su vida, y fundaría junto con el ya fallecido Anthony Minghella, Mirage Enterprises. Con esta empresa produciría cintas como SENSATEZ Y SENTIMIENTOS (1995), EL TALENTOSO SEÑOR RIPLEY (1999) y REGRESO A COLD MOUNTAIN (2003). Pero Mirage Enterprises sería solo una parte de la experiencia de Pollack en la producción, que también incluiría cintas como THE QUIET AMERICAN (2002) y MICHAEL CLAYTON (2007).

Pollack también se había especializado últimamente en el papel de poderoso empresario o patriarca social, uno que estaba dispuesto a dejar a un lado la ley o enseñarle la dura verdad de la vida al protagonista. Se pueden ver variaciones de este personaje en OJOS BIEN CERRADOS (1999), CHANGING LANES (2002) y MICHAEL CLAYTON.

Compártelo

David Cronenberg

David Paul Cronenberg (nacido el 15 de marzo de 1943) es un director y ocasional actor de cine canadiense. Es uno de los creadores principales del género conocido como “body horror” (horror biológico). Su estilo cinematográfico explora los temores de la gente por las transformaciones e infecciones corporales. En sus cintas, lo psicológico está muy ligado a lo físico. En la primera mitad de su carrera, exploró estos temas en cintas de terror y ciencia ficción, aunque actualmente su trabajo se ha expandido más allá de estos géneros.

Primeros años

Cronenberg nació en Toronto, Canada, en donde aún vive actualmente. Siendo hijo de Esther, pianista, y Milton Cronenberg, escritor y editor periodístico, los libros y la música marcarían su infancia y adolescencia. David atendió el Instituto Colegiado de North Toronto, graduándose luego de la Universidad de Toronto con un grado en literatura, luego de abandonar ciencias, citando a William S. Burroughs y Vladimir Nabokov como influencias.

Carrera

Luegos de dos cortometrajes de sketch y dos filmes de autor cortos (STEREO en blanco y negro, y CRIMES OF THE FUTURE a colores) Cronenberg se asoció con Ivan Reitman. El gobierno canadiense financió las cintas de Cronenberg durante los setentas, y el cineasta alternada sus características películas de body horror como Shivers con proyectos que reflejaban su interés en las carreras de autos y pandillas de motoristas. Rabid explotaría los insospechados talentos histriónicos de la famosa actriz porno Marilyn Chambers, y se convirtió en una cinta que le daría notoriedad internacional, con distribuidores extranjeros y más apoyo a sus siguientas cintas de terror.

Las cintas de esta parte de su carrera siguen una progresión definitiva, un movimiento del mundo social hacia la vida interior. En sus primeras cintas, los científicos modifican el cuerpo humano, cuyos resultados alteran el orden social (como en SHIVERS y en RABID). En su periodo intermedio, el caos traído por los científicos es más personal, (como en THE BROOD, SCANNERS y VIDEODROME). En el último periodo, el científico mismo es alterado por sus experimentos (como en el remake de LA MOSCA). Esta trayectoria finaliza en DEAD RINGERS en donde unos ginecólogos gemelos terminan en un mundo de codependencia y adicción a las drogas. Las siguientes cintas de Cronenberg tienden a ser más psicológicas, muchas veces contrastando las realidades objeticas y subjeticas (como en eXistenZ, M. BUTTERFLY, y SPIDER).

Tal vez el mejor ejemplo de esto sea su “adaptación del controversial libro de su “héroe” literario William S. Burroughs, NAKED LUNCH (1991). Se consideraba que el libro era imposible de filmar, y Cronenberg reconoció que una traducción exacta del libro a la pantalla grande “costaría un billón de dólares y sería prohibida en todo el mundo”. Así que Cronenberg difuminó las líneas entre lo que parecía ser la realidad con lo que parecían ser alucinaciones debido a la adicción a las drogas del personaje principal. Cronenberg declaró en tono de broma que, mientras escribía el guión de NAKED LUNCH, sintió un momento de conexión tan fuerte entre su estilo de guionización con el estilo de prosa de Burroughs, que si éste último moría, el cineasta debería escribir su siguiente libro.

Cronenberg ha dicho que sus cintas deben ser vistas “desde el punto de vista de la enfermedad”, pero la enfermedad y el desastre, son problemas menores en el trabajo del cineasta, si los comparamos con la transformación personal. Así en CRASH (1996), la gente que ha sido dañada en accidente intenta ver la terrible experiencia como “un evento fertilizador en lugar de destructivo”. En 2006, Cronenberg dijo que le molestó que Paul Haggis escogiera el mismo nombre para su cinta ganadora del Oscar, sintiendo que no sólo era poco ético, sino que también bastante fastidioso.

Aparte de THE DEAD ZONE (1983) y LA MOSCA (1986), Cronenberg generalmente no trabaja en producciones hollywoodenses de grandes presupuestos, aunque en varias ocasiones casi se vuelve parte de ellas. En un momento fue considerado por George Lucas como posible director de EL REGRESO DEL JEDI pero al final no resultó. Cronenberg también trabajó por casi un año en una versión de EL VENGADOR DEL FUTURO pero experimento “diferencias creativas” con los productores Dino De Laurentiis y Ronald Shusett. Eventualmente se realizó una versión diferente de la cinta con Paul Verhoeven. Como fan de Philip K. Dick, autor de la novela corta (We Can Remember it For You Wholesale) en la que se basó tal cinta, Cronenberg comentó que su descontento con lo que el visionaba que sería la cinta y lo que resultó lo hirió tanto en aquel entonces, que cada vez que pensaba en eso le entraba un migraña. Para finalizar, a fines de los 90, Cronenberg fue anunciado como el director de la secuela de otra cinta de Verhoeven, BAJOS INSTINTOS, pero tampoco llegó a concretarse.

Actualmente, su reciente trabajo UNA HISTORIA VIOLENTA (2005), es una de sus cintas con más presupuesto y “más estadounidenses”, en el sentido que sin perder su propio estilo si cinta atrajo a varios tipos de público. Dijo que su decisión para dirigirla fue influenciada por tener que diferir su salario en su también aclamada cinta de bajo presupuesto, SPIDER (2002), pero al final UNA HISTORIA VIOLENTA se convertiría en una de sus más aclamadas. Esta cinta fue seleccionada para competir en el Festival de Cannes y se estrenó con buena crítica luego de estrenarse en el Festival Internacional de Cine de Toronto. El filme fue nominado a dos Premios de la Academia, por Mejor Guión Adaptado y Mejor Actor de Reparto, para Josh Olson y William Hurt respectivamente.

Su última cinta, PROMESAS PELIGROSAS (2007), fue creada luego de décadas de experiencia y todos concuerdan que es su película más pulida. Fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto, en donde ganó el Premio del Público por Mejor Película. La BBC News la colocó en el Top 10 de las mejores cintas estrenadas en el 2007. PROMESAS PELIGROSAS fue nominada al Premio de la Academia por Mejor Actor, para Viggo Mortensen, quien se reune con Cronenberg luego de UNA HISTORIA VIOLENTA. Además fue nominada al Globo de Oro por una vez más Mejor Actor y también por Mejor Banda Sonora y Mejor Película. Por último recibió doce nominaciones a los Genie Awards y ganó siete.

Cronenberg ha contado con Howard Shore para componer la banda sonora de casi todas sus cintas. Otras colaboraciones regulares a su cine incluyen al actor Robert Silverman, a la directora de arte Carol Spier, al editor de sonido Bryan Day, al editor de cine Ronald Sanders, a su hermana y diseñadora de vestuarios Denise Cronenberg, y, entre 1979 y 1988, al director de fotografía Mark Irwin. Desde DEAD RINGERS (1988), Cronenberg ha trabajado con el director de fotografía Peter Suschitzky en todas sus cintas. Suschitzky fue el director de fotograía de EL IMPERIO CONTRAATACA (1980), y Cronenberg ha dicho en varias ocasiones que el trabajo de Suschitzky en esa cinta la convirtió en una de las cintas de ciencia ficción más bellas que ha visto, y eso fue el factor más importante para querer trabajar con el en DEAD RINGERS.

Además de la lealtad que le muestra a su personal, Cronenberg se mantiene como un director canadiense en todo el sentido de la palabra, con prácticamente todas sus cintas filmadas en suelo canadiense. La mayoría de sus cintas fueron al menos financiadas en parte por Telefilm Canada, y Cronenberg apoya activamente los proyectos concernientes al cine del gobierno canadiense.

Cronenberg también ha aparecido en las películas de otros directores como actor. La mayoría de sus papeles son cameos, así como en INTO THE NIGHT, JASON X, TODO POR UN SUEÑO, y ALIAS, pero en ocasiones tiene papeles mayores, como en NIGHTBREED o LAST NIGHT. Nunca ha tenido un papel importante en ninguna de sus películas, pero tuvo una corta aparición como ginecólogo en LA MOSCA, se le puede ver en las hordas sexualizadas en SHIVERS (1975), se le puede escuchar como miembro del público que observa un accidente en CRASH, sus manos son vistas en eXistenZ (1999), e hizo de doble de James Woods en VIDEODROME (1983) en tomas donde el personaje de Woods llevaba un casco que cubría su cabeza.

Honores

En 1999, Cronenberg fue inducido en el Paseo de la Fama de Canadá. En 2002, fue convertido en Oficial de la Orden de Canadá, y en 2006 fue premiado en el Festival de Cine de Cannes con el premio Carrosse d’Or, por logros de una vida. Dos de sus cintas, DEAD RINGERS y SPIDER, fueron votadas en 2002 por la Encuesta Sight and Sound de la revista cinematográfica del mismo nombre.

En 2006, fue convertido en Socio de la Sociedad Real de Canadá, la más imporntante institución del país para compatriotas científicos y entendidos.

Compártelo