VERDADES QUE MATAN: Especial

Una fuerte historia de vida en la frontera entre EE. UU. y México, VERDADES QUE MATAN está basada en el trágico reporte de cientos de mujeres que trabajando en fábricas de propiedad americana, fueron brutalmente violadas y asesinadas en Juárez, una ciudad paralizada por el miedo. Los ataques han sido ocultados por las autoridades locales, y aún hoy continúan todavía sin hallar justicia.

Sobre la producción

La idea de VERDADES QUE MATAN llevaba ya tiempo en la mente de Nava. Él y su colaboradora de siempre, Barbara Martinez Jitner, comenzaron a recopilar información sobre Ciudad Juárez, México, pasando por el Río Grande desde El Paso, Texas, describiendo los hallazgos de los cuerpos de mujeres jóvenes violadas, asesinadas y medio enterradas en el desierto que hay a las afueras de la ciudad. Los asesinatos llevan ocurriendo años pero ha sido sólo recientemente cuado los medios de comunicación estadounidenses han comenzado a informar sobre las continuas desapariciones y la falta de acción por parte de las autoridades mexicanas para detenerlos. Los asesinatos parecen seguir un guión: las víctimas siempre eran trabajadoras de las maquiladoras, unas fábricas de la frontera entre México y los Estados Unidos creadas como resultado del NAFTA, el acuerdo norteamericano de libre comercio. Se trata de mujeres jóvenes de familias pobres que intentan ayudar a sus padres a sobrevivir en los suburbios de Ciudad Juárez, trabajando por un salario mínimo en un trabajo que suele terminar en muerte. Normalmente las víctimas son atacadas cuando van en el autobús que se dedica principalmente a llevar y traer a las trabajadoras a las fábricas. Algunos de esos autobuses viajan por la noche y paran en lugares oscuros y peligrosos.

La idea de Nava empezó como una simple historia surgida de los cuentos de las madres y las familias de las mujeres muertas, así como de las noticias oficiales. Comenzó a escribir la historia de una chica llamada Eva que sobrevive a un intento de asesinato e intenta por todos los medios llevar a sus agresores ante la justicia con la ayuda de una reportera de investigación que al principio sólo quiere contar la historia pero que muy pronto se ve involucrada en ese mundo. Por otro lado, los culpables todavía andan sueltos y existen varias teorías sobre quiénes son los responsables del asesinato. Desde los hijos de las familias ricas, hasta los conductores de autobús que llevan a las mujeres al trabajo, entre otras. Nava decidió combinar varias de las teorías.

Para el papel de Lauren Adrian, Nava siempre había pensado en su buena amiga Jennifer Lopez. Necesitaba a una mujer decidida que pudiera ser vulnerable a la vez que fuerte cuando así lo exigiese la situación. Nava decidió reunirse con Lopez para explicarle lo que está sucediendo en Ciudad Juárez y para pedirle que trabajase con él en su película, VERDADES QUE MATAN.

Lopez, quien también es la productora de VERDADES QUE MATAN, firmó inmediatamente. Creía que debía involucrarse en la historia y así poder ayudar a esas mujeres. Una vez que Lopez ya era parte del proyecto, Nava se asoció con el productor Simon Fields (que lleva la empresa de Lopez, Nuyorican Productions) para comenzar a trabajar.

En el papel de Díaz, el dueño de El Sol de Juárez, Nava necesitaba la presencia de Antonio Banderas. Lauren busca inmediatamente a Díaz para que la ayude en su investigación. Su química en la pantalla es innegable y el peligro de su trabajo hace resurgir la llama de su ya lejano romance. Sin embargo, ahora Díaz está casado con Elena y tiene dos hijos. Se puede palpar la pasión controlada puesto que los dos luchan contra el resurgimiento de su antiguo amor.

El resto del reparto de VERDADES QUE MATAN está compuesto por colaboradores habituales de Nava. Sonia Braga, que ya había trabajado para Nava en la serie American Family de la PBS, representa el papel de Teresa, una buena mujer de la clase alta de Juárez. La mejicana Kate Del Castillo, que también había actuado en American Family, hace el papel de Elena, la esposa de Díaz. Maya Zapata, que representa a Eva, trabajó también con Nava en American Family; y Zaide Sylvia Gutierrez, que hace el papel de la madre de Maya, Lourdes, participó en la película de Nava nominada a un Oscar, El Norte.

Nava se puso en contacto con Amnistía Internacional, la ONG que controla los abusos contra los derechos humanos en todo el mundo para informarles del proyecto. Durante la producción, hubo controversia en el lado mexicano de la frontera y muchas noticias informaron de que ciertos poderes en la sombra estaban descontentos con la película y querían boicotearla en México. Sin embargo, ninguno de estos miedos se materializó y la producción continuó tal y como estaba previsto.

VERDADES QUE MATAN se rodó en gran medida en Albuquerque (Nuevo México) y sus alrededores durante los meses de junio y julio de 2005 y más tarde en Mexicali durante varias semanas de agosto y septiembre del mismo año.

Además del reparto, Nava consiguió un equipo creativo de técnicos cinematográficos con mucho talento con los que ya había trabajado y con los que se siente cómodo, como el director de fotografía Rey Villalobos, que trabajó con Nava en American Family para la PBS, y la supervisora del guión, Liliana Molina.

La gente de Nuevo México fue en todo momento muy atenta y siempre tenían vecinos alrededor para poder ver el rodaje. Los protagonistas, los demás actores y todo el equipo de VERDADES QUE MATAN pudieron disfrutar de las maravillosas salidas y puestas de sol de Nuevo México, así como del abrasador calor durante los rodajes.

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ASESINO SOLITARIO: Especial

Después de que su compañero sea asesinado por el despiadado Rogue (Jet Li), el agente del FBI Jack Crawford (Jason Statham) se obsesiona con la venganza.

Sobre la producción

Ambientada en el submundo de las mafias asiáticas que habitan en los EE. UU., ASESINO SOLITARIO es un thriller de acción cargado de adrenalina que examina hasta qué punto está dispuesto a llegar un hombre para vengar la muerte de su mejor amigo. Crawford es un agente del FBI obsesionado con la venganza, y el hombre al que busca es Rogue – un asesino con sus propios planes y sin lealtad, despiadado y con un gran talento para reaparecer justo en el momento necesario para luego desvanecerse como un fantasma… Los guionistas de ASESINO SOLITARIO, Lee Anthony Smith y Gregory J. Bradley, son fans confesos de Jet Li y de las películas de acción influenciadas por lo asiático, lo que sin duda les sirvió de apoyo a la hora de crear el personaje de Rogue, con la idea, además, de implicar a su ídolo en el proyecto. Muchos guionistas escriben guiones pensando en unos actores concretos, pero en este caso, el productor Jim Thompson pudo conseguir hacer llegar el guión de Smith y Bradley a Li, quien firmó el contrato casi inmediatamente. “Es una de esas raras ocasiones en la que los guionistas han tenido una visión, con un actor en concreto, y lo hemos podido hacer realidad,” comenta Thompson. “Se lo hicimos llegar a la persona a la que queríamos y la película comenzó con él ya en el proyecto, lo cual no es habitual”. Jet Li, una estrella de fama internacional y un renombrado experto en artes marciales, comenzó a hacerse notar en Asia como participante en competiciones de wushu. Su notable éxito en este campo le brindó la posibilidad de consiguir su primer papel protagonista en la película de 1979 de Chang Hsin Yen, THE SHAOLIN TEMPLE, lo que inmediatamente convirtió a Li en una estrella de las artes marciales en Asia. Desde entonces, Li ha conseguido reunir una legión de seguidores en todo el mundo con películas como Fearless, Danny the dog, HÉROE, y EL ÚNICO. Steven Chasman, que representa a Li y es uno de los productores de War, comenta que se sintió sorprendido por el compromiso que Li mostró con el guión de la película. “Cuando leí el guión por primera vez no pensé que Jet fuera a estar interesado porque el personaje realmente es la antítesis de casi todo lo que él ha hecho en el cine, pero fue una agradable sorpresa que lo aceptara con tanto entusiasmo”.

“Nunca había hecho un personaje como éste,” comenta Li. “No sé si es malo o no. Sólo sé que este violento personaje tiene razones para hacer lo que hace”. Budista devoto, Li suele buscar proyectos que reflejen sus ideas sobre la violencia. Admite que ha tenido ciertos reparos contra el particular concepto de violencia y venganza despiadada de su personaje en esta película. “Aunque no esté de acuerdo con las cosas que hace mi personaje, tenía que comprometerme de todas formas,” comenta. “Cuando iba al set, primero tenía que olvidar que soy Jet Li y luego meterme en ese mundo. Al volver a casa, solía pensar ‘¿porqué estoy haciendo esto?’ Tenía que recordarme a mí mismo que el personaje no soy yo, es otra persona”.

Con Li a bordo como protagonista, los productores se centraron en encontrar a la figura adecuada para la Némesis de Rogue, John Crawford, el oficial de policía que lo arriesga todo para saciar su sed de venganza. “John Crawford es la fuerza conductora de gran parte de la historia,” explica el director Phillip Atwell. “Es un agente del FBI caído en desgracia que se embarca en la aventura de encontrar al culpable de la muerte de su compañero”.

El papel de Crawford pedía un actor capaz de escenas de gran destreza física y también escenas emocionales e intensas; con su fuerte presencia y su intensidad en la pantalla, Jason Statham, conocido por películas como CRANK y Transporter, era el candidato ideal. Chasman comenta, “Es un gran actor que además aporta muchas más dimensiones al papel, más que lo meramente físico. Lo tiene todo”.

Statham también aceptó inmediatamente, ansioso por trabajar con Li de nuevo, tras aparecer juntos en EL ÚNICO, en 2001. “En aquella película no pudimos luchar juntos”, ríe Jason. “Trabajar con Jet Li y a la vez tener una historia más profunda y personal, con un personaje con sentido, fue algo que no pude disfrutar en EL ÚNICO“.

A Statham le atrajeron igualmente las múltiples facetas de su personaje, Crawford. “Crawford se obsesiona con la venganza, intentando deshacer lo que ha ocurrido si bien eso es algo que escapa a su control,” explica el actor. “Al final, consigue aceptar el destino de su amigo, lo que le permite deshacerse de algunos de sus demonios internos”.

Para ambas estrellas, el proceso de trabajar juntos fue muy gratificante. Statham comenta, “Li es un compañero de trabajo genial. Basta con mirarle a los ojos para tener una gran conexión”. “Es un gran actor”, comenta Li de Jason. “Mucho mejor que yo”.

Una vez asegurados los protagonistas, los productores tentaron a Phillip G. Atwell para que dirigiera el proyecto. Conocido ya por sus vídeos musicales para gente como Eminem y 50 Cent, el talento de Atwell para conseguir aspectos visuales llenos de nervio y estilo era perfecto para obtener la cruda intensidad de ASESINO SOLITARIO “Cuando Lionsgate quiso hacer la película y discutimos directores, mi primera elección fue Phillip,” recuerda Chasman. “Realmente sabe tomarle el pulso al público”.

La producción de ASESINO SOLITARIO tuvo lugar en Vancouver, donde Atwell pudo reunir un reparto internacional que incluye a John Lone (Manhattan Sur, EL ÚLTIMO EMPERADOR), Terry Chen (CASI FAMOSOS, SERPIENTES A BORDO), Luis Guzman (TRAFFIC, The Salton Sea), Nadine Velazquez (My name is Earl, BIKER BOYZ) y Devon Aoki (SIN CITY).

La decisión más significativa de Atwell fue la de no darle al guión un aspecto visual florido, al estilo de la saga de Matrix. “Aún así, retenemos un cierto toque de cómic,” explica el director. “Pero la idea era la de hacer una película hard-core y agresiva. No quería que el público dijese, ‘Espera, ¿cómo ha podido escalar esa pared así?’ Los especialistas quieren hacer grandes y exageradas actuaciones, y para algunas películas eso puede estar bien, pero War era importante que las cosas fueran realistas”.

Corey Yuen, probablemente el mejor coreógrafo de secuencias de acción y lucha del mundo, además de director por derecho propio (EL TRANSPORTADOR, D.O.A.), ayudó a Li y a Atwell a crear el estilo realista de las secuencias de lucha de ASESINO SOLITARIO. “Así como Jet es una leyenda en las artes marciales, Corey es también una leyenda tejiendo y coreografiando las escenas de lucha,” comenta el productor Christopher Petzel.

Atwell también reclutó al director de fotografía Pierre Morel, quien ya había trabajado con Li y Statham en Danny the dog y Transporter, y al coordinador de dobles Scott Nicholson. La filosofía de Atwell, “menos es más,” también es la que rige el trabajo de los artistas de efectos especiales Jason Ward y Ryan Nicholson de Flesh and Fantasy Makeup Effects, de Vancouver.

“Cuando en alguna películas ves cómo le disparan a un hombre y salta un montón de sangre… bueno, no es así como sucede realmente,” dice Atwell. “Creo que es más impactante mostrarlo tal y como es y hacer que los actores respondan de un modo real. Eso será tan doloroso como ver saltar un espeso chorro de sangre atravesando la pantalla”.

Para garantizar que las escenas de acción fueran lo más realistas posible, Atwell sometió a su reparto a sesiones de entrenamiento con armas especiales y seminarios de tácticas policiales. Sung Kang, que interpreta a un francotirador, Goi, comenta, “hemos aprendido a manejar un arma con propiedad, hemos aprendido cómo se entra en un edificio, cómo cubrir la retaguardia, es decir, los procedimientos básicos de un equipo SWAT”.

A pesar de las atenciones prestadas a los detalles, Li sostiene que “lo importante en las películas de acción es la historia, no las escenas de lucha.” Statham está de acuerdo, y espera que los espectadores se impliquen en la caza de Rogue por parte de Crawford. “La acción porque sí no aporta demasiado peso,” comenta Statham. “ASESINO SOLITARIO es una película de acción para un espectador que piensa. El público va a estar tenso en su asiento, pensando, ‘¿van a atrapar a este tipo? ¿Va a haber finalmente algo de justicia? ¿Acabará este tal Rogue pagando por su crímenes?’ y cuando finalmente esas preguntas sean respondidas, se llevará una gran sorpresa”.

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SENTENCIADO A MORIR: Especial

SENTENCIADO A MORIR, la película más reciente del innovador cineasta James Wan, es una clásica historia de venganza. Nick Hume (Kevin Bacon) es un ejecutivo de buenos modales con una vida perfecta, hasta que en una noche trágica es testigo de algo que le cambiará su vida para siempre. Transformado por el dolor, Hume llega a la perturbadora conclusión de que no hay límites a la hora de proteger a su familia.

Sobre la producción

Bang, Bang, estas muerto…

En un terrorífico abrir y cerrar de ojos, lo impensable pasa y la vida de una familia se ve alterada para siempre.

“La historia de esta película es muy shakesperiana” comenta el director James Wan. “El tema de la venganza es atemporal, es una de nuestras emociones primarias, el querer buscar venganza cuando te va mal. Lo que estoy haciendo con SENTENCIADO A MORIR es tomar una historia clásica y llevarla a un escenario contemporáneo”.

El productor ejecutivo Andrew Sugerman comenta “Es la clásica tragedia griega. Es la historia de un hombre con sus propios demonios. La idea de retar a tus enemigos es parte del curso natural de la justicia. De hecho el proverbio “Ojo por ojo y diente por diente” (Éxodo 21:23-27) ha sido codificada en las leyes. Pero cuando la ley falla, la venganza es una acción que causa más daño en el afán de corregir el error”. “Al calor de la pasión, Nick Hume va tras los muchachos que mataron a su hijo, y el terminará abriendo una caja de Pandora”, explica Wan.

“Es también una historia de lo que le pasa a alguien cuando su vida normal y perfecta se ve alterada por un acto sin sentido del cual no tienes control” añade Sugerman.

El productor Ashok Amritraj concuerda “Es una película atemporal sobre una familia y una vida normal que se ve alterada. Es una historia en donde la violencia es un acto muy relevante y gente inocente se ve atrapada en la mitad, y es ahí donde ves a un tipo tomar el poder en sus propias manos. Se convierte de un hombre ordinario con una familia ordinaria, en un hombre que esta en una misión”.

“No es una historia simple en donde el buen chico atrapa al malo” comenta Kevin Bacon. “Hay un terrible precio que mi personaje tiene que pagar al tomar la decisión de tomar la ley en sus manos con el fin de proteger y defender a su familia. Hay un momento en que el piensa que todo ha terminado y que podrá continuar con su vida de manera normal. Pero no puedes lavar la sangre de sus manos. Es una sangre que regresará y te perseguirá”.

La inspiración

La historia de esta cinta esta basada en la novela original de Brian Garfield “Death Sentence”, la cual es la continuación de la novela “Death Wish”. El guionista Ian Mackenzie Jeffers adaptó la historia a nuestro mundo contemporáneo donde las armas están disponibles, la venta de droga esta organizada y el Internet y los teléfonos celulares nos proveen que comunicaciones instantáneas, todo esto en el marco de una sociedad muy acelerada que vive con la adrenalina al máximo a través de películas, series de televisión, video musicales y videojuegos.

“Soy fanático de las películas clásicas de vengadores de los 70’s y 80’s” admite James Wan. “Siempre miro películas como ROLLING THUNDER, DEATH WISH y MAD MAX, entonces cuando este proyecto llegó a mis manos fui tras él”.

Por tal motivo, Wan decidió traer al proyecto a Julie Berghoff con quien había trabajado anteriormente para el diseño de producción de sus películas anteriores (SAW y EL TÍTERE). Ambos tienen antecedentes teatrales y les gusta el look de hiperrealidad. Es su intención transportar al público al mismo lugar oscuro en el que están viviendo los personajes. Queríamos que la pandilla fuera dura pero con un aire de misterio. Todo esta interconectado: los actores, los escenarios, los autos y el vestuario.

El fotógrafo John Leonetti también contribuyo de manera significativa al estilo de la película.

“Tratamos de mezclar el look de los 70’s y trasladarlo a la tecnología actual con iluminación y movimientos de cámara. Cuando vi uno de los cortes de la película, me remitió a la cinta “The French Connection” sin embargo SENTENCIADO A MORIR tiene su propia vibración y te mantiene al borde del asiento” explica Leonetti.

No pases la pelota, pasa la cámara…

“James me dijo que deseaba tener una de las más grandiosas persecuciones que se han filmado jamás”, dice sonriente el actor Leigh Whannell. “Y creo que lo logró”.

Una de las secuencias más dramáticas en SENTENCIADO A MORIR sucede cuando Nick Hume es perseguido por las calles de la ciudad a plena luz del día por la pandilla de Darley. Fue una escena complicada de filmar y tomó mucha planificación y un montón de fé… Wan quería hacer algo que no había hecho antes. El deseaba filmar tres minutos más del climax de la persecución a pie, la cual se realizó en un estacionamiento como escenario, en una sola toma.

“Toda la secuencia que conduce al garaje es rápida y frenética,” explica Wan. “Pero cuando llegas a la estructura del estacionamiento, se convierte en una especie de coreografía.”

“Siguen a Nick Hume corriendo en el estacionamiento, encendiendo las alarmas de los autos para que los chicos malos no sigan su rastro. El sube todos los niveles y la cámara lo sigue todo el camino, entonces él tiene que caminar por los bordes de la estructura y esconderse todo el tiempo para ver a quienes lo persiguen, y además ir de espaldas hasta la cima. Nosotros utilizamos a cada miembro del equipo para poder realizar toma tras toma. Es una cámara real… una cámara que se pasa de una persona a otra filmando cada secuencia, la cual culmina con Hume quedándose sin espacio para correr.”

Leonetti ilustra lo complicado de la filmación. “Desde el principio, James nos dijo como visualizaba esta escena en su cabeza. Mientras él me mostraba el estacionamiento y me explicaba sus ideas, pensaba que sería genial y mis instintos me dijeron que podíamos hacerlo tal cual.”

“La iluminación fue un reto particular, debido a que se filmó durante el día. Fuimos desde T2.8 a T.22 en una sola grabación, estuvimos a merced de la luz natural… la coordinación de todos los departamentos para llevar a cabo este trajín de una cámara de 35mm con 400’ fue un reto. Creo que este tipo de filmación es única en la cinematografía.”

“Hemos utilizado seis operadores de cámara, dos grúas y algunas técnicas inusuales”, añade Andrew Sugerman, que tuvo que aprobar y buscar tanto personal como equipos adicionales. “Realmente tuvimos que diseñar un sistema de cámaras de mano que tuviera suficiente luz para ser utilizadas y traspasadas de un operador de cámara a otro sin cambio.

“Se movilizó la cámara entre rejas. Se pasó a través de la grúa y para llegar desde el exterior del estacionamiento a otro nivel, fue recibido por otro operador de cámara, luego bajó por otra grúa, se puso en una estructura especial construida por nuestro departamento de control que les permitía traspasar la cámara rápidamente. Fue muy difícil para filmar estas escenas y mantener fuera de la toma al equipo técnico que la realizaba.”

“Fue una grabación increíble,” agrega Bacon. Debido a que el objetivo principal de la toma, demandaba un trabajo físicamente exigente.

“Se suponía que mi personaje, Nick Hume, estaba completamente agotado y a punto de perder el aliento”, continúa. “Y créanme, después de realizar estas tomas una y otra vez, durante todo el día, estaba realmente agotado. Es lo que llamaría NRA: No Requiere Actuación! Me sentía jadeante, sin respiración y listo para vomitar sobre mis zapatos. Pero fue genial, porque toda la emoción, todo el miedo y toda la intensidad que se necesitaba ya estaban ahí cuando James dijo ¡Acción!, y sabía que tenía que ser preciso.

“¡Fue una gran escena!”

Abróchense los cinturones…

“Realmente me gustan las buenas películas de acción”, nos dice Kelly Preston, “especialmente cuando es inteligente, con una gran historia y personajes interesantes. En realidad, SENTENCIADO A MORIR no es una elección común”.

Sin embargo el público reacciona ante la ambigüedad moral en SENTENCIADO A MORIR, y se involucran con esta gran historia. Desde el momento en que la acción comienza, es como si nunca fuera a terminar y las personas se sienten sin aliento, como Kevin Bacon, tan leales, como Kelly Preston, tan honestos, como Garrett Hedlund y tan esmerado, alocado, creativo y divertido como James Wan, cuando tomó el guión de Jeffers y le imprimió su propio estilo para traernos esta conmovedora historia de la vida dos hombres que luchan para proteger a los suyos.

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MAX PAYNE: El especial

Para el policía MAX PAYNE (Mark Wahlberg), la Justicia está por encima de cualquier regla. Un mítico antihéroe decidido a cazar a los responsables del brutal asesinato de su familia. Preparado para la venganza, su obsesiva investigación le conducirá a una pesadilla a través de un oscuro submundo y según vaya profundizando en el misterio, se verá obligado a luchar contra enemigos sobrenaturales y enfrentarse a una traición inimaginable.

Cómo se hizo MAX PAYNE
Mark Wahlberg (LOS INFILTRADOS), nominado al Oscar, encarna al protagonista, MAX PAYNE, un hombre que tiene muy escaso respeto a las normas –y nada que perder–, y que investiga una serie de misteriosos asesinatos que podrían guardar relación con la muerte de su esposa y de su hijo. Pero existen unas fuerzas gigantescas, reales y que a la vez superan toda imaginación, que conspiran para que la desoladora verdad quede oculta –y para que Max permanezca callado para siempre. Acompañando a Wahlberg en MAX PAYNE están Mila Kunis en el papel de Mona Sax, una bella hampona y asesina rusa; Olga Kurylenko (que actúa en la próxima película de James Bond QUANTUM OF SOLACE) da vida a Natasha, la hermana menor de Mona, siempre en busca de emociones; Chris “Ludacris” Bridges interpreta al detective de Asuntos Internos Jim Bravura, mientras que Beau Bridges se encarga del papel de B.B., el mentor de Max. MAX PAYNE está dirigida por John Moore (LA PROFECÍA 666, TRAS LÍNEAS ENEMIGAS) y se basa en un guión de Beau Thorne, recientemente licenciado en el programa cinematográfico de la Universidad de Texas. La película está producida por Julie Yorn (BRIDE WARS), Scott Faye y John Moore. “Esta película no es un ‘Payne Mínimo’. Tampoco es un ‘Payne Medio’. Es Payne en su Máxima expresión”, resume el director John Moore, hablando de su nueva película, que él imaginó como una producción neo negra de acción y tensión, a horcajadas del filo de la navaja que separa la realidad de lo irreal. Y Moore, un estilista visual de gran talento, es quién para hablar de ello. Su empleo de la cámara subjetiva en la película –que nos coloca directamente en el mundo de Max y dentro de su cabeza, así como la utilización de cámaras lentas de última tecnología– lanza a los espectadores, junto con Max, a una montaña rusa de acción, tensión, misterio y unas imágenes sorprendentes, teñidas de lo sobrenatural. Pero mucho antes de que Moore hubiera empezado a llevar las cosas al límite, el videojuego Max Payne se estrenó en todo el mundo en 2001, seguido en 2003 de una segunda parte, Max Payne 2: The Fall of Max Payne. La crítica y los aficionados alabaron la elegante coreografía y la naturaleza cinematográfica del juego; las tétricas escenas del juego, capaces de ponerle a cualquiera los pelos de punta, y los tiroteos a cámara lenta, desfilaban por la pantalla como una novela gráfica con influencias del cine negro. Pocos juegos se trasladan con éxito a la gran pantalla, pero desde su concepción, pareció como si el relato del endurecido policía en busca de venganza estuviera destinado a exhibirse en las salas de cine.

La productora, Julie Yorn, afirma: “El videojuego de MAX PAYNE fue desarrollado por personas que tenían verdadera pasión por el cine. Desde la fotografía de estilo negro hasta sus personajes y sus diálogos, el juego tenía importantes influencias cinematográficas y el material transcendía de la habitual experiencia de un videojuego”.

No obstante, los realizadores se enfrentaban a unos desafíos formidables a la hora de llevar a MAX PAYNE a la gran pantalla. “Uno piensa que el proceso de adaptación va a resultar verdaderamente sencillo cuando se dispone de un relato diáfano y de un argumento de apoyo en el juego”, dice Yorn. “Pero al adentrarse en ello, uno se da cuenta de que tiene que encontrar una forma de hacer que la película resulte distinta y diferente del juego, respetando, a la vez, el estilo y el espíritu singulares de éste”.

Los realizadores y el estudio consideraron cientos de ángulos del relato hasta que el guionista primerizo Beau Thorne presentó una toma sobre el material que halló eco en todos. “Beau descubrió una forma de aportar una gran cantidad de textura al material”, explica Yorn. “No sólo captó las dificultades emocionales del personaje principal sino que también fue capaz de crear un mundo de ilusiones y sombras –una cualidad sobrenatural que nunca había formado parte del argumento”.

Los elementos del otro mundo añadidos por Thorne incluyen un demonio alado que amenaza a Max y envía a otros a un destino inimaginable. Extraído de la mitología nórdica, el demonio Valquiria –sonriente, con los labios retraídos sobre colmillos retorcidos, con resplandecientes ojos rojos– representa una pista fundamental en la persecución que Max emprende en pos de quienes destruyeron a su familia. A lo largo de todo el relato, el demonio –o partes del mismo– impregna la acción: escuchamos el estruendoso martilleo del agitar de unas enormes alas, y alcanzamos a ver, tentadoramente, un par de alas casi perdidas en las sombras. El demonio alado es una imagen icónica, y los realizadores crearon otros elementos visuales clave vinculados a Valquiria. A lo largo de toda la película pueden verse pintadas que representan una “V” atravesada con una aguja hipodérmica, así como alas tatuadas en algunos de los personajes principales.

Empleando los materiales del juego –incluidas las escenas cortadas y el guión– como un trampolín, Thorne se propuso dar con los cimientos de la película. “El juego era visualmente muy cinematográfico, pero también se tardan entre ocho y doce horas en ganarlo; en consecuencia el material y la información para una película eran excesivos”, explica Thorne. “Traté de aprender todo acerca de lo que contenía el juego y, a continuación, intenté imaginar formas de simplificarlo y racionalizarlo. El reto consistía en entender la forma de permanecer fiel al material original, pero, al mismo tiempo, dándole un impulso hacia delante y logrando que funcionase como un tenso misterio”.

Con Thorne trabajando en el guión, el estudio se dirigió al director John Moore, conocido por el estilo visual bien diferenciado que mostró en sus tres largometrajes anteriores, para dirigir el proyecto. Moore colaboró estrechamente con Thorne y los productores para dar forma al guión.

Moore compara el proceso de adaptación del juego a la película a arrancarle el control al jugador, pedirle que se acomode y deje que los realizadores se ocupen de todo a partir de entonces. El empleo de la cámara subjetiva es un elemento importante de la creación de una experiencia memorable para el espectador de cine. “Hay que dar al público cinematográfico algo excitante y agresivo –y pensamos que la forma de lograrlo era utilizar la cámara subjetiva –básicamente, sometiéndola a un trajín de muerte– y hacer que sienta que es MAX PAYNE”, afirma Moore.

Para dotar a la acción de una intensidad adicional y de un estilo convencional, Moore utilizó un sistema especial de cámara en movimiento denominado Phantom, que hacía posible una nueva toma del popular proceso de cámara lentísima “efecto bala”. “Se trata básicamente de un disco duro digital que puede rodar hasta mil fotogramas por segundo”, explica Moore. “Yo no quería imitar el deslumbrante trabajo de efecto bala y cámara lenta realizado por John Woo, o por los hermanos Wachowski en MATRIX, de modo que ideamos nuestra propia técnica con este nuevo sistema. Creo que hemos logrado algunos resultados excitantes que se verán en la película”.

Los estilizados, y a veces sorprendentes, efectos visuales de Moore, aportan una calidad operística que realza la mezcla de relato de venganza, elementos sobrenaturales desconcertantes y misterio que trastoca las expectativas del espectador, de que se compone la película . Al mismo tiempo, Moore insistió en que la película tuviera un núcleo emotivo realista, gran parte del cual es transmitido por la aventura de Max en busca del asesino de su esposa e hijo. Tanto él como su odisea están definidas por este suceso traumático.

Para este fin, el actor que diera vida a Max tendría que transmitir la dureza del personaje, siendo, al mismo tiempo, accesible al público en un nivel emotivo. El papel le venía a Mark Wahlberg como anillo al dedo. “Mark se incorporó a la empresa intensísimamente comprometido con su personaje”, asegura Yorn. “Es un actor vehemente con una gran presencia, pero también es un padre que ama a su familia, y fue verdaderamente capaz de sacar partido a la angustia del personaje”. “Este es uno de esos papeles que no es posible imaginar que los interprete ninguna otra persona”, añade Moore del trabajo de Wahlberg en la película. “Mark está tan en sintonía con el tipo –la forma como Max se mueve, el aspecto que tiene– que consigue encarnarlo de forma absolutamente impecable”.

Wahlberg, que se incorporó a MAX PAYNE inmediatamente después de sus dramáticas actuaciones en EL FIN DE LOS TIEMPOS y THE LOVELY BONES, disfrutó con la oportunidad de regresar a sus raíces en el cine de acción. “John Moore me permitió realmente forzar la acción y la emoción”, afirma Wahlberg. “John… verdaderamente intenta sobrepasar los límites”.

“Me encanta la acción, por lo que fue fantástico volver al género con una gran producción –en la que puedo darle a alguien la paliza de su vida en un cuarto”, añade, riéndose. “MAX PAYNE me brindó la oportunidad de trabajar en una acción de tal intensidad que rebasa lo que hice en LOS INFILTRADOS, FOUR BROTHERS y FEAR. En lo que se refiere a la acción, Max es igual a cualquiera de esos personajes multiplicado por diez”.

Aceptando el desenfrenado lado físico de Max, Wahlberg estaba igualmente decidido a aportar importantes matices emotivos a su personaje. “El de Max es uno de los papeles más complejos que jamás haya interpretado”, dice el actor. “Es un personaje adulto, sofisticado y complejo. Todo cuanto hace responde al impulso de la emoción. Sabemos que Max, aunque ahora esté reducido al armazón consumido de un ser humano, disfrutó en un tiempo de una vida dichosa. Tenía una bella esposa y un hijo encantador, los cuales le fueron arrebatados. Y una vez que todo ello ha desaparecido, no puede decirse que vea mucha esperanza para él ni para el mundo –pierde toda la que tiene en la humanidad”.

“Había una forma sencilla de interpretar a este personaje, consistente en adoptar un estado mental monocorde, muy propio de un hombre embarcado en una misión”, prosigue Wahlberg. “Pero el público se va a sorprender cuando vea cuán enrevesado es en realidad. Max se mueve por la emoción, y creo que el público va a comprender por qué está tan implicado en lo que hace”.

Mila Kunis da vida a Mona Sax, la bella mafiosa rusa que forma equipo con MAX PAYNE para vengar la muerte de su hermana. El papel exigía una actriz que tuviera la capacidad de ser dura –que pudiera defenderse ante MAX PAYNE y que, al hacerlo, resultara creíble. Nadie esperaba que Kunis consiguiera el papel ya que debe su fama a sus papeles cómicos en la exitosa comedia de situaciones That ’70s Show y al no menos popular largometraje CÓMO SOBREVIVIR A MI EX.

“Mila nos dejó de piedra”, dice Moore. “No era una opción evidente, pero encaja en Mona a la perfección. Entre ella y Mark existe una química fantástica; en la película forman un equipo implacable como no hay otro, lo que es fundamental. Necesitábamos a alguien que fuera algo más que un petimetre o un complemento de Max; necesitábamos a alguien que tuviera que ser el personaje y transmitir sus propios planes. Creo que Mila logra una interpretación magistral”.

Para Kunis, el papel representó una oportunidad de explorar nuevos territorios como actriz. “Yo siempre había querido participar en una película de acción; una parte de mí desea repartir estopa”, afirma riéndose. “Mona es feroz y luchadora y no está dispuesta a ser eclipsada por nadie. Diría que ella y Max forman un dúo muy equilibrado”.

Para ayudarla a transmitir la formidable habilidad física y con las armas de Mona, Kunis se sometió a un programa intensivo de entrenamiento. Al final de dicho periodo, Kunis consiguió que pareciera que se hubiese pasado la vida dedicada a las artes marciales y el manejo de armas. “Es una locura”, comenta Kunis. “Jamás había disparado un arma y heme aquí encarnando a una asesina. Pero déjeme decirle que, ahora, ¡disparo como el que lava! La parte física de esta película ha sido, sin duda, muy divertida. Practiqué un poco de boxeo y su pizca de artes marciales”.

Un aspecto del personaje para el que Kunis no tuvo que entrenarse fue hablar en ruso. Kunis, que proviene de ese país, exhibe su dominio de las lenguas en una escena clave en la que reprende a su atribulada hermana Natasha, interpretada por Olga Kurylenko, otra auténtica emigrada rusa. Kurylenko, que encabeza, junto a Daniel Craig, el cartel de la próxima película de James Bond, QUANTUM OF SOLACE, y Kunis se criaron en ciudades vecinas pero no se conocieron hasta que se presentaron en el plató de MAX PAYNE.

La Natasha a la que da vida Kurylenko es una mujer fatal de la tradición más clásica. Le presentan a Max en una fiesta y al instante se siente atraída hacia él. Pero su belleza y sus seductores encantos se desaprovechan en Max, cuyo interés por Natasha se reduce a la información que pueda facilitarle y que le ayude en su empresa. Cuando Natasha es asesinada después de salir del apartamento de Max –y éste pasa a ser el principal sospechoso– los esfuerzos de nuestro personaje se embrollan todavía más. Y es a través de sus aciagos encuentros con Natasha como Max entra en conflicto con Mona.

La fotografía principal de MAX PAYNE dio comienzo el 3 de marzo de 2008. La filmación durante los cincuenta días de rodaje tuvo lugar en innumerables exteriores de Toronto, desde el sistema de metro hasta el activo distrito financiero de la ciudad, pasando por sus extensos muelles, así como en platós de Cinespace y del Toronto Film Studio. Varios de los lugares sirvieron para más de un fin; por ejemplo, el edificio abandonado de una terminal de recepción de alimentos facilitó el telón de fondo para el escondite de Mona, una guarida, un estudio de tatuajes y la escena de la fiesta en la que Max conoce a Mona. Una fábrica de gas en ruinas de la ciudad de Hamilton, sirvió de escenario para los interiores del cuartel general de Jack Lupino, Ragna Rok.

“Siempre que uno tiene entre manos una película que contenga mucha destrucción y caos, trata constantemente de inventar formas originales de ejecutar la acción. El director de la película, el de fotografía, el coordinador de especialistas, el equipo de efectos especiales, el productor. . . todos participan”, asegura Moore. “Uno lanza ideas constantemente, repasando y revisando guiones gráficos y tratando de diseñar escenarios que se ajusten a la acción. En MAX PAYNE nuestro objetivo era el de garantizar que la emoción se viera incrementada no sólo por el argumento, sino también por unas acrobacias impresionantes. De esa forma, uno no se limita a realizar una película de acción, sino una de tensión inteligente que todos desean experimentar”.

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Especial JUSTICIA A CUALQUIER PRECIO

Harriet Wells (Kristina Sisco), una joven de 17 años, desaparece sin dejar rastro. Errol (Richard Gere), agente federal especializado en delitos sexuales, sospecha que el secuestrador es un antiguo delincuente que está en libertad condicional. Es más, intuye que se conocen. A tan sólo dos semanas de dejar el trabajo, mientras instruye a su joven sustituta (Claire Danes), Errol trabaja a contrarreloj para encontrar a la chica con vida.

Acerca de la producción

El rodaje de JUSTICIA A CUALQUIER PRECIO empezó una oscura y fría mañana en noviembre de 2005, en Nuevo México. Algo así como si fuera un presagio de lo que iba a pasar, la producción debió soportar a diario las congelantes temperaturas. El primer día hubo una ceremonia china que incluía incienso y oraciones individuales para mantener alejados del rodaje a los “espíritus malignos” y el mismo se convirtió en una rutina que duró hasta el 21 de enero, fecha que finalizó la filmación.

El clima fue muy bueno y todos trabajaron en equipo, irónicamente, el tema central de la película parecía merodear todo el tiempo. Incluso había un gran cartel encima de su campamento base promocionando la necesidad de terminar con el maltrato infantil y los abusadores.

Acerca del director Andrew Lau

Nacido en Hong Kong, también conocido como Wai-keung Lau, comenzó su carrera en la industria cinematográfica en Shaw Studio como asistente de dirección. Posee gran habilidad en el manejo de cámaras portátiles en el rodaje de escenas de acción, como se puede ver en películas la mayor parte de su filmografía.

Lau hizo su debut en 1991 con el filme AGAINST ALL, a ese le siguieron RHYTHM DESTINY y THE ULTIMATE VAMPIRE.

En 1995 se unió con Wong Ping y Wong Man Chun para formar una productora y dirigir la continuación de YOUNG AND DANGEROUS alcanzando records en taquilla.

Una de sus cualidades por lo cual se hizo conocido es por mezclar artes marciales con efectos especiales.

Con el tiempo, el director se ha trasformado en un realizador de culto por sus películas INFERNAL AFFAIRS, llegando a realizar dos secuelas más.

Entre sus premios se encuentran el de Cinematográfico Asiático del Año en el Festival de Cine de Pusan.

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Especial CONTROL TOTAL

La idea para CONTROL TOTAL llevaba años rondando la cabeza del productor ejecutivo Steven Spielberg. “La idea inicial de Steven se centraba en la noción de que la tecnología está en todas partes”, dice el coproductor Pete Chiarelli. “Nos rodea por doquier, así que, ¿qué pasaría si se volviera contra nosotros? ¿Qué pasaría si la tecnología que nos rodea, que nos encanta y de la que dependemos, de repente fuera utilizada contra nosotros de forma que pudiera causar daños y estar totalmente fuera de control?”

“Lo que Steven quería es que la gente saliera del cine y apagase sus móviles y Blackberrys porque estuvieran asustados”, recuerda el escritor y productor Alex Kurtzman: algo muy parecido a cuando el público sintió miedo de nadar en el mar después de ver TIBURÓN de Spielberg en el verano de 1975. La historia estuvo en proceso de desarrollo durante varios años, porque en la época en que Spielberg concibió la idea, “pensó que iba a parecer una cosa de ciencia-ficción”, añade Kurtzman. “No hubiera tenido mucha credibilidad porque la tecnología no estaba aún tan integrada en nuestra sociedad como lo está hoy en día”. A principios de 2006, Spielberg le llevó el proyecto a Kurtzman y a su socio en las tareas de escribir, Robert Orci, el equipo que se encuentra detrás de MISIÓN IMPOSIBLE III, la próxima entrega de STAR TREK, y de otro proyecto de Spielberg, TRANSFORMERS y su inminente secuela, TRANFORMERS: REVENGE OF THE FALLEN. “Entonces, la cuestión fue cómo abordar la película”, dice Kurtzman, “para hacer un film que fuera algo más que una simple película de acción con escenas de persecución y explosiones. Se trataba, en definitiva, de aportar una perspectiva humana al conjunto de la historia”. La historia trata acerca de dos desconocidos que se ven unidos a la fuerza, entrampados por delitos que no han cometido, que luchan por sus vidas a la vez que tratan de demostrar su inocencia. Su suspense sin pausas aumenta como una locomotora acelerando, mientras que Jerry y Rachel se convierten en marionetas de un enemigo sin rostro que al parecer cuenta con ilimitados poderes para manipular todo lo que hacen. Ese enfoque, opina Kurtzman, “hace que la película sea intemporal, porque los personajes se podían situar en cualquier época, y el público puede identificarse con ellos sin importar de dónde ni de qué época sean. Son simplemente unas personas normales y corrientes metidas en unas circunstancias absolutamente extraordinarias y que escapan por completo a su control, obligadas a hacer cosas que no entienden y que tienen que descubrir por qué han sido elegidos a medida que transcurre la película: algo que el público hace junto a ellos.

CONTROL TOTAL es la primera incursión en la producción de Kurtzman y Orci. “Ha sido asombroso ver cómo la idea se iba desarrollando a partir de una idea que Steven nos trajo hace dos años. Ha sido fantástico ver cómo se iba expandiendo la perspectiva de esta película”.

El protagonista de la película, Shia LaBeouf, se expresa de forma parecida: “Nunca he estado tan cerca de la formación de un proyecto entero. La escritura y reescritura es algo nuevo para mí. Es como criar a un cachorro. Hay mucha dignidad implícita, sobre todo porque trabajas con amigos y todo el mundo mira por los demás”.

Aunque al principio Spielberg tenía la intención de dirigir él mismo la película, al final cambió de idea y se concentró en otros proyectos, sobre todo en la película de acción y aventuras a gran escala INDIANA JONES Y EL REINO DE LA CALAVERA DE CRISTAL. Mientras, el director D.J. Caruso estaba rodando su gran éxito de 2007, PARANOIA para DreamWorks SKG, la productora de Spielberg. “Le enseñé el montaje provisional de PARANOIA, y él me dijo, ‘Sabes, tenemos algo para ti’. Leí el guión y comprendí por qué, cuando tuvo inicialmente la idea, era demasiado avanzada para la época. Me encantó al instante”.

Para muchos directores jóvenes, rodar una película con un maestro como Spielberg mirando por encima del hombro podía parecer un poco intimidante. “Existía siempre la presión añadida de saber que era una historia que Spielberg había estado gestando durante años”, observa Caruso. “Pero me hizo sentir realmente cómodo. Me dijo que era importante que cada director hiciese suyo cada proyecto. Me dijo. ‘Quiero que tomes esta idea y la hagas tuya’. Confió en mí para que fuera y la hiciera y la convirtiese en algo mío, haciendo sin embargo honor a su historia. Nunca he gozado de una colaboración tan fructífera”.

Con una historia tan compleja como la de CONTROL TOTAL, era importante contar con un director que fuera capaz de aportar equilibrio a una película en la que había no sólo una intensa acción, sino también unos ricos personajes. “D. J. le aporta un increíble sentido de la historia a un proyecto como éste”, opina Edward L. McDonnell, el productor ejecutivo. “Ya había trabajado en una amplia variedad de géneros. Ésta es más que una obra de personajes, o que una obra de acción, tiene complejidad en su desarrollo. Su habilidad para tejer una historia para nosotros, para hacerla comprensible y accesible, proviene de su experiencia previa”.

“D.J. ha rodado mucho en su vida como director a medida que iba ascendiendo en el escalafón”, añade el coproductor Chiarelli. “Es estupendo para nosotros, porque teníamos que sacar partido de alguien con tanta experiencia que sabía lo que estaba haciendo y que hizo que la película fuera estupenda, que la acción fuera a lo grande, pero que a la vez consiguió sacar de los actores unas interpretaciones formidables”.

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SUPERHÉROES LA PELÍCULA: El especial

¿Cuantos superhéroes se necesitan para salvar al mundo? Los creadores de Y DONDE ESTÁ EL POLICÍA? y SCARY MOVIE responden esta pregunta en una forma histérica y moderna al estilo David Zucker con una hilarante comedia SUPERHÉROES LA PELÍCULA. Conoce a Rick Riker. Él es joven, es buena onda y tiene superpoderes. Si tan solo supiera como usarlos… pero el mundo esta en peligro y nadie esta a salvo cuando Zucker y su banda de hilarantes mafiosos estan al mando, todos ellos interpretados por Drake Bell, Leslie Nielsen, Tracy Morgan, Pamela Anderson, Regina Hall y muchos más.

Esta película reúne al director y guionista Craig Mazin con los productores Bob Weiss y David Zucker. “Tuve la fortuna de trabajar con Craig Mazin y David Zucker de nuevo” comenta Weiss. “Hice SCARY MOVIE 3 y SCARY MOVIE 4 con ellos y es fantástico poder trabajar con personas que también son tus amigos. Asi desarrollas lazos profesionales también” Mazin coescribió SCARY MOVIE 3 y SCARY MOVIE 4 ambas dirigidas por Zucker y producidas por Weiss.

Mazin también tenia nobles motivaciones en su corazón: “Me gusta hacer reír al público. Esta es realmente mi única razón para hacer estas películas. Estas películas son para ir al cine y reir sin parar durante 80 o 90 minutos”

Por supuesto es todo un arte hacer este género de películas. David Zucker quien dirigió Y DÓNDE ESTÁ EL PILOTO?, Y DONDE ESTÁ EL POLICÍA?, Y DONDE ESTÁ EL POLICÍA? 2 ½ y SCARY MOVIE 3 y 4, se da cuenta que el público reacciona de una forma muy interesante ante el humor que nosotros le ofrecemos. “El público comparte las referencias generales. Todo mundo va a ver las películas de superhéroes y las disfruta”, Zucker comenta sobre este género. “Yo disfruto de todas las películas sobre aeropuertos que se realizaron en los 70, sin embargo todos esos actores con sus líneas series en esas situaciones están llenas de chistes o absurdos”,

Los productores encontraron un género que no había sido explotado. “Hace algunos años hablábamos sobre las áreas que no se habían explotado y que nosotros podríamos parodiar”, recuerda el productor Bob Weiss, “De repente encontramos que el genero de superhéroes no lo había sido”.

“Yo amo las historias de superhéroes, siempre lo he hecho” dice Mazin. “Siempre he leído comics desde que era niño. El genero se construye por si solo pues tiene muchos elementos similares. Muchas de estas películas sigue a un inadaptado social y que desarrolla sus poderes que le dan un por qué a su identidad. Alguien que él ama muere por una mala decisión o bien por no haber actuado en el momento. Siempre hay una chica. Su identidad secreta se interpone entre él y la muchacha. Estas cosas siempre se repiten”.

Mazin en su proceso de investigación para escribir el guión, comenzó a reconocer elementos adicionales que están presentes en casi todas las historias de superhéroes: “Yo pienso que todo buen superhéroe se trata sobre un personaje que esta aprendiendo como triunfar como superhéroe. Al principio lucha por descubrir como usar sus poderes y por reconocer quién es él. Al final no eres un exitoso superhéroe hasta que triunfas y vences a tu más grande enemigo, y no siempre es un supervillano, a veces es él mismo, lo cual es lo que te detiene para ser un verdadero héroe. Este será el viaje que Rick deberá tomar”

Rick es interpretado por Drake Bell, es el centro de la historia de SUPERHÉROES LA PELÍCULA, y su alter ego es Dragonfly (Libélula). Mazin describe a este personaje que tiene muchas oportunidades cómicas: “El tiene super fuerza y super agilidad. El puede subir por las paredes, Es bueno en las peleas callejeras. Su piel esta protegida, nada lo puede acatar excepto las espadas de titanium. Tiene un disfraz verde como todo buen superhéroe debe tener”.

“Pero es justo cuando Dragonfly (Libélula) intenta salvar a la gente, las termina matando accidentalmente.” Mazin continua “El tiene un buen corazón sin embargo hay algo que no funciona”.

Zucker cree que él éxito de las parodias radica en que los personajes deben ser el chiste o la broma en si mismos. “”Los personajes no deben darse cuenta que están en una parodia. Pero algo que hemos aprendido es que el público quiere tomarlos en serie. En Y DÓNDE ESTÁ EL PILOTO?, Robert Hayes esta tratando de aterrizar un avión y no se ha dado cuenta que la gente realmente quiere que lo aterrice de manera segura. Originalmente hicimos un montón de cosas tontas, chistes estúpidos mientras el trataba de aterrizar. Las tuvimos que quitar porque la película no funcionaba y el público realmente quería ver al personaje triunfar”.

Los realizadores realmente disfrutaban todo lo que la película presenta, Mazin reconoce que todos sus chistes son graciosos. “Tu no puedes hacer una parodia de algo a menos que lo ames. Nosotros amamos todas las películas que parodiamos en la serie de SCARY MOVIE. Nosotros realmente amamos todo lo que parodiamos aquí: Spiderman, Batman y el género completo que también incluyen a Los Cuatro Fantásticos, X Men y Superman”.

Regina Hall, quien es personalmente responsable de muchas risas en la franquicia de SCARY MOVIE, resalta que la imitación es la mas sincera forma de adulación. Hall comenta “Todo es en broma. Estamos haciendo una parodia pero justo eso significa que fue algo que tuvo éxito. No podemos hacer parodia de algo a menos que la gente sepa de qué estamos hablando. Al momento que nosotros lo retomamos, ya es un éxito. Es una forma de rendir honores”..

Reunir al elenco de SUPERHÉROES LA PELÍCULA fue un proceso excitante para los productores y el director ya que trajeron al proyecto a jóvenes talentos así como a veteranos del género.

El actor y músico Drake Bell interpreta a Rick Ricker y Dragonfly (Libélula). Al llegar a la producción de la parodia de una película de superhéroes se dio cuenta que en él recaía la responsabilidad de muchos de los parlamentos. “solo vestir el traje implica un poco de dificultad” comenta Mazin.

Bell estaba ansioso de ser parte de SUPERHÉROES LA PELÍCULA de hecho él se encontraba de gira con su banda cuando Zucker se acercó a platicarle del proyecto. El director lo audicionó, “fue fantástico así que lo hicimos venir al estudio para filmar”.

“Soy un poco como Peter Parker”, comenta Bell sobre Rick Ricker. “Es un fotógrafo que no puede conquistar a la chica y es muy inseguro hasta que es mordido por una libélula. Yo intento salvar a la gente pero siempre pasa algo mal”.

Mazin concuerda con la descripción del actor “El trata de ayudar a la gente pero al final causa más problemas de los que intenta prevenir. Al final El tendrá que darse cuenta que es lo que realmente significa ser un héroe y esa será la forma en que podrá salvar el día y conseguir a la chica”.

Esa chica es Sara Paxton. Weiss recuerda “Sara Paxton fue una maravillosa sorpresa, es fantástica. Estábamos buscando alguien que pudiera ser vulnerable pero que pudiera representar un personaje fuerte al lado de Rick Ricker”.

“Sara tiene 21 años pero es muy madura. La audicioné porque estaba buscando a alguien naturalmente graciosa pero que fuera sexy y pura al mismo tiempo. Quería que fuera la vecina que no se da cuenta que todos los chicos mueren por ella y Sara era perfecta para el personaje”.

En este proyecto también trabaja un veterano del género Leslie Nielsen y para todo el equipo fue un gran honor poder contar de nueva cuenta con él. En esta película es el tío que conduce a nuestro personaje principal y en verdad es grandioso porque Leslie tiene un gran sentido del humor, entiende el estilo de la comedia además es amigo de todos los realizadores. Leslie Nielsen enseña a Rick lo que significa ser un héroe.

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AUGUST RUSH: EL TRIUNFO DE UN SUEÑO

Hace doce años, con una luz de luna cubriendo Washington Square, Lyla Novacek (Keri Russell), una joven violonchelista, y Louis Connelly (Jonathan Rhys Meyers), un carismático cantante y compositor irlandés, fueron reunidos por la interpretación de “Moondance” e inmediatamente se enamoraron. Compartiendo el lenguaje de la música, su conexión era real e innegable… pero también efímera.

Después de la noche más romántica de sus vidas, Lyla prometió a Louis volverse a ver, pero el padre de Lyla (William Sadler), la apresuró para llegar al siguiente concierto, haciendo que Louis creyera que no le importaba. Desilusionado, le fue imposible seguir interpretando, lo que tiempo después lo lleva a abandonar la música; mientras que Lyla pierde su esperanza en el amor, cuando le hacen creer que perdió a su bebé en un accidente automovilístico.

Pero ahora, Lyla ha descubierto que su hijo está vivo, y comienza a buscarlo desesperadamente con la ayuda del trabajador social Richard Jeffries (Terrence Howard).

El hijo de Lyla y Louis, se ha convertido en un inusual y dotado niño (Freddie Highmore) que podía sentir la música alrededor en todos los ritmos de la vida, a la vez que podía convertir el susurro del viento a través del trigo en una bella sinfonía donde él era el centro, el compositor y el medio. Criado como huérfano, mantiene la inquebrantable creencia de que sus padres están vivos, por lo que desea tenerlos en sus brazos… eso, si tan sólo los pudiera encontrar.

Determinado a buscarlos, decide viajar hacia la ciudad de Nueva York. Es en ese lugar, perdido y solitario, que es llamado por la guitarra de un niño que toca en la calle hasta un improvisado refugio en el abandonado teatro de Fillmore East, donde docenas de niños como él viven bajo la protección del enigmático Wizard (Robin Williams). Esa noche, toma una guitarra por primera vez y libera una improvisada interpretación en su propio y único estilo.

Asombrado por la pasión con la que interpreta el niño, Wizard lo bautiza como August Rush, introduciéndolo al conmovedor y espiritual poder de la música, al tiempo que comienza a extraer su extraordinario talento. Wizard tiene grandes planes para el joven prodigio, pero para August, su música tiene un propósito mucho más grande. Sin perder jamás la esperanza, de que sus padres están en alguna parte en el mundo, los llama en cada nota que interpreta. Cree que si llegan a escuchar su música, lo encontrarán.

Sin saberlo, August ha comenzado un largo viaje.

Mientras tanto, Louis, que todavía es atormentado por las memorias de su verdadero amor, se descubre a sí mismo regresando a sus raíces musicales y volviendo sobre sus pasos hasta el lugar donde se conocieron.

Separados por los sucesos de la vida, pero unidos por el amor y la música, Lyla, Louis y August buscan aquello que perdieron y necesitan para completar sus vidas… A ellos mismos.

Sobre la producción

“Es la historia acerca de un niño que escucha al mundo en una forma distinta”, explica el galardonado productor Richard Barton Lewis, que se involucró en AUGUST RUSH: EL TRIUNFO DE UN SUEÑO, desde sus inicios hasta cada aspecto del desarrollo y la producción. “No se adecua en el lugar que la vida lo puso originalmente. Su único deseo es estar con sus padres, sin importar cuánta gente lo trate de convencer de que no están vivos, o peor aún, que no le importan… el mantiene viva su creencia. Nadie puede sacarlo de esa idea. Los ha esperado por 11 años y ha decidido que es momento de ir a buscarlos personalmente”. Lo que desconoce es que sus padres están tan perdidos como él.

La directora Kirsten Sheridan explica. La habilidad de August para canalizar la música que existe en la naturaleza proviene de su madre Lyla, una concertista de violonchelo y de su padre Louis, un cantante, compositor y guitarrista, ambos talentosos músicos, pero lo más importante, es que ambos están en sintonía con la música que nos rodea pero que muy pocos escuchamos. Es lo que los atrajo en principio. Se trata de dos personas que siempre han escuchado al mundo de una forma especial y específica, lo que ha hecho que se aparten de la gente común. Cuando se dan cuenta de que sienten lo mismo, todo se convierte en algo mágico y hay un conexión inmediata que rompe su soledad por una sola noche. La noche en que August es concebido.

AUGUST RUSH: EL TRIUNFO DE UN SUEÑO es una historia de amor de tres personas,” afirma Sheridan. “Pero, como muchas historias de amor, las cosas no se dan fácilmente. Lyla y Louis son arrancados el uno del otro y permanecen así por años. Tristemente, al pasar esto, también pierden su pasión por la música”, añade Lewis.

El que la separación de los dos enamorados tenga como desenlace la separación involuntaria de su hijo (que incluso no saben que existe), le da a la historia una estructura de triada en la medida que cada uno sigue su propio camino en un mismo rumbo, como la familia que son. “Me gusta el ensamble natural de la historia”, comenta Jonathan Rhys Meyers, que da vida al impulsivo creador Louis. “Todos son parte del mismo rompecabezas; tres personas separadas por las circunstancias, que necesitan que el otro, para sentirse totalmente vivos”.

Keri Russell, quien interpreta al amor de Louis, la preciosa Lyla, dice, “Me gustan las historias donde la gente trata de encontrar su origen, hallar su verdadero hogar, así como las personas importantes en sus vidas”. Es fácil tomar una decisión equivocada y pasar una década viviendo un error. No es fácil enmendar ese tipo de errores, pero es posible. Creo que lo que la historia trata de decir, no sólo con August sino con el resto de los personajes, es que sólo cuando abres tu ser a las emociones y a las pérdidas, volviéndote vulnerable, es cuando encuentras tu camino”.

Sheridan coincide. “Recuerdo constantemente como las ideas más profundas son también las más básicas. Me enamoré de la idea central de una familia tratando de encontrarse el uno al otro a través de la música y el cómo yuxtapone dos extremos de la vida: el amor y la pérdida”. “El hilo que corre a todo lo largo de la historia, es la música”, dice Lewis. “Se integra a la historia, así como a cada personajes”.

Freddie Highmore, cuyo cumpleaños número 14 coincidió con la primera semana de filmación describe como la influencia musical es un tema establecido desde el principio para ayudar a impulsar la historia. “Incluso en el orfanato, August se siente conectado a los padres que nunca ha conocido gracias a la música que ellos también perciben en su entorno. Más adelante, cuando aprende a tocar la guitarra, comienza a expresar algo de esa música pensando que toca para sus padres. Está absolutamente convencido que es la única manera de contactarlos”.

La música como medio de comunicación es un concepto que August conoce por instinto; pero es Wizard quien articula este don por primera vez para él. Interpretado por Robin Williams, se refiere al personaje de Wizard como el mentor del pequeño August. “¿Tú sabes lo que es la música?”, le pregunta el chico. “Es una conexión armónica entre todos los seres vivos”. Con buena parte de la historia narrada a través de los cambiantes ritmos y estados de ánimo de la música, Lewis otorga un gran crédito a la habilidad del director Sheridan de “empatar el sonido con la fluidez de la cámara, de recorrer visualmente como lo hace la música, siempre volando para capturar el fugaz punto de vista de August. Kirsten aporta un toque evidente, así como pasión, imaginación y un corazón tremendo. Ha sido la colaboración más pura que he tenido con un director. Es una gran narradora de historias”.

AUGUST RUSH: EL TRIUNFO DE UN SUEÑO evoca la calidad de un cuento de hadas, pero bajado a la realidad, un balance que los realizadores luchaban por mantener “Si todo fuera mágico no podrías ver aquella parte que en verdad es trascendente, es como encimar un color en otro”. Queríamos contrastarlo con el mundo real” recalca Sheridan.

Es el principio de que la realidad supera a la ficción, como cita el escritor James V. Hart, incluso los elementos en apariencia fantásticos de August, podrían ser sustraídos de la realidad. “Un aspecto fantástico de la historia fue que mientras preparábamos el guión para la producción, un niño prodigio se inscribió en el Juilliard—Jay Greenberg, con sólo 12 años de edad. Para entonces había compuesto cinco sinfonías”. En una entrevista declaró que desconocía el origen de la música, pero que cuando llega a su cabeza la compone por completo. Se escuchaba como nuestro August.”

“Siempre me han atraído las historias que hace referencia a la magia. Es seductor porque todos queremos creer”, dice el guionista Nick Castle, quien se reúne con Hart después de su colaboración en la película HOOK, de Steven Spielberg. “Y la música es la más misteriosa de todas las artes, parece sobrepasar la conciencia de la mente y adentrarse en algo muy primitivo de nosotros. Es el medio perfecto para la magia en este tipo de filme”. “No hay efectos especiales en la película. La magia se encuentra en las actuaciones, los personajes y los descubrimientos que realizan a lo largo del camino” concluye Lewis.

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PARÍS, YO TE AMO

En París, el amor está en todas partes.

En sus bares y cafés. Bajo la Torre Eiffel. Hasta en el Metro que corre bajo sus secretos.

En PARÍS, YO TE AMO prepárate para ver la ciudad de un modo nunca imaginado.

Es París, visto a través de los ojos de alguno de los más prestigiosos directores del cine mundial.

Cada director fue invitado a contar una historia desarrollada en un barrio de la ciudad. El resultado es un calidoscopio de historias sobre la felicidad, la separación, los encuentros inesperados y por sobre todo: El amor.

Dijeron sobre la película

Natalie Portman:
“El film muestra un Paris inusual, uno que normalmente no vemos.
Quiero decir, para los que no vivimos allí.
El Faubourg Saint Denis no es un barrio turístico, no hay turistas allí, es solo donde vive la gente. Y esa es una de los más atractivas locaciones para una película: un lugar donde la gente vive sus vidas”.

Isabel Coixet:
“La Bastille es un barrio donde existe una mezcla de clases sociales, gente trabajadora, gente fashion y burgueses. Es un área que conjuga perfectamente mi idea de alejarme de la típica imagen de postal de París”.

Wes Craven:
“Cuando me dijeron que Père-Lachaise estaba disponible, me dije :“Oh! Hay un cementerio allí! Perfecto!”.
Es un lugar genial, el lugar perfecto para una película que desea dar perspectivas diversas sobre la vida”.

Walter Salles:
“En cada barrio existe un sub-mundo que raramente vemos, y eso es lo que buscamos mostrar”.

Marianne Faithfull:
“Fue increíble trabajar con Gus Van Sant, estoy fascinada con su visión del mundo. Como actriz creo que solo puedo trabajar con gente que admiro”.

Elijah Wood
“¡La idea era tan interesante. Llamé a mi agente enseguida y le dije que si, quería ser parte de esto definitivamente!”.

Sinopsis de los episodios

Montmartre: BRUNO PODALYDES
Buscando un lugar para estacionar en la calles de Montmartre, un hombre se pregunta ¿qué hay de malo en el mundo contra él qué no puede encontrar un amor verdadero? De repente una misteriosa mujer tropieza al lado de su coche. ¿Será este el amor que espera?

Quais de Seine: GURINDER CHADHA
François y dos amigos se divierten gritándole groserías a las chicas que caminan por las orillas del Sena, una hermosa joven musulmana tropieza y se cae, él corre a ayudarla y le dice a sus amigos que no se rían de la desgracia ajena. Ella continúa su camino hacia la mesquita, mientras el regresa, pero al instante se va cuenta que no puede dejar que esa chica se vaya de su vida…

Le Marais: GUS VAN SANT
Cuando Gaspar entra a una imprenta y ve a Eli, el aprendiz del imprentero, éste lo atrae inmediatamente. Con su juventud a flor de piel el joven le manifiesta su nueva y extraña sensación, ante los oídos sordos de Eli. Recién cuando Gaspar se va, éste se da cuenta de que algo especial y único ha ocurrido…

Tuileries: JOEL & ETHAN COEN
Un turista norteamericano que está mirando una guía en la estación Tuileries del Metro, ve a una joven pareja de franceses besándose apasionadamente en la plataforma de enfrente. Se da cuenta demasiado tarde que debía haber prestado atención a lo que su Guía recomendaba: “Nunca mire a nadie directamente a los ojos en los Subtes de París”. A partir de allí se inicia una hilarante comedia.

Loin du 16e: WALTER SALLES y DANIELA THOMAS
Al amanecer, una joven inmigrante deja a su bebé en una guardería antes tomar el Metro para cruzar la ciudad. Después de un largo viaje llega al lujoso 16e arrondissement, donde trabaja como baby sitter del hijo de otra mujer.

Porte de Choisy: CHRISTOPHER DOYLE
Un encuentro surreal entre un vendedor puerta a puerta y una hermosa jefa de un Salón de Belleza Chino.

Bastille: ISABEL COIXET
Un hombre se prepara para decirle a su mujer que quiere divorciarse, porque está enamorado de otra mujer. Pero antes de que llegue a hacerlo, su esposa llorando le cuenta que tiene cáncer y unos pocos meses de vida, él decide dejar todo para cuidarla. De pronto su vida cambia y se enamora por segunda vez de su mujer.

Place des Victoires: NOBUHIRO SUWA
Una mujer intenta dormir pero su descanso es interrumpido por los llantos de su hijo muerto. Ella vuelve a la plaza donde éste falleció y se encuentra con un extraño cowboy que le permite que pase un momento junto a su hijo, antes de desparecer nuevamente.

Tour Eiffel: SYLVAIN CHOMET
Un solitario mimo que incomoda a los turistas que deambulan alrededor de la Torre Eiffel, es detenido por la policía local por interrumpir la paz del lugar. En la Estación de Policía encuentra su alma gemela, una hermosa mujer mimo.

Parc Monceau: ALFONSO CUARON
Un norteamericano algo mayor llega tarde a su encuentro con una hermosa y “terca” joven francesa. Mientras caminan por el boulevard su fuerte conversación revela una íntima y complicada relación entre ellos.

Quartier des Enfants Rouges: OLIVIER ASSAYAS
Una bella actriz norteamericana que está filmando en una antigua mansión de París, comienza una relación con un misterioso vendedor local de drogas, ¿hallará la satisfacción que está buscando?

Place des Fêtes: OLIVER SCHMITZ
En el medio de Place des Fêtes hay un hombre moribundo. Sophie, una joven e inexperta médica, mientras lo atiende se da cuenta que lo que lo conoció anteriormente

Pigalle: RICHARD LAGRAVENESE
Una antigua pareja pelea por salvar su relación, en un sensual encuentro de amor en Pigalle, el distrito de las luces rojas.

Quartier de la Madeleine: VINCENZO NATALI.
Un adolescente observa como una mujer “vampiro” se alimenta de su última presa. Se siente atraído por ella, haciendo lo imposible para hacerla suya.

Père-Lachaise: WES CRAVEN
Una pareja a punto de casarse se pelea mientras atraviesan las tumbas del cementerio de Père-Lachaise. Recién con la aparición del mismísimo fantasma de Oscar Wilde la historia llega a solucionarse.

Faubourg Saint-Denis: TOM TYKWER
Una actriz norteamericana llama a su novio ciego para decirle que su relación ha terminado. En un viaje por la mente del joven se sigue la historia de la relación que los unía desde el primer encuentro. Una parábola de la percepción y el perdón.

Quartier Latin: FREDERIC AUBURTIN y GERARD DEPARDIEU
Un apuesto anciano norteamericano se reúne con su ex esposa para concretar el divorcio oficial. Sin mayores preámbulos comienzan a insultarse. Una comedia negra que revela que han quedado abiertas muchas heridas, pero que el amor entre ellos nunca morirá.

14e arrondissement: ALEXANDER PAYNE
Una turista norteamericana comienza a entenderse y aceptarse mientras camina por el 14e arrondissement, en una divertida y conmovedora conclusión de PARÍS, YO TE AMO.

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EL NOVIO DE MI MADRE

Rossie, la directora de una serie juvenil de televisión, está en plena crisis de los 40, luego de haberse separado de dos hombres que rehicieron sus vidas con mujeres más jóvenes. Su conflicto y sus dudas nacen al iniciar ella misma una relación con un hombre más joven. Rossie cree que algo saldrá mal, aunque quizás se equivoque.

La producción

Después de que NI IDEA se convirtiera en un éxito internacional y generase un aluvión de imitadoras, lanzando al mundo a la típica chica de California adinerada pero no muy inteligente…, la guionista y directora Amy Heckerling se puso manos a la obra y escribió EL NOVIO DE MI MADRE. Es la historia de Rosie, una madre soltera que trabaja como productora en la tele y se enamora de un joven actor que trabaja en su programa. No le fue difícil encontrar su fuente de inspiración: se basó en sus propias experiencias. Primero como madre soltera de una chica muy singular; segundo como alguien que ha intentado encontrar pareja en Los Ángeles después de haber cumplido los treinta; y tercero como empleada en el salvaje mundo de la televisión estadounidense.

Tras acabar el guión, del que salió una deliciosa e inteligente comedia romántica con grandes dosis de cinismo, éste fue abandonado durante seis años en el infierno de los proyectos pendientes. “El tema es el siguiente”, explica Heckerling, consciente de las dificultades iniciales del filme. “Los jóvenes siguen creyendo en la magia de los productos. Con el paso de los años, te vas dando cuenta de que esa milagrosa crema anti-arrugas no te va a solucionar la vida. Por eso, el público objetivo son siempre los jóvenes, porque los vendedores piensan que los adolescentes se creerán lo que venden, sea lo que sea. A los altos directivos de los estudios se les metió en la cabeza que la película sólo interesaría a mujeres maduras, y para ellos, las mujeres maduras son un público que tachan de ‘indiferente’ porque piensan un poco y no se lo creen todo”.

Ése hubiera sido el principio y el fin de la historia de EL NOVIO DE MI MADRE si una de las estrellas más impresionantes de Hollywood no se hubiera puesto firme. Michelle Pfeiffer leyó una copia del guión y se enamoró de la historia. Les pidió a sus agentes que buscaran un productor en cuanto se liberaran los derechos de la película. Heckerling no se anda con miramientos al hablar de su protagonista: “La película se hizo gracias a Michelle. Ella creyó en la película y luchó mucho para conseguir que se llegara a rodar. Se lo debo todo”.

El productor Philippe Martinez continúa la historia: “Un día recibí una llamada de un agente de la Creative Artists Agency y me dijo, ‘Philippe, sé que quieres producir una gran película y tengo una maravillosa que quiere hacer Michelle Pfeiffer’. Me leí el guión en dos horas, lo cual no es muy normal en mí. Me encantó, así que le llamé y le dije, ‘Quedemos con la directora’. Me pareció una de las historias más graciosas que había leído y tenía mucha fuerza y pertinencia. Irónicamente, una de las razones que empujó a Michelle a luchar tanto por la película es que hay muy pocos buenos papeles para mujeres maduras”.

Uno de los temas principales de EL NOVIO DE MI MADRE es el miedo a hacerse mayor, algo que domina la sociedad occidental, y sobre todo a Hollywood. Heckerling lo sabe muy bien, ella vive en una cultura en la que es extraño que mujeres y hombres de la misma edad salgan juntos. Dios nos libre de que una mujer mayor salga con un hombre joven…

“Estaba intentando comprender por qué un hombre de 70 años puede salir con una mujer de 40 y encima le dan una palmadita en la espalda ¡por no haberse buscado una demasiado joven!”, dice Heckerling riéndose. “Las relaciones sexuales están plagadas de factores que no entendemos. Cuando vas a una discoteca ves a jóvenes guapísimas que se sienten atraídas por ricachones tontos mucho mayores que ellas. Lo extraño es que al revés no pasa. ¿Por qué? Porque éste es el reino animal. El poder se traduce en dinero y el éxito en grandes pechos de plástico. Las cosas funcionan así, molestarse no sirve de nada”.

Este conflicto aparece personificado en la película a través del personaje de la Madre Naturaleza. “Quieres que las cosas salgan de una manera, pero sabes que el orden natural de las cosas dictará que se hagan de otra. Siempre acabas luchando contigo misma”, explica Heckerling. “Supongo que hice algo parecido en MIRA QUIEN HABLA, al utilizar a un bebé para representar la versión no-neurótica y precivilizada de los pensamientos de la madre”.

Mientras que la relación de Rosie y Adam le da el toque de romanticismo a EL NOVIO DE MI MADRE, en realidad podría decirse que el núcleo de la historia es la relación de Rosie con su hija Izzie. Esta graciosísima pareja cómica no es nada sentimental, ni empalagosa. Eso, en parte, es gracias a que Izzie está basada en Molly, la hija de Heckerling, que ahora es adulta y estudia cine en la ciudad de Nueva York.

Heckerling confiesa “Pero la verdad es que mi hija es increíblemente graciosa. Es una bendición. A lo largo de los años simplemente he ido apuntando cosas que ha dicho. Seguro que nadie se lo cree, pero era mucho más divertido jugar con ella a las Barbies que hacer cualquier otra cosa”. Su experiencia como madre ha moldeado los personajes de Rosie e Izzie, y las situaciones en las que se ven envueltas. “Una de las cosas más difíciles de tener hijos es ver que les ocurren cosas horribles –les gusta alguien en la escuela y no son correspondidos, sus compañeros de clase son desagradables– sin que tú puedas hacer nada para evitarlo” añade.

La historia de amor entre Adam y Rosie también está basada en varias experiencias de Heckerling con el sexo opuesto, ¡aunque tuvo que utilizar un poco más de imaginación! Dice: “La comedia romántica siempre muestra a gente que se enamora, porque así los espectadores sienten las emociones a través de la pantalla. He tenido varios novios: algunos eran idiotas y otros eran graciosos. Cuando te dedicas a hacer comedias románticas, sacas ideas de diferentes situaciones que en realidad fueron bastante horribles. ¡Es muy divertido darle la vuelta a algo malo para convertirlo en algo positivo!”.

Heckerling no ha restringido su ingenioso sentido del humor a las excentricidades de las relaciones entre mujeres maduras y hombres más jóvenes. También ha hurgado en el fascinante mundo en el que se desarrolla la historia de amor entre Rosie y Adam, es decir, en la industria de la televisión en Los Ángeles. El tratamiento satírico con el que presenta las maquinaciones que ocurren detrás de las cámaras durante el rodaje de un programa aparentemente abocado al fracaso se acerca peligrosamente a la realidad.

Paul Rudd está de acuerdo: “L.A. tiene unos estándares muy raros, y uno de ellos es la edad. Sé que los ejecutivos siempre están buscando guionistas jóvenes porque creen que están más en la onda de lo que está pasando y de las tendencias actuales. Para las mujeres es todavía más difícil. La ironía es que si lo comparas con la mayoría de las películas, la diferencia de edad entre Michelle Pfeiffer y yo no es tan grande. Lo que pasa es que el hombre suele ser el mayor”.

La actriz británica Sarah Alexander, que interpreta a la ayudante de Rosie, Jeannie, añade: “En Los Ángeles es absolutamente salvaje. Invierten mucho más dinero en los programas de televisión que en el Reino Unido, así que hay mucho más en juego y tienen mucha más presión. En la BBC nunca cancelarían un programa porque sí. Allí se sentarían a tomar una taza de té y una galleta y dirían lo disgustados y apenados que están”.

El resultado final es una película ingeniosa y conmovedora, definida en todo momento por el distintivo cinismo positivo de Heckerling. Si estos temas hubieran caído en manos de alguien menos inteligente, el resultado hubiera sido un película sentimentaloide o amargado, pero la directora los ha hilado finamente para crear un filme moderno, honesto y encantador.

Para que ésta se clasificara como una producción británica, EL NOVIO DE MI MADRE necesitaba gastar una gran proporción del presupuesto en el Reino Unido. Eso suponía recrear parcialmente Los Ángeles en Londres. El equipo rodó en Pinewood y en Londres durante 6 semanas y luego se trasladó a Los Ángeles para rodar 3 semanas en exteriores. “A Amy le hubiera encantado rodar íntegramente en LA porque ella vive allí”, dice Hallam-Larkin. Pero Heckerling es una conversa, el rodaje en Inglaterra le encantó. “Filmar en el Reino Unido ha sido maravilloso”, dice con entusiasmo. “Me encanta Londres, me encantan los actores ingleses y rodamos en Pinewood, (donde trabajaba Stanley Kubrick… ¡mi héroe!… era del Bronx igual que yo. Trabajar en los mismos escenarios fue alucinante”.

La productora reunió a la flor y nata de la industria británica delante y detrás de las cámaras. Uno de los ganchos principales para Heckerling fue la oportunidad de trabajar con Brian Tufano (Quadrophenia). Había intentado trabajar con él antes, pero los estudios nunca me daban suficiente presupuesto para tener un Director de fotografía británico en el proyecto… Así que me hizo mucha ilusión poder contar con él para este filme”.

Según Hallam-Larkin: “Brian Tufano no es sólo un fotógrafo, es un artesano. Es meticuloso al extremo. Leyó el guión y quiso unirse al proyecto en seguida. Amy lo admira mucho. Creo que hacen un equipo maravilloso”.

Eligiendo el reparto

En una película tan coral, era esencial que hubiera una química perfecta entre los actores principales. Michelle Pfeiffer le transmite a Rosie una comicidad impecable y un naturalismo muy fluido. “Es una actriz increíble”, dice Heckerling, muy entusiasta. “Su habilidad para trabajar con las emociones a flor de piel es impresionante, casi puedes tocarlas. También es muy graciosa, aunque ese aspecto no lo haya explotado en muchas películas. Como es tan guapa, no suele hacer papeles de ese tipo”.

Adam Perl, el joven actor que le roba el corazón a Rosie, tenía que ser un chico simpático e ingenuo, capaz de cautivar a Michelle Pfeiffer. Su relación tenía que ser totalmente creíble. También tenía que tener suficiente carisma para ganarse a la hija de Rosie en la ficción. ¡Casi nada! Paul Rudd (VIRGEN A LOS 40) colaboró con Heckerling hace diez años en NI IDEA, y fue la opción para Adam desde el principio. “La primera vez que trabajé con Paul, él no había hecho nada antes”, explica la guionista-directora. “Me la jugué con él, y me ha encantado desde entonces. Cada vez es más gracioso. Siempre intento ver sus películas y es tremendamente versátil. Por un lado, se mantiene al día, haciendo comedias desternillantes y actuales. Pero por otro, está en Broadway haciendo obras de Shakespeare. Debería ser una gran estrella. Creo que éste va a ser su año. La química entre él y Michelle es impresionante: él la provoca y ella se ríe como una adolescente”.

Por su parte, Rudd la pasó fenomenal haciendo la película. “Bueno, trabajar con Michelle fue alucinante”, dice riéndose. “¡Seamos serios! A ver, ¿quiénes suelen trabajar con ella? Jack Nicholson… Al Pacino… Sean Penn… y ahora yo. ¡Nunca me voy a acostumbrar a ello! ¡Me parece irreal! Además Amy es genial, ¡siempre consigue hacer que me sienta más gracioso de lo que soy en realidad!”.

La tercera pieza esencial de este rompecabezas era la intérprete que encarnaría a la hija de Rosie, Izzie, una atípica niña de Beverly Hills. La única manera de hacer que la película encontrara el tono satírico de la voz de Heckerling era dar con una actriz infantil que estuviera completamente al margen de los niños mimados de Hollywood. El equipo se enamoró enseguida de la pre-adolescente irlandesa Saoirse Ronan, pero en un principio creyeron que sería más acertado “jugar en casa” y buscar a una estadounidense. “Saoirse es adorable”, dice Heckerling. “En la audición hizo la prueba con acento americano. Nos dijo: ‘¿Desean que use acento australiano? ¿O neozelandés? ¿O escocés? ¿O británico? Tiene un oído increíble y mucha facilidad para los acentos. ¡Da un poco de miedo!”.

Para el papel de la Madre Naturaleza, la conciencia de Rosie, Heckerling tuvo la suerte de poder contar con su primera opción, la actriz Tracey Ullman, un genio de la comedia. “Es tan graciosa”, añade la productora Cerise Hallam-Larkin. “Al principio habíamos pensado que utilizase su acento británico, pero cuando la oímos echándole la bronca a Rosie con acento del Bronx nos pareció que el personaje tenía que ser de la Costa Este”.

A Ullman le entusiasmó trabajar en el proyecto. “Me encanta esta película porque habla de mujeres que se hacen mayores, y ése es un tema que hay que tratar, sobre todo en Estados Unidos. Tenemos que envejecer con dignidad. Hay mujeres que se han hecho tantas operaciones que ya no pueden ni mover la cara, y una piensa, ‘¿Pero qué te has hecho?’. Así que es genial que Amy haya hecho una película que trate este tema desde una perspectiva cómica. ¡Ya era hora, porque hace mucha falta!”.

A Heckerling le gusta trabajar con amigos. Escribió el papel de Brianna Minx, la neurótica actriz principal de la serie que Rosie dirige, para Stacey Dash. “El personaje tiene unos treinta y cinco años y no entiende por qué a las actrices adolescentes les va mejor que a ella. Su razonamiento es que ella fue una adolescente antes y por lo tanto no es justo”, dice Heckerling. “Brianna siente que está en su derecho y Stacey traslada sus sentimientos a la pantalla con mucha gracia”.

Dash conoce el mundo que representa la película de primera mano: “Diría que la película representa algo muy cercano a la realidad de Hollywood en lo que respecta al trato que reciben las mujeres. Se supone que deberíamos estar siempre jóvenes, delgadas y guapas, pero la verdad es que no se puede detener el tiempo. Creo que las mujeres a las que admiramos y amamos al final, las que se convierten en el modelo a seguir, son aquellas que no caen en esa trampa”. “Trabajar con Michelle Pfeiffer ha sido increíble”, dice. “Me quedaba embobada, al punto que tenía que decirme, ‘Stacey, deja de mirarla’. Había trabajado antes con Paul Rudd. Es como mi hermano, fue muy rara la escena que nos damos un beso,¡casi como incesto!”.

Otro papel crucial es Jeannie, la secretaria de Rosie y su alter ego cutre. La actriz cómica británica Sarah Alexander (STARDUST) debuta en la gran pantalla con esta película. Heckerling explica que “queríamos que Jeannie fuera similar a Rosie, pero en una versión más perversa. No sé si los espectadores se darán cuenta, quizá se quede sólo como un guiño entre los de vestuario y yo, pero Jeannie siempre aparece llevando una versión más barata de lo que Rosie vestía en escenas anteriores”.

Según Alexander: “Amy sabe lo que hace, sabe lo que busca con su humor, sabe lo que quiere sacar de cada personaje y encima te deja libertad para que interpretes, lo cual es muy importante. Es un guión cómico buenísimo con personajes cómicos maravillosos. ¡Todos nos vamos a enamorar locamente de Paul Rudd!”.

Heckerling es muy fan de la comedia británica y le encantó poder contar con tantos actores británicos para los papeles secundarios. “Incluso para los papeles muy pequeños tenemos a la flor y nata de la interpretación británica”, dice Hallam-Larkin. “Desde Mackenzie Crook de The Office hasta David Mitchell, de Peep Show. De hecho, creo que David va convertirse en una fuerza imparable en el mundo de la comedia. Además hay cameos de presentadores como Graham Norton”. Algunos de los aspectos del casting fueron difíciles. “Fue complicado dar con actores británicos que pudieran poner acento americano sin perder su capacidad cómica”, admite Hallam-Larkin. “Espero que David Mitchell me perdone por decir esto, pero la razón por la que hace de británico en la película es porque no consiguió acento americano. ¡Nos gustó tanto que queríamos trabajar con él de todas formas!”.

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