Una parte fundamental del periodo de postproducción fue la banda sonora del compositor James Horner, que combina elementos sinfónicos clásicos, que impulsan la acción épica del filme, con sonidos que nos transportan a otro mundo; éstos últimos incluyen vocalistas cantando en el idioma Na’vi de la película, así como inusuales instrumentalistas acústicos y electrónicos.

Los aficionados al cine y observadores de la música han esperado ansiosamente esta nueva colaboración entre Cameron y Horner; el trabajo de Horner en ALIENS (1986) produjo una de las mejores bandas sonoras de cine de acción en la historia del cine, y TITANIC (1997) marcó un hito en la historia del cine y de los soundtracks. Para AVATAR, Horner se reunió con Simon Franglen, su colaborador de “My Heart Will Go On”, para crear una nueva canción. “I See You” es cantada por la sensación internacional Leona Lewis, y puede ser escuchada en los créditos finales del filme. La melodía expresa la idea Na’vi de “percibir”, cuando una persona entiende con su corazón y su espíritu, y no sólo con su mente.

Una vez que entró a las etapas finales de AVATAR, Cameron estaba ansioso de compartir su visión con el mundo. Se dio a la tarea de proyectar unas escenas extendidas en importantes encuentros de exhibidores nacionales e internacionales, así como en Comic-Con, el inmenso enclave de la cultura pop. Satisfecho con la respuesta de estas primeras proyecciones, Cameron continuó afinando la edición y evaluó el trabajo final o casi final de efectos visuales que llegaba diario de WETA Digital y de otras productoras de efectos visuales (incluyendo ILM, Framestore, Prime Focus, Hybride y hy*drau”lx), todas para hacer de AVATAR una experiencia única para los cinéfilos. “Jim no hace las películas para él”, comenta Jon Landau. “Las hace para el público”. Cameron añade: “Realmente quiero que el público tenga una experiencia cinematográfica completamente satisfactoria. Y espero que las audiencias salgan del cine diciendo, ‘No vi una película; viví una película”.

Fuente: 20th Century Fox

• Ficha y trailer de la película

Los realizadores reclutaron a un equipo de artistas de talla mundial para diseñar cada personaje, criatura, planta, vestuario, arma, vehículo y ambiente en AVATAR. Crearon no una cultura, sino dos: la sumamente tecnológica colonia humana con todos sus vehículos y armas, y la sociedad Na’vi.

Así como hizo con los personajes, Cameron creó Pandora para que fuera reconocible sin que perdiera sus cualidades exóticas, nunca antes vistas. Es un mundo que fusiona lo clásico con lo familiar. “Queríamos evitar que la flora y la fauna fuera parecida a la de la Tierra, lo suficiente para recordarte que estás en otro mundo, pero al mismo tiempo, que las encuentres accesibles”, comenta Cameron.

Árboles que miden más de 300 m y montañas que de alguna manera flotan, están entre los hitos que generan admiración por su imaginación y campo de acción —pero cuyos diseños provienen de estructuras familiares para todos.

“James Cameron no solamente creó y realizó un largometraje que se desarrolla en un mundo distante; fue como si de hecho hubiera viajado allá, tomado cuantiosas anotaciones, después regresado y puesto en papel cada detalle que absorbió, y después en cine”, comenta el diseñador de producción Rick Carter.

Esa fue la impresión que el afamado cineasta dejó en los jefes de sus departamentos, reparto, y simplemente todo aquel que trabajó en AVATAR. Al colaborar con muchos de los mejores artistas de la industria, Cameron supervisó el arte conceptual, los sets virtuales y los sets prácticos. Inspeccionó cada detalle de diseño de AVATAR —cada criatura, cada brizna de hierba, árbol, montaña, nube, vehículo y atuendo.

“Creo que Jim terminó AVATAR hace mucho tiempo en su mente”, dice el co-diseñador de producción Robert Stromberg, quien supervisó gran parte del diseño de Pandora. “Nos los trajo para recrearlo”. Rick añade, “Fue difícil mantenerle el paso a Jim porque estaba presentando un mundo que ya había visto, y no solamente inventado. Lo había visto y nos estaba haciendo el reporte al respecto. Jim explicaba sus ideas de diseño con tanto detalle que pensabas que estos animales ficticios existían en realidad. Eso te da una idea de la cantidad de atención que le puso a cada uno de los animales e insectos. Sabía que comían, cómo dormían y qué tanto interactuaban uno con el otro”.

Cameron, Stromberg, Carter y sus equipos planteaban con regularidad una pregunta clave— “¿Funcionará [el diseño]?”. El objetivo de los realizadores era que el público negara sus creencias, y reconociera e identificara lo que estaba viendo en pantalla.

Jake llega a la base humana militar y científica, Hell’s Gate, un cicatriz tallada por el hombre en medio de este mundo virgen. Como Jake descubre pronto, la selva tropical afuera de Hell’s Gate es rica en flora y fauna exóticas, así como en una feroz vida salvaje. Pandora es, como Cameron describe, “el Jardín del Edén con dientes y garras”.

Hay muchos clanes Na’vi esparcidos por Pandora, pero aquel que llega a conocer Jake es el Clan Omaticaya, que ha vivido durante 10 mil años adentro del Árbol Natal de 300 m de altura. El clan Omaticaya usa los diferentes niveles de la estructura interior del árbol como su pueblo. La jerarquía social de los Omaticaya está definida claramente, con Eytukan, el “Olo’eyctan” o líder del clan, a la cabeza. Eytukan resulta ser el padre de Neytiri, y su madre Mo’at, comparte el poder como la “Tsahik” o chamán del clan. Tus’tey, un cazador fuerte y arrogante, es el siguiente en la línea para el puesto de Olo’eyctan, y está comprometido con Neytiri para un matrimonio arreglado.

Las múltiples maravillas de Pandora incluyen la cadena neural del mundo, a través de la cual toda su vida vegetal y animal está conectada. Similar a un sistema nervioso humano, esta cadena permite que toda la vida en Pandora funcione como un sistema armonioso particular. El centro de esta cadena —y el corazón y cerebro de la luna— es un inmenso, retorcido y antiguo sauce que es el epicentro de los Na’vi, una extensión de su elemento vital, y lugar de regeneración y conocimiento. Este “Árbol de Almas” está situado al centro del campo magnético más poderoso de Pandora, el Flux Vortex. Hace muchos eones el campo invisible creó las inusuales formaciones geológicas de arcos que forman arcoíris de piedra, sobre una profunda caldera, con un Árbol de Almas en el centro.

Viviendo en medio de estos ambientes increíbles existen incontables criaturas, algunas de las cuales fueron creadas por el equipo de diseño de AVATAR, bajo la supervisión de Neville Page, con otros diseños del equipo de John Rosengrant en los Estudios Stan Winston. La más temerosa criatura de Pandora es Thanator. “El Thanator se podría comer a un T-Rex y de postre a un Alien”, comenta el realizador. “Es la pantera del infierno”. Después están los Viperlobos, que Cameron describe como “sin pelo con piel brillante, que se ve como una armadura traslapada. Lo más perturbador son sus patas, que son como manos coriáceas”.

Una criatura alada conocida como Banshee es una figura clave en el viaje de Jake; en un rito de paso de los Na’vi, Jake deberá dominar y montar una banshee para asumir un puesto legítimo en el clan de la comunidad. Los riesgos de la prueba aumentan todavía más por el hecho de que la banshee que más lo quiere matar es aquella a la que “eligen” para que sea capturada por él.

Los Direhorses de Pandora, como el nombre sugiere, se asemejan en algunas formas a los caballos de la tierra —pero con varias adiciones importantes concebidas y diseñadas por los Estudios Stan Winston y Cameron, quien describe al animal como un “extraterrestre Clydesdale de seis patas con antenas parecidas a las de una mariposa nocturna”.

La diversa reserva de animales salvajes de Pandora también incluye al Hexapede, un animal parecido al venado; el feroz Hammerhead Titanothere, un herbívoro malhumorado parecido al rinoceronte con una cabeza semejante a un mazo; y el Leonopteryx, el rey depredador del cielo, con rayas escarlata, amarillas y negras, con una envergadura de 24 metros. Una especie más pequeña y amable de Pandora es el Woodsprite, similar a una medusa, que agita zarcillos sedosos para moverse con elegancia a través del aire nocturno. Llamados Atokirina por los Na’vi, son de hecho semillas del sagrado “Árbol de Voces”, de Utraya Mokri, y, por lo tanto, una parte importante del “alma” de la selva tropical. Cuando se posan sobre Jake, Neytiri interpreta esto como una importante señal, y las cosas toman un giro inesperado.

El ganador del Premio de la Academia Richard Taylor y su equipo en el Taller de WETA diseñaron utilería y armas tanto para los Na’vi como para los sumamente armados miembros de la RDA. Mientras que el afamado artista TyRuben Ellingson diseñó muchos de los vehículos utilizados por las fuerzas militares en Hell’s Gate —y que figuran prominentemente en una batalla épica del tercer acto, entre las máquinas y las banshee, y los despiadados soldados contra los guerreros Na’vi.

El Traje AMP (Amplified Mobility Platform – Plataforma de Movilidad Amplificada) “amplifica” los movimientos de su operador humano. Los trajes AMP y sus soldados ocupantes son transportados por lo que quizás sea la aeronave más mortífera de la RDA —el C-21 Dragon Gunship. La gigante aeronave de rotor se asemeja a un insecto depredador y tiene múltiples doseles. Casi tan destructivo es el AT-99 Scorpion Gunship, una aeronave militar de ataque, de alta velocidad y sumamente maniobrable. Y en un mundo donde no hay pistas de aterrizaje, estas aeronaves de rotor inclinado tienen la importante capacidad para despegar y aterrizar de manera vertical. Si bien los vehículos aéreos militares en AVATAR son aeronaves de rotor futuristas, la intención era que parecieran tan familiares como los helicópteros de combate Huey de la época de Vietnam, para consolidar al público dentro de un intenso sentido de realidad.

El vehículo más grande de AVATAR, de más de un kilómetro de largo, es el ISV Venture Star, una nave interestelar que transporta personal de RDA —incluyendo a Jake— a Pandora. Sus motores antimateria la propulsan al 70% de la velocidad de la luz, pero el viaje a Pandora, no obstante, les lleva casi seis años, tiempo durante el cual los pasajeros son congelados en animación criogénica suspendida. Para llegar a la superficie del planeta desde la órbita, los recién llegados abordan el Valkyrie TAV (Trans-Atmospheric Vehicle – Vehículo Trans-Atmosférico), un descendiente distante del transbordador espacial.

El vestuario diseñado por Mayes C. Rubeo y Deborah L. Scott proporcionó una entrada más a la cultura Na’vi. Si bien muchos de los vestuarios y accesorios son usados por las creaciones en las gráficas por computadora, los artículos fueron creados para fines prácticos, para comunicar de mejor manera las sutilezas de las texturas del guardarropa, los estilos de tejido y la traslucidez de la joyería. Lo práctico y cómodo fue lo que definió la ropa de los Na’vi, para reflejar la elegancia y belleza de la gente indígena de Na’vi.

El trabajo del director de fotografía Mauro Fiore, se centró en la creación de un aspecto áspero para el complejo industrial de Hell’s Gate. “Lo que estaban obteniendo en la captura de actuación y lo que yo estaba creando en las secuencias de acción en vivo, necesitaban existir de manera cohesiva en una sola película”, comenta Fiore, quien también fotografió EL REINO y SMOKIN’ ACES. Fiore apreció el sistema de cámara Fusion 3D, y después de incontables pruebas, abordó la filmación de la acción en vivo con estilo y precisión. Las imágenes resultantes se mezclaron de manera imperceptible con las imágenes generadas por computadora creadas por WETA Digital e ILM.

La mayor parte de las escenas de acción en vivo de AVATAR fueron filmadas en Wellington, Nueva Zelanda, donde se construyeron inmensos sets. Este esfuerzo fue una misión increíble; la producción creó una inmensa subestructura de más de 150 contratistas para construir los sets. Los sets incluían el Link Room, que alberga el eslabón tipo sarcófago que transporta la consciencia de los humanos a sus cuerpos avatares; el Bio-Lab, una instalación científica y hogar de los tanques amnio que albergan los cuerpos avatar que han alcanzado la adultez durante su viaje de seis años de la Tierra a Pandora; el Ops Center, que es el sistema nervioso central de la base de Hell’s Gate; y la fortaleza militar Armor Bay, hogar de los Trajes AMP y los helicópteros.

En todos los ambientes de AVATAR, Cameron crea una experiencia envolvente en la que el público sentirá como si estuviera a un lado de los personajes en sus aventuras. Desde hace mucho tiempo, él y Landau han sido partidarios del cine en 3D y han trabajado incansablemente para utilizar ese formato para incrementar las cualidades envolventes del filme. Pero señalan que su intención es que AVATAR también sea una experiencia envolvente en 2-D, y la película se exhibirá ampliamente en ese formato.

“Jim y yo hemos estado compartiendo nuestra pasión por la 3-D con los distribuidores, exhibidores y público de todo el mundo”, comenta Landau. “Sentimos que un renacimiento de la 3-D ha llegado finalmente. Vivimos nuestras vidas en 3-D, así que por qué no experimentar las películas de la misma manera. Dicho esto, ya sea en 2-D o en 3-D, sentirás como si hubieras estado en un mundo distante y caminado entre sus habitantes”.

Muchas de las primeras películas en 3-D usaban el formato como un “chiste” o un efecto por cuenta propia —aventando objetos al público o acomodando personajes o utilería que parecía que se iba a salir de la pantalla al cine. Para Cameron, la 3-D es una ventana a un mundo, en la que el formato, en vez de que llame la atención por sí mismo, debe desaparecer en la narrativa.

Conforme desarrollaba AVATAR, Cameron se puso a trabajar en un Nuevo sistema de cámara digital en 3-D, que desarrolló con su socio Vince Pace, de Pace Technologies, utilizando tecnología Sony Fujinon HD. Pero antes de que AVATAR se convirtiera en realidad, el objetivo de Cameron con la nueva cámara digital en 3-D era traer de regreso la experiencia de la exploración en alta mar con una claridad sin precedentes para una audiencia mundial. Su exploración histórica del interior del Titanic fue tema de la película IMAX en 3-D GHOSTS OF THE ABYSS, seguida de ALIENS OF THE DEEP, ambas de Cameron.

Las experiencias de Cameron en estos filmes no solamente provocaron que su visión para la presentación tridimensional de AVATAR fuera hacia adelante, sino que también aportó uno de los elementos emblemáticos del filme en cuanto a diseño e iluminación: en el fondo del océano Cameron presenció una fenómeno en el que ciertas formas de vida brillaban literalmente con una luz casi etérea en medio de la persistente oscuridad. Cameron aplicó esta “bioluminiscencia” al ambiente de Pandora, que cobra vida por la noche gracias a este perturbador resplandor.

• Ficha y trailer de la película

La discapacidad, tenacidad y valentía de Jake lo hace una figura inmediatamente reconocible y relevante. “Es un hombre ordinario con una resonancia emocional con el que se podrá sentir identificado el público”, comenta Landau.

Jake es reclutado por la RDA para que viaje a Pandora a reemplazar a su genéticamente idéntico hermano gemelo; un científico joven que se entrenó para la misión, pero que falleció tan sólo unos días antes de partir de la Tierra. Jake no es científico, pero su DNA lo hace singularmente calificado, dado que el DNA de su hermano fue combinado con aquel de los indígenas Na’vi, de Pandora, para crear un híbrido Na’vi humano…o avatar. Ahora, solamente Jake puede “manejar”, u operar telepáticamente, lo que alguna vez fue el avatar de su hermano. A través de su cuerpo Avatar, a Jake se le delega un propósito nuevo, nuevos retos y una aventura que lo llevará a sus límites —y más allá. El actor Sam Worthington comenta: “Pandora le da la oportunidad a Jake de encontrarse a sí mismo, de reconocer su potencial y de entender a través de sus decisiones que se puede convertir en un mejor hombre”.

Jake es un personaje fértil y complejo con una rara combinación de pasión, fuerza, ingenio y espíritu. Es un papel que requiere mucho de un actor —un hecho que Cameron reconoció cuando él, Landau y la directora de casting Margery Simkin comenzaron su búsqueda por el actor que le fuera a dar vida al papel. “El meollo con respecto a Jake no fue escribir el personaje”, comenta Cameron. “El meollo fue encontrar al tipo que lo interpretara”.

Después de pasar meses en búsqueda de actores en los EE.UU. y Europa, Simkin le avisó a Cameron que había encontrado a un candidato…en Australia. Sam Worthington, Simkin le dijo al realizador, “tenía una cualidad visceral y le haría al público creer en su capacidad de liderazgo. Su ojos tenían una inteligencia e intensidad que nunca vacilaban”.

Intrigados, los realizadores le ofrecieron a Worthington un audición, pero al principio estaba escéptico debido a la privacidad que rodeaba al proyecto y a los limitados detalles acerca del personaje de Jake que le ofrecieron a Worthington en aquel entonces. “Recibí una llamada para hacer esta audición, pero no me dijeron nada acerca del guión o incluso quién era el director”, recuerda Worthington. “Y pensé, ‘Bueno, aquí va otra pérdida de mi tiempo’. Entonces, una semana después, recibí otra llamada…‘Mira, James Cameron quiere traerte a Los Ángeles para que le hagas una audición a él’. Y dije, ‘Sí, ¿pero para qué?”.

Desde luego, la audición fue para AVATAR y un papel que Worthington llegaría a apreciar. Pero incluso después de que Cameron lo puso al tanto con la historia y el personaje de Jake, además de haber añadido una pregunta intrigante para completar el planteamiento que le hizo al actor —“¿Estás listo para comenzar la aventura?”—, Worthington tenía una prioridad terrenal que cumplir antes de iniciar su viaje a Pandora. “Le dije a Jim que sí, que por supuesto me iba a unir a él en la aventura —pero primero tenía que arreglar los frenos de mi coche”.

Para Cameron y Landau, Worthington valió la pena la espera. “Creo que una de las cosas más difíciles de encontrar en un actor de la edad de Sam es una combinación de sensibilidad, vulnerabilidad y fuerza, y Sam las tiene todas”, comenta Landau.

La innata audacia de Worthington no solamente le ayudó a captar el espíritu y valentía de Jake, sino que también fue visto con buenos ojos por su director, una figura imponente por derecho propio. “Me tomo mi trabajo muy seriamente, así como Jim se toma su trabajo seriamente”, comenta Worthington. “Ambos venimos a trabajar queriendo dar todo lo que tenemos”.

Mientras mucho de los actores, incluyendo Worthington, recibieron un entrenamiento físico y de armas, Worthington estaba más interesado en la preparación mental para interpretar a Jake. “No quería que mi preparación fuera como un campo de entrenamiento”, comenta. “Cualquiera puede hacer lagartijas. Me la pasé con el hermano de Jim, John David, un ex infante de marina. Para mí es más acerca de capturar la manera en cómo estos infantes ven el mundo —y cómo su entrenamiento los puede hacer pensar que son imparables”.

El primer encuentro de Jake con la indígena Na’vi de Pandora resulta ser crucial, ya que trae consigo un destello emocional inesperado, así como acción y aventuras de alto riesgo. Mientras explora la frondosa selva tropical de la luna, Jake es atacado por algunos de sus animales más mortíferos. Mientras enfrenta cierta muerte, Jake es rescatado por Neytiri, una cazadora intrépida y bella, y miembro del cercano Clan Omaticaya. Su encuentro está cargado de emociones fuertes, tanto negativas como positivas, y finalmente de un vínculo que ninguno de los dos pudo haber anticipado. “La primera cosa que Jake nota acerca de Neytiri es que es sumamente atractiva”, dice entre risas Sam Worthington. “Después comienza a percatarse que es una mujer fuerte e independiente, que lo puede ayudar a ser una mejor persona”.

La primera impresión de Neytiri de Jake no es una favorable; de hecho, es todo lo contrario. Incluso como avatar, Jake representa para Neytiri la mentalidad imperialista de los humanos, que amenaza la mismísima existencia de los Na’vi. Para salvar la vida de Jake, ha tenido que matar viperlobos, cuya brutalidad los hace nada menos que una parte integral del ecosistema del planeta, con el que los Na’vi tienen un fuerte vínculo. “Neytiri, al igual que su gente, no entiende las maneras y métodos de los humanos, y la misión de la crueldad humana”, comenta Zoë Saldana, quien interpreta a Neytiri. “Los Na’vi también no pueden entender cómo los humanos maltratan el medio ambiente, que para los Na’vi es sagrado”.

“En mi mente, Neytiri y su gente representan la mejor parte de nosotros en cuanto a la manera en como viven en su mundo —en simbiosis, empatía y armonía”, añade Cameron. “Esto es algo a lo que todos nosotros deberíamos aspirar. Para lograrlo, creo que la historia conmemora un vínculo con el medio ambiente, quizás en una época en la que hemos perdido contacto con él”.

Los dones instintivos de Neytiri le permiten ver más allá de la aspereza de Jake. “Ve algo en Jake que le atrae”, comenta Saldana. “Desde luego, al principio, lo odio completamente, pero sus sentimientos se tornan más complejos, situación que la confunde y obliga a tomar las decisiones más importantes de su vida”.

El personaje de Neytiri apunta hacia el interés de Cameron por crear personajes femeninos fuertes, y Neytiri pasa a formar parte de las previas heroínas icónicas de Cameron, como Ellen Ripley (interpretada por Sigourney Weaver, cuya actuación se volvió un modelo para heroínas de acción —y quien se reúne con Cameron en AVATAR después de más de veinte años desde su memorable colaboración) en ALIENS, Sarah Connor de TERMINATOR (y T2), Rose DeWitt Bukater de TITANIC, Lindsay Brigman de EL SECRETO DEL ABISMO y Helen Tasker de MENTIRAS VERDADERAS. Ninguno de estos personajes puede ser reducido a ser simplemente un interés amoroso, y Neytiri sigue esa fascinante tradición, en la que combina fuerza, gracia, capacidad atlética, belleza, sexualidad, vulnerabilidad y claridad emocional. “Zoë captó todo aspecto del personaje que imaginé”, indica Cameron, quien admiró especialmente su “combinación de delicadeza y ferocidad, así como su increíble destreza física”, desarrollada a través de años de practicar danza profesional.

“Neytiri fue el papel físicamente más exigente que haya hecho jamás, y entrené durante meses antes de que diera inicio la producción para capturar la gracia y poder del personaje”, comenta Saldana. “Quería incorporar mi cuerpo a un personaje, y AVATAR fue una oportunidad increíble para hacerlo”. ¿La reacción de Saldana en cuanto al procesamiento de las gráficas por computadora del personaje de Neytiri? “Le agradecí a Jim. Neytiri es sexy, espigada y delgada. ¡Y la actuación fui toda yo!”.

El régimen de entrenamiento de Saldana durante la preproducción incluyó la equitación, artes marciales, arquería y el estudio y la práctica del movimiento. Además, ella y otros miembros importantes del reparto viajaron con Cameron a Hawái, que hizo las veces del ambiente que había imaginado para Pandora. “Tuvimos que vivir sin tecnología, herramientas y comodidades sofisticadas”, Saldana recuerda. “Estuve casi desnuda durante tres días, escarbando y escalando y llena de lodo, como una rata muerta”, dice entre risas. “Extrañaba las comodidades cotidianas, y decía, ‘No puedo lidiar con esto’. Y Jim decía, ‘Oh, vamos Neytiri, ¡aguántalo!”.

Una vez que el reparto y los realizadores llegaron al foro donde se iba a capturar la actuación, en Los Ángeles, Saldana estaba agradecida por haber experimentado la aventura hawaiana. “En este foro vacío, que no tenía set alguno, teníamos que actuar como si estuviéramos en el lodo, el agua, la humedad, los árboles y la altura de Pandora —todo”, comenta Saldana. “Estar en Hawái nos dio una marca mental que nos servía de base cuando teníamos que simular un acción en un foro virtual”.

Otra mujer en la nueva vida de Jake en Pandora es Grace Augustine, una científica que dirige el Programa Avatar. Un botanista calificada, Grace ha vivido en Pandora durante quince años, después de haber dejado la Tierra hace mucho tiempo debido a que la sobrepoblación y la devastación ecológica del planeta ha hecho que ya no haya biodiversidad digna de estudiar. En Pandora, Grace va y viene entre su trabajo científico en la base humana, Hell’s Gate, y su trabajo de campo como avatar en la selva tropical de Pandora. “Grace está intentando crear un puente de confianza con los Na’vi, pero los soldados en la base no dejan de sabotearla en su intento”, comenta Sigourney Weaver, quien interpreta a Grace. “Grace ama Pandora y a los Na’vi con todo su corazón, y espera poder protegerlos de alguna manera de las fuerzas de la Tierra industrial”.

Grace no está satisfecha con la llegada de Jake a Pandora para unirse al Programa Avatar. No siente que esté preparado, por no decir totalmente inexperto, para formar parte de un equipo científico elite. “Grace está lívida de que Jake se convierta en avatar”, comenta Weaver. “Está pensando, ‘¡¿Está aquí porque hacía juego?!’, haciendo referencia a la compatibilidad de su DNA con el del ex “conductor” avatar, el fallecido hermano científico de Jake.

Grace termina por cambiar de parecer con respecto a Jake, quien impresiona a su nueva jefa gracias al creciente afecto y respeto que comienza a sentir por los Na’vi. Weaver disfrutó haber interpretado la dinámica Jake-Grace al lado de Sam Worthington, a quien ve como un nuevo héroe de acción —y más. Y, Weaver —por siempre querida por su papel como Ellen Ripley de la serie de películas de “Alien”— sabe obviamente una o dos cosas acerca de iconos de películas de acción. “Es difícil interpretar héroes de acción”, explica. “Tienes que ser muy específico con respecto a tu propuesta. La gente piensa que las películas de acción son todas acerca del aspecto físico; no lo son. Al mismo tiempo, debes de tener las otras ‘vidas’ en desarrollo. Tienes que dotar al personaje con tanta especificidad. Vi a Sam hacer todo eso en AVATAR”.

El compañero repudiado por Augustine es el Coronel Miles Quaritch, jefe de seguridad de la base humana de Pandora. La misión de Quaritch es facilitar el objetivo de RDA para minar Pandora —y no ganarse el corazón y la razón de los Na’vi. Le tiene animadversión al Programa Avatar porque va en contra de su misión, que es proteger a los humanos que viven y trabajan en Pandora.

Quaritch tiene cualidades que son menos que admirables, pero el actor Stephen Lang dice que encontró muchas cosas que admirar —e incluso lástima— en su personaje. “Quaritch tiene un sentido del deber y la disciplina y eso me atrajo”, comenta Lang, quien a principios de este año interpretó a un agente del FBI de la época de la depresión en “Public Enemies”. “Es un líder capaz de la línea de frente; nadie duda de sus habilidades”. Pero, ¿eso lo hace un villano? “Bueno, ciertamente no es un hipócrita. Quaritch es lo que ves.

“Quaritch me pareció un tipo conmovedor por sus carencias —que su alma estaba en tal estado de caos y decrepitud. Para él es algo triste estar en un auténtico Edén y, aún así, ser incapaz de entenderlo. Creo que para mucha gente que ha experimentado las tribulaciones y angustias de la guerra puede ser alguien con el que se puedan identificar”.

Otro humano capaz y férreo en Hell’s Gate es Trudy Chacón, una piloto de avión de rotor inclinado a quien le encargan la transportación tanto de humanos como de avatares de la base a sitios científicos en la selva. Pero, a diferencia de Quaritch, Trudy es agradable, tranquila y definitivamente nada parecida a los otros soldados. “Básicamente, Trudy se encarga del cuidado de los científicos en el Programa Avatar, al llevarlos de ida y vuelta del laboratorio a sus labores en el país”, comenta Michelle Rodríguez, quien interpreta el papel —otra gran heroína de acción de James Cameron.

Rodríguez, quien llamó la atención gracias a su primer papel cinematográfico, en el aclamado drama independiente “Girlfight”, aprecia la habilidad de Cameron para escribir grandes personajes femeninos, así como sus percepciones acerca de la actuación y los actores. “Creo que Jim tiene realmente la habilidad de ver a través de la gente”, comenta Rodríguez. “Entiende a la gente por lo que es y por quienes son realmente”.

Norm Spellman, otro científico / avatar en el Programa, fue el niño de oro del proyecto, después de haber trabajado y estudiado cinco años para su viaje a Pandora. Pero eso cambia cuando Jake llega. “Norm es una persona muy leída, pero dista de tener las habilidades de liderazgo innatas que tiene Jake”, comenta Joel David Moore, quien interpreta a Norm y cuyos múltiples créditos incluyen la exitosa comedia DODGEBALL. “Norm está resentido y celoso de Jake, pero al igual que muchos en Pandora, llega a admirar a Jake y sentirse inspirado por él” De hecho, la llegada de Jake provoca un viaje nuevo y dramático para Norm.

Parker Selfridge, el inteligente, dinámico y carismático administrador de la estación, quien está concentrado en el éxito de los procedimientos de RDA en Pandora, es quien se encarga de vigilar atentamente la operación de la mina, a los científicos y todas las actividades en Hell’s Gate. Giovanni Ribisi (ENEMIGOS PÚBLICOS, PERDIDOS EN TOKIO) dice que Selfridge es “tranquilo y despiadado, en busca de sus objetivos. Es un administrador, pero tiene mucha arrogancia y se considera más un Director General o presidente corporativo”. Pero incluso un tipo de ejecutivo insensible como Selfridge, quien dice que “la única cosa que los accionistas de RDA odian más que publicaciones negativas de la prensa, es una utilidad mensual negativa”, puede sufrir cambios que alteren su vida en Pandora.

Otros papeles importantes en AVATAR son interpretados por CCH Pounder (The Shield), como Mo’at, la matriarca Na’vi, cuya autoridad y dignidad es respetada por su gente; Wes Studi (EL ÚLTIMO DE LOS MOHICANOS), como Eytukan, el líder del clan Na’vi, una presencia estricta y dominante quien sirve de sustento de los Na’vi y los protege de posibles daños; Laz Alonso como Tsu’tey, el cazador más consumado del clan, quien desafía constantemente a Jake a lo largo del viaje de éste en Pandora; Dileep Rao (ARRÁSTRAME AL INFIERNO) como el Dr. Max Patel, un científico del Programa Avatar; y Matt Gerald (TERMINATOR 3) como el Cabo Lyle Wainfleet, un cruel agente Secops, quien representa la aversión de los humanos por los Na’vi.

El ilustre Dr. Paul Frommer, quien trabajó con Cameron para diseñar un idioma completamente nuevo para los Na’vi, le añade dimensiones a ciertos aspectos en las actuaciones de los actores; así como Terry Notary, un ex miembro de Cirque du Soleil, y la afamada coreógrafa Lula Washington, quien ayudó a crear respectivamente los movimientos de los Na’vi y la coreografía de los bailarines Na’vi.

Al igual que con la mayoría de los aspectos de AVATAR, el idioma Na’vi mezcla lo completamente original con lo familiar y cercano. Frommer, un profesor en la USC, explica: “Los Na’vi tienen limitaciones acústicas similares a las de los humanos, lo que le permite a los científicos Avatar aprender y hablar [el idioma Na’vi]”.

A principios del proceso, Cameron le proporcionó a Frommer los tipos de sonidos que el realizador tenía en mente para los Na’vi. Frommer después diseñó una paleta lingüística. “Se trató de brindarle a Jim posibilidades y opciones”, comenta Frommer. “Algunos sonidos le gustaron; otros no. Después aislamos las propiedades estructurales del idioma, las reglas de pronunciación y cómo las palabras eran construidas”.

Este complejo trabajo resultó en la creación de un vocabulario de más de mil palabras, así como una estructura y gramática específica, que fueron aprendidas todas por los actores de manera hábil y veloz. El reparto también trabajó de manera intensa con la instructora de idiomas Carla Meyer para afinar el dialecto del lenguaje inventado.

Los retos lingüísticos de Sam Worthington se intensificaron por el hecho de que el oriundo de Australia no sólo tenía que aprender un nuevo idioma; tenía que adquirir un acento americano. “Fue como aprender dos idiomas”, comenta Worthington. “Y déjame decirte: ¡el [idioma] Na’vi fue más fácil que el acento norteamericano!”

“Me pasé de menos dos horas al día trabajando en el acento americano y aprendiendo el idioma Na’vi”, continúa Worthington. “Trabajé para desglosar fonéticamente el idioma, para que no sonara como si estuviera actuando a través de una malla”. Worthington señala que la comprensión de Jake del idioma Na’vi es un trabajo en proceso a lo largo de la historia, lo que permitía o incluso requería la ocasional falla lingüística.

A Zoë Saldana y Laz Alonso, que hablan español con fluidez, les pareció más fácil aprender el idioma Na’vi, después de haber terminado AVATAR como probablemente los únicos actores trilingües en el mundo que hablan fluidamente…Na’vi. Pero quizás el que más se divirtió con el idioma nuevo fue el equipo de producción de la película, que adoptó palabras Na’vi específicas —skowng, que significa “imbécil”, fue una de las favoritas— para bromear juguetonamente entre ellos.

Los cursos de danza y movimiento también les permitieron a los actores sumergirse todavía más en sus personajes. La coreógrafa del baile Na’vi Lula Washington, directora artística del Lula Washington Dance Theater (Teatro de Danza de Lula Washington), señala que los nativos de Pandora se festejan a ellos mismos a través de la danza. “Es una raza elegante y orgullosa que adora su tierra. En ese sentido, están muy arraigados a nuestras culturas aborígenes”. Los bailarines de la compañía de Lula pasaron a formar parte del reparto, como miembros del clan Omaticaya, y su movimiento elegante y exacerbado puede ser visto a lo largo de la película.

Terry Notary creó movimientos inspirado en culturas indígenas, así como en animales como gatos y primates. Notary explica: “Trabajamos para contestar preguntas como, ¿Cómo se tocarían los Na’vi? ¿Cómo se alcanzaría uno al otro? ¿Cómo se moverían cuando están felices? y, ¿Cómo usarían su cola?”.

• Ficha y trailer de la película

“Los actores me preguntan si los estamos intentando remplazar”, comenta Cameron. “Todo lo contrario, estamos intentando darles poder, darles nuevos métodos de expresión y de crear personajes sin limitaciones. No quiero reemplazar a los actores; me encanta trabajar con ellos. Es lo que hago como director. Lo que estamos intentando reemplazar son las cinco horas en la silla de maquillaje, que es como solías crear personajes como extraterrestres, hombres lobo, brujas, demonios y así. Ahora puedes ser quien quieras o lo que quieras, a cualquier edad, incluso cambiar de sexo, y sin el tiempo e incomodidad de un maquillaje complejo”.

Saldana entrenó durante meses para crear una realidad física para su personaje, de tal forma que pudiera expresar cabalmente la gracia atlética natural de Neytiri. Sabía que esto no solo consistía en la interpretación de una voz para una típica película animada, sino, en cambio, una “actuación total”, y de que cada matiz de su expresividad facial y su movimiento corporal sería capturado.

Cameron y los actores trabajaron conjuntamente en el Volumen durante más de un año, de manera intermitente. Fue una relación laboral tan intensa como haber trabajado en un set durante un rodaje, excepto que no había luces, cámaras o rieles para dolly. Fue actuación pura. Y esto les permitió a todos enfocarse realmente en la actuación, en la verdad emocional de cada momento, sin todas las distracciones de la fotografía. Tanto el director como los actores estaban fascinados con el proceso, y disfrutaron la relación y el enfoque que la captura de actuación permitió. Pero no fue sino hasta que Cameron y su reparto vieron las primeras escenas terminadas, a su regreso de WETA, que se percataron completamente cuán revolucionaria iba a ser esta película. Neytiri, Jake y Grace estaban vivos.

Con AVATAR fue primordial lograr una autenticidad absoluta de actuación para toda la diversidad de personajes. Los personajes generados por computadora en AVATAR serían, comenta Landau, “reales, expresivos y emotivos”. Cameron añade: “Cada matiz y momento de actuación fue creado por los actores, quienes hacen todas las cosas que ves en sus personajes generados por computadora en el filme, hasta el más mínimo gesto con la mano. Estos personajes SON precisa y únicamente lo que los actores crearon”.

AVATAR va un paso más allá, al situar a estos personajes fotorealistas en un mundo que también es generado por computadora, pero que parece completamente real. Cada planta, cada árbol, cada piedra es creada y procesada en las computadoras de WETA Digital, en Nueva Zelanda. Innovaciones significantes en iluminación, sombras y rendering le permitieron a WETA crear un mundo fotoreal que era desconocido en detalles, pero que para el ojo humano parece algo completamente natural. WETA requirió más de un Petabyte (mil terabytes) de almacenaje digital para todas las “propiedades” generadas por computadora del filme…las innumerables plantas y animales, insectos, piedras, montañas y nubes. Para ponerlo en perspectiva, TITANIC requirió de 2 terabytes para crear (y hundir) el trasatlántico y sus miles de pasajeros, aproximadamente 1/500 parte de la cantidad utilizada para AVATAR.

Además de toda esta complejidad, AVATAR fue realizada en 3D estereoscópico. Así que no solamente WETA necesitó trabajar en 3D para crear sus escenas generadas por computadora (como también lo hicieron las otras compañías de efectos, como ILM), sino que también las escenas de acción en vivo necesitaban también filmarse en 3D. Para tal efecto, Cameron usó el Sistema Fusion Camera, que había desarrollado de manera conjunta con Vince Pace. Les llevó siete años de desarrollo crear el sistema Fusion, que es el sistema de cámara estereoscópico más avanzado del mundo. Las cámaras funcionaron perfectamente en el set de AVATAR, permitiendo que las escenas de acción en vivo se fusionaran de manera imperceptible con las escenas generadas por computadora, para lograr un todo unificado.

Debido a las múltiples capas de tecnología que se desarrollaron específicamente para este proyecto, AVATAR fue, de lejos, la película más desafiante de Cameron hasta la fecha. Los realizadores se encontraban en territorio virgen, contestando todas sus preguntas conforme avanzaba el proyecto. Dieciocho meses pasaron para desarrollar el “conducto” de captura de actuación antes de que se rodara una sola escena con el reparto. “Siempre he intentado ir más allá”, indica Cameron, “pero en esta ocasión se oponía. Así que tuve que ser más perseverante. Equiparo la experiencia de hacer AVATAR con saltar de un risco y tejer el paracaídas durante la caída”.

Pero estas tecnologías revolucionarias son solamente herramientas en la “caja de herramientas” del realizador, y siempre están al servicio de la historia, la emoción y los personajes. El productor Jon Landau comenta: “A final de cuentas, la reacción que el público tenga con AVATAR no va a partir de la tecnología; va a surgir de los personajes y de la historia que Jim creó. La tecnología le permite a Jim contar una historia que no se podría contar de otra manera”. Cameron añade: “Siempre se reduce a esta pregunta: ¿Es una buena historia? Finalmente, la discusión va a ser acerca de los personajes —extraterrestres y humanos— y sus travesías”.

Landau compara el uso de Cameron de las innovadoras herramientas en AVATAR a la manera en cómo él utilizó los en aquel entonces revolucionarios adelantos en TITANIC, la ganadora del Oscar a Mejor Película. “En ‘Titanic’ Jim utilizó los efectos para que la gente se sintiera parte de la historia; en AVATAR, está usando nueva tecnología para transportar a la gente al futuro, a otro mundo”. Cameron indica, “La tecnología se encuentra a un nivel tan elevado que desaparece, dejando solamente la magia…la sensación de que estás realmente ahí, y de que la historia, los personajes y las emociones son verdaderas”.

• Ficha y trailer de la película

AVATAR se desarrolla en Pandora, una luna con un ambiente parecido al de la Tierra que orbita un planeta gigante, compuesto por gas, llamado Polyphemus en el sistema estelar Alpha Centauri-A. A 4.4 años luz de distancia, Alpha Centauri es nuestro vecino estelar más cercano, y cuando se descubre que Pandora es rico en un mineral llamado Unobtainium (que es muy raro en la Tierra), la carrera comienza para minar los recursos del nuevo mundo. Unobtainium no existe en nuestro sistema solar, pero es la clave para resolver la crisis de energía de la Tierra en el siglo XXII, así que la Administración de Desarrollo de Recursos (RDA, por sus siglas en inglés) se está gastando cientos de billones de dólares para minar el mundo distante. Esta historia se lleva a cabo en el año 2154, tres décadas después de que una colonia de mineros fue establecida en Pandora. La invasión de las actividades humanas en el territorio de los indígenas Na’vi ha generado una tensión creciente entre las dos especies y los ha puesto en camino hacia la guerra.

Por un giro del destino —la muerte de su hermano gemelo— Jake Sully es lanzado en medio de esta tensa situación. Está en Pandora para ser el “conductor” más nuevo del Programa Avatar; un intento de los científicos humanos por crear un “puente de confianza” con los Na’vi, al usar cuerpos avatar diseñados genéticamente para que puedan caminar de manera natural entre estos extraterrestres gigantes. Pero Jake es elegido por el Coronel Miles Quaritch, jefe de seguridad de la colonia humana, para que se infiltre en el clan local y aprenda cómo controlarlos o derrotarlos. Quaritch es el comandante de Secops, la fuerza privada de seguridad que defiende Hell’s Gate contra los feroces depredadores de Pandora y los igualmente inhumanos Na’vi. Son un ejército de mercenarios desaliñados pero bien equipados, con todo y una aeronave de rotor inclinado fuertemente armada y “Trajes AMP” —grandes trajes exoesqueleto de combate.

El haber colocado a Jake en una situación tan volátil Jake es contraproducente ya que resulta ser el “tipo equivocado” para llevarla a cabo. Cuando se debate entre ayudar a los Na’vi y cumplir con las fuerzas de RDA, que están dispuestas a destruir el hogar ancestral de 10,000 años de antigüedad de los primeros, Jake entra en acción. Y se desata el pandemonio.

• Ficha y trailer de la película

James Cameron, el director ganador del Oscar por TITANIC, concibió por primera vez la película hace más de 15 años, cuando las herramientas para plasmar su visión todavía no existían. Después de cuatro años de producción, AVATAR, una película de acción en vivo con una nueva generación de efectos especiales, brinda un nuevo tipo de experiencia cinematográfica totalmente envolvente, donde la innovadora tecnología inventada para hacer la película pasa a un segundo plano ante las emociones de los personajes y la magnitud de la historia.

Conocemos el mundo extraterrestre a través de los ojos de Jake Sully, un ex infante de marina confinado a una silla de ruedas. Pero a pesar de su deteriorado cuerpo, Jake todavía sigue siendo un guerrero de corazón. Es reclutado para que viaje años luz a la estaciona humana en Pandora, donde un consorcio corporativo está extrayendo un mineral raro que es fundamental para resolver la crisis de energía de la Tierra. Debido a que la atmósfera de Pandora es tóxica, han creado el Programa Avatar, en el que “conductores” humanos tienen su conciencia ligada a la de un avatar; un cuerpo biológico controlado a distancia que puede sobrevivir en el letal aire. Estos avatares son híbridos diseñados genéticamente con DNA humano mezclado con DNA de los nativos de Pandora… los Na’vi.

Al volver a nacer como avatar, Jake puede caminar otra vez. Su misión consiste en infiltrar a los Na’vi, que se han convertido en un gran obstáculo para minar el preciado mineral. Pero una bella mujer Na’vi, Neytiri, le salva la vida a Jake, y esto cambia todo. Neytiri aloja a Jake en su clan y éste aprende a convertirse en uno de ellos, lo que trae consigo muchas pruebas y aventuras. Conforme la relación de Jake con su reticente maestra Neytiri se intensifica, aprende a respetar las costumbres Na’vi y finalmente toma un lugar entre ellos. Pronto se enfrentará a la prueba máxima, conforme los lidera a una batalla épica que decidirá el destino de todo un mundo.

“AVATAR es la película más desafiante que he hecho en mi vida”, comenta el escritor y director James Cameron. Y esta es una declaración de peso, dada la fama mundial de Cameron como un maestro en la narración: TITANIC, TERMINATOR, TERMINATOR 2, ALIENS, MENTIRAS VERDADERAS y EL SECRETO DEL ABISMO fueron filmes revolucionarios donde se presentaba una mezcla de espectáculo, narrativa y personajes convincentes junto con una maestría técnica definitivamente al servicio de la historia y las emociones.

Jake Sully (Sam Worthington), la figura central de AVATAR, es un hombre común y corriente con el que todos se pueden identificar, que inesperadamente pasa a convertirse en héroe, una vez que los eventos lo involucran cada vez más en un enfrentamiento de civilizaciones; entre las corporaciones de la Tierra decididas a “desarrollar” Pandora y los indígenas Na’vi. Jake es un ex infante de marina que pone el honor y el deber por sobre todo, pero tendrá que elegir eventualmente entre su honor personal, en defensa de lo que es correcto, y su supuesto deber con aquellos que le encargaron su misión.

“Quería crear un tipo de aventura familiar en un ambiente desconocido”, explica Cameron, “al poner a prueba la clásica historia de un recién llegado a una tierra y cultura ajenas en un planeta extraño. La historia es, por diseño, clásica en cuanto a sus vastos convencionalismos, pero tenemos muchos giros inesperados en puerta para el público. He soñado con crear una película como ésta, que se desarrolle en otro mundo de grandes peligros y belleza, desde que era un niño que leía literatura barata de ciencia ficción y tiras cómicas a granel, sentado en clase de matemáticas dibujando criaturas y extraterrestres detrás de mi libro de texto. Con AVATAR, finalmente llegó mi oportunidad”.

• Ficha y trailer de la película

La cinta fue nominada a seis premios de la Academia y se ganó dos: Mejor música original y Mejor canción original por “Fama”. Las nominaciones restantes fueron por montaje, canción original por “Out Here On My Own”, sonido, guión y guión original.

Contando con una gran cantidad de fanáticos, la cinta tocó la fibra del público y, a lo largo de las siguientes dos décadas, Fama devino en una floreciente industria que se expandió, primero con la serie televisiva -muy popular a lo largo de varias temporadas-, y que siguió existiendo por sindicación y en DVD, como musical de Broadway con gira internacional, e inclusive como un reality show, mucho antes de que American Idol (2002) o or So You Think You Can Dance (2006) se convirtieran en éxitos estables de la televisión. Ahora, casi treinta años después, una nueva generación se calza los zapatos de claqué, se sienta al piano, y agarra el micrófono para hacer ostentación de su material.

El atractivo de la marca FAMA siempre ha residido en la visión de jóvenes con talento persiguiendo sin reposo sus objetivos de triunfo a través del trabajo duro, mientras entretiene y emociona a lo largo de todo el proceso. “Pagan por ello con sudor”. En un mundo de reality shows televisivos y de fama instantánea con sólo pasearse por las alfombras rojas y hacer el numerito patéticamente, y con una generación acostumbrada y cómoda ventilando sus vidas en Internet mediante sites como YouTube, Fama rebate la teoría de los “15 minutos” de Andy Warhol con la idea de la “auténtica y duradera fama”. Actuaciones, carreras y éxitos bastidos sobre la noción del talento innato diligentemente perfeccionado por media de una disciplina de hierro y la práctica incesante.

“He sido un auténtico fan del film original, y ello aunque la naturaleza de la fama haya cambiado enormemente en los últimos 25 años” –comenta el productor Tom Rosenberg–. “Queríamos reseguir el mismo tipo de espectro temporal, lo que quiere decir reseguir a los personajes a lo largo sus cuatro años en el Instituto de artes escénicas. Pero no queríamos imitar el original, queríamos que los personajes fueran nuevos y contemporáneos. Y parte de ello implicaba examinar la naturaleza del talento y del trabajo duro versus fama ‘instantánea’”.

“Cuando Alan Parker realiza el primer filme”, sigue Rosemberg, “la naturaleza de la fama probablemente estaba más ligada al talento de lo que está hoy en día, y existía la idea de que el trabajo duro y la lucha estaban implícitas en la fama. Eso sigue siendo cierto, sin embargo, actualmente la visión que se tiene de ser famoso sin talento se ha generalizado”. Cualquiera con página en un site social conectado a la red deviene instantáneamente ‘famoso,’ y cualquiera con cámara digital resulta un realizador en potencia. “De tal modo que, como en el original, la intención reside en el examen del trabajo y talento auténticos necesarios para ser artista”.

Con miras a reinventar el producto con estilo y energía actuales, los productores recurrieron al experimentado y joven realizador, Kevin Tancharoen, diestro en más de un oficio, quien como sus personajes, tuve que pasar por una audición para obtener el trabajo.

“Era un viernes por la tarde, y teníamos previsto entrevistar a unos 30 o 40 directores”, informa el productor Gary Lucchesi, “pero ninguno parecía el adecuado. Kevin se sentó y comenzó a hablarme sobre su trabajo. Había sido bailarín, conoció a Britney Spears e hizo alguna coreografía para ella, para acabar dirigiendo su gira internacional contando sólo 19 años, lo que es inimaginable”. Su labor como coreógrafo también incluye los enormes shows con ‘N Sync y trabajo para Madonna, además de dirigir la gira “Onyx Hotel” de Spears. “Le hablamos de su trabajo con Jennifer López dirigiendo Dancelife, y de su trabajo con The Pussycat Dolls; y le preguntamos de dónde era. Era de Los Ángeles, había crecido en el negocio cinematográfico, pero no era parte de la ‘élite’ privilegiada, sino del sector responsable y trabajador, lo que me parecía absolutamente fascinante”.

Lucchesi le pidió a Tancharoen que le enviara “todo cuanto hubiera dirigido”.

“Al día siguiente, llegó ese sobre grueso. Nos impresionó no sólo la coreografía sino el modo en que había rodado la danza y las escenas dramáticas. Mostré la labor de Kevin a Tom, y estuvimos de acuerdo de que se trataba del director que estábamos buscando”.

Pese a que FAMA es el primer largo de este director de 24 años, su actividad pasada, una mezcla de música, danza, y cultura pop, es la combinación perfecta de experiencia de la que obtener cuanto precisa un filme como FAMA. Pero con independencia de que todo su savoir faire contribuía a prepararle para la empresa, fue el hecho de que Tancharoen conectaba con el material de un modo tan personal lo que hace que esté convencido de que le convertía en el tipo adecuado para el trabajo.

“Antes de ser coreógrafo, era ese bailarín con número en el pecho que espera descubrir si estará a la altura”, comenta Tancharoen. “Era un crío con mucho vigor, y mi hermana estaba en un grupo que cantaba que se llamaba ‘Pretty in Pink’ Tenía que ir con ella a los ensayos, después del colegio, y con toda esa energía a punto de explotar, tenía que hacer algo, de tal modo que acabé tratando de seguirles y me gustó. Mi madre me obligó a tomar clases de danza y artes marciales y me divertí con ello. Todo esto acabó conduciéndome a algunos trabajos de manera profesional, lo cual me llevó a mi interés por la música. Compré algo de equipo y empecé a producir canciones”.

“Y siempre me han gustado las películas”, continúa. “Mi padre es jefe de transportes en los rodajes de películas, de tal modo que le visitaba a menudo en los platós. El mayor, para mí, fue BATMAN VUELVE (BATMAN RETURNS, 1992). Recuerdo estar caminando por el plató mientras se dedicaban a llenarlo de nieve, y ahí estaba Arnold Schwarzenegger paseándose con un puro, y también el Pingüino y Catwoman. Era increíble, y esa magia del cine todavía me fascina, y ciertamente ha influido en mi trabajo”.

“Para esta película, hasta cierto punto, vivía mi propio historia a lo FAMA. He estado haciendo esto desde que tenía ocho años, y no he cesado de trabajar en lo mismo, aprendiendo nuevo material, siendo aleccionado por grandes profesores y mentores. Cada factor de todo ello me llevaba a dirigir esta película”, comenta Tancharoen.

Tancharoen se muestra de acuerdo en que el panorama ha cambiado mucho desde los días del FAMA original por lo que se refiere a lo que el público espera de una película llena de danza, música, y drama. Con todos esos reality shows compitiendo en televisión, “The History of Dance” y su émulo en la web, y películas de gran éxito como Save the Last Dance (2001) y Step Up. Bailando (Step Up, 2006), “todos los géneros de interpretación de la danza y la música se han expuesto de maneras realmente entretenidas y de alcance masivo”, comenta. “Ahora tenemos un público más educado; el listón ha subido. Hemos visto a gente desafiando la física dando vueltas sobre sus cabezas, deslizándose a través del suelo. Hemos presenciado a cantantes de gran audacia y brillantez, desde el rock al country, pasando por el rap”. Tancharoen quería asegurarse de subir el listón en su propia película; ése era uno de sus mantras efectivos durante la producción.

Dicho esto, con todo lo “nuevo”, quería asegurarse de mantener la película aferrada a lo que la hace única e irresistible. “Cuando la Fama original se estrenó” –comenta–, “era una novedad. Significaba que el musical cambiaba desde los clásicos de la MGM de la década de los cincuenta. Asimismo, mostraba en qué consistía ser un artista adolescente luchador, dispuesto a todo con tal de llegar, y aún así no estar seguro del éxito. Eso no lo afronta cualquiera. Creo que lo que estamos tratando de hacer es volver a captar la esencia de esa idea y casarla con la danza y los estilos de interpretación actuales. No se trata tan sólo de la danza y las canciones, están las historias que hay tras la danza y las canciones”.

Con el objetivo de mostrar la lucha de esos jóvenes artistas, Tancharoen quiso unir a un conjunto de principiantes con talento que, en muchos aspectos, presentaban en su vida real semblanza con sus personajes. Los jóvenes intérpretes de la película en muchos aspectos viven en la realidad lo que sus personajes en la pantalla están pasando, lo cual confiere a las historias de la película honestidad e inmediatez emotiva. “El reparto aporta autenticidad a los personajes”, informa Tancharoen. “Entienden este mundo. Esencialmente, ellos mismos son los personajes de la película”. Los actores sintieron que vertían mucho de sí mismos en sus respectivos personajes, y ello hizo que el proyecto deviniera increíblemente especial para cada uno de ellos, al personalizar sus papeles.

Las cintas originales se encuentran actualmente registradas como pruebas en el Departamento de Policía de San Diego.

Un rodaje relámpago que se convierte en una odisea
Para el guionista y director Peli, el terror está en casa. Literalmente. Como en su casa ubicada en un suburbio de San Diego, donde, en 2006, se fotografió ACTIVIDAD PARANORMAL en tan solo siete días con un equipo de tres personas en el que estaban los coproductores Toni Talylor, la novia de Peli por aquel entonces, y Amir Zbeda, que hoy en día sigue siendo el mejor amigo del director.

Peli, cuyo nombre significa “maravilla” o “asombro” en hebreo, nació en Israel y dejó el colegio a los dieciséis años para crear su propia compañía de software. Tres años más tarde, él y Zbeda emigraron a EE.UU., donde Peli diseñó programas de animación y videojuegos, viviendo en pequeños departamentos rentados, hasta que conoció a Taylor y la pareja decidió asentarse.

Los recuerdos de Peli de aquella búsqueda de un primer hogar están teñidos de la inquietud originada por lo que, desde entonces, se ha convertido en un conocido mal: el boom inmobiliario en el sur de California. Fue en aquel entorno de lucha encarnizada donde Peli y Taylor hicieron sus primeras ofertas para varias casas, siendo ignorados en todas las ocasiones.

“Así que cuando apareció esta casa, actuamos rápido, ofrecimos el precio que pedían y cerramos el trato enseguida”, recuerda.

“Era la primera vez que vivía en una casa. Hasta entonces sólo había rentado departamentos pequeños. Y pronto aprendí que, sobre todo en las zonas residenciales tranquilas, se oye hasta el ruido más pequeño, especialmente por la noche”.

“La casa, o más bien el terreno de alrededor, estaba en construcción. Las cosas se caían de las repisas en mitad de la noche. No digo que hubiera un fantasma o algo así, porque los incidentes, o como se quiera llamarlos, ocurrían con meses de intervalo”.

Por otro lado, Taylor recuerda que, al igual que Katie en la película, ella se había sentido “poseída” durante años, mucho antes de conocer a Peli. “Me gusta pensar que sirvió de inspiración para la película”, dice.

También comenta que ella quería hacer reformas en la casa inmediatamente al mudarse, mientras que Peli quería esperar. Y vaya si esperaron.

Durante los dos años siguientes, aquellos ruidos nocturnos, aunque intermitentes, prosiguieron. “Como me gusta la tecnología, pensé que estaría muy bien instalar cámaras de vídeo para averiguar lo que pasaba”, dice Peli con una sonrisa. “Si las cámaras captaban algo bueno, pensé que con ello se podría hacer una película bastante interesante. Y con El proyecto de la bruja de Blair se había demostrado que si una película que aparentemente se había hecho con material encontrado está bien hecha, puede tener muy buena respuesta del público”.

Esta no es la primera vez que Peli menciona esa película, de la que es un auténtico fan y en la que se ha inspirado para hacer ACTIVIDAD PARANORMAL.

Cuando terminó el guión, Peli se puso finalmente de acuerdo con Taylor: era hora de hacer esas reformas en la casa. La pareja puso un nuevo suelo de madera, colgó algunos cuadros en las paredes y cambió su dormitorio. Taylor y Zbeda incluso construyeron una güija que juega un papel fundamental en la historia.

Hoy, Taylor, es asesora de telecomunicaciones a través de su propia empresa, la cual dirige, cuenta que se sintió “un poco resentida” por el hecho de que las obras se hicieran más por la película de su novio que por su deseo de crear un hogar. Pero también recalca que ella era –y sigue siendo– una gran admiradora de la película y de la carrera de Oren.

Más o menos en la época en la que instalaron el nuevo suelo de madera, Peli hizo un casting en San Diego, pero le decepcionó que la mayoría de los actores que se presentaron fueran de Los Ángeles. A continuación, realizó un casting maratónico en Hollywood al que se presentaron 150 candidatos, entre los que Peli descubrió a Katie Featherston y Micah Sloat.

“Fueron de los pocos actores que vimos que enseguida se metieron en el personaje cuando les hicimos la pregunta estándar que era: ‘Dime por qué piensas que tu casa está encantada’”.

“Después, cuando juntamos a Katie y Micah, resultaban totalmente convincentes como pareja que llevaba junta años”, dice Peli. “Contaban anécdotas de sus vacaciones y decían que la madre de Katie no aprobaba que vivieran juntos. Llegaron con unos antecedentes muy elaborados de sus personajes. En ese momento fue cuando le di luz verde a la película en mi cabeza, porque no iba a hacerla a menos que encontrara actores que la sacaran adelante”.

El objetivo último de Peli para esa semana de rodaje era lograr unas secuencias que resultaran “muy orgánicas, no quería que los actores se preocuparan de la iluminación o del ángulo de la cámara ni nada parecido. Al mismo tiempo, no quería que no salieran bien. Todo radicaba en la actuación y en no distraer a los actores con cuestiones técnicas”.

Una gran excepción fue la larga toma estática en la que Micah instala la cámara sobre un tripie en su habitación. “Había trabajado en esa toma durante meses”, explica Peli. “Había probado todo tipo de iluminación; tenía que ser natural, así que acabé utilizando las luces que Toni usaba para fotografiar sus trabajos de joyería (Katie en la película trabaja con cuentas). Después, en la fase de posproducción utilicé filtros hasta que funcionó. Apenas debía verse lo que pasaba en ese dormitorio pero sí tenía que haber un poco de luz para que el público viera algo”.

Sloat tenía que captar la acción fuera del dormitorio de su personaje. Y por casualidad, el actor había trabajado como camarógrafo en la cadena de televisión de su instituto.

“Encuadraba bien los planos–a veces demasiado bien– y tenía que pedirle que cerrara el objetivo y que sólo apuntara y rodara”, recuerda Peli riendo.

Aunque Peli notaba que Micah y Katie apenas necesitaban ser dirigidos, estableció algunas reglas: podían improvisar pero no utilizar el nombre del otro sin necesidad y no debían exponerse de forma forzada.

Peli aplicó normas similares al diseño de la producción y del sonido. “Como ocurre con El proyecto de la bruja de Blair y Open Water, quería que en la película apenas hubiera sangre. Esas son las películas de terror que me gustan; no hay que llevarlas al límite. También quería que los efectos sonoros fueran sutiles. Establecimos el ruido de fondo del dormitorio y luego metimos un ruido sordo de baja frecuencia, que es en realidad todo lo que se necesita. El hecho de que en la película haya muchas escenas completamente silenciosas obliga al público a estar callado y atento a cada detalle. El silencio no hace sino enfatizar ese ruidito en la pared que no tendría por qué existir”.

Según Peli, la producción fue tan sigilosa, que los vecinos nunca supieron que él estaba rodando una película. Ni nadie. “La única razón por la que les dije a mis padres que estaba haciendo una película es porque nos visitaron cuando estábamos preparando la casa. Cuando decido hacer algo, no me gusta hablar de ello”, explica Peli, “porque cuando hablo, acabo no haciéndolo. Así que cierro la boca y lo hago”.

Después de tan sólo siete días de rodaje, asistido por Taylor y Zbeda que aportaron desde ideas para la historia y parte de la ejecución de las escenas peligrosas, Peli estaba listo para cargar el material en el software de edición Sony Vegas en la PC de su casa.

Pero el proceso de edición se reveló tan difícil para Peli como fácil había sido la producción. No tenía confianza en sí mismo y tardó mucho en lograr un corte que le fuera satisfactorio.

“Cuando estaba editando la escena en la que la puerta se cierra de golpe”, recuerda, “un día me decía a mí mismo que era maravilloso y que ya podía dejar mi otro trabajo, pero al día siguiente lo miraba y me parecía que era una tontería y que nadie iba a querer comprarlo”.

Presentó ACTIVIDAD PARANORMAL a “cuatro o cinco festivales” que seleccionó en la guía Ultimate Film Festival Survival Guide de Chris Gore y sólo fue aceptada en uno, Screamfest, un festival moderno y pequeño para películas de terror caseras y de culto que tiene lugar en octubre de cada año en el legendario Teatro Chino de Hollywood Boulevard.

Peli reconoce ahora que no estaba suficientemente preparado para el estreno público de su película en 2007, y se sintió “aterrado” cuando la fundadora del Screamfest, Rachel Belofsky, “le obligó” a enviar un DVD de su película a Steve Barton, director de la conocida página web Dread Central. Al final, la cosa resultó bien: Barton y otra gente de la página web fueron los primeros en elogiar Paranormal Activity, y no sólo en su presentación en el Screamfest, sino durante el siguiente año y medio en el que Peli luchó para que se estrenara.

“Ver ACTIVIDAD PARANORMAL con un público que pagó su entrada, que se tapaba los ojos y reaccionaba con todo el cuerpo es una experiencia que nunca olvidaré”, recuerda Peli. “Esa primera proyección fue muy emocionante”, añade Toni Taylor. “Me sorprendió cómo la gente se reía de Micah”.

Después de esa primera proyección, Peli recuerda que se le acercaba todo tipo de gente, hombres y mujeres de 20, 30 y 40 años, diciéndole que les había costado dormir por la noche, a veces durante varias noches. “Al principio no sabía si lo decían sólo por amabilidad, pero me lo siguieron diciendo durante bastante tiempo”., dice.

“Pronto fue evidente que la gente acogía favorablemente la película”, prosigue Peli. “Escribían incesantemente en el blog de nuestra modesta página web para preguntar cómo podían ver la película. Y yo no tenía respuesta”.

“Era surrealista”, comenta Peli. “Había visto muchas películas en cines llenos a rebosar y nunca había visto una reacción como esa. Empecé a pensar en ACTIVIDAD PARANORMAL en términos comerciales. Soy muy terco, y cuando tengo una idea hay forma de disuadirme”.

Los elogios recibidos a raíz del Screamfest, ayudaron a Peli a encontrar agente en la CAA1; ayudaron a la película a hacerse un hueco en el festival Slamdance en enero de 2008 y atrajeron la atención de Steven Schneider, un teórico convertido en productor, licenciado en Filosofía en Harvard y en Estudios Cinematográficos por la NYU, cuyos numerosos libros sobre el género de terror le llevaron de Nueva York a Hollywood en 2003. Era sólo cuestión de tiempo antes de que las agencias y estudios recurrieran a CAA1: Creative Artist Agency, una de las más importantes agencias de representantes de actores y deportistas de EE.UU.

Schneider buscando proyectos como el de Peli, susceptibles de ser adquiridos o para inversión.

Schneider recuerda que, literalmente, sacó el DVD de ACTIVIDAD PARANORMAL “de una pila de proyectos recibidos” y lo vio solo aquella noche en casa. “Recuerdo que pensé que el director le pide al público que sienta lo que esta pareja está sintiendo”, dijo Schneider recientemente al ser cuestionado por sus primeras impresiones de la película. “Pero lo que de verdad me enganchó fue la escena de la primera noche, después de que Micah pusiera la cámara en el tripie. Hemos visto muchas películas de terror en las que la cámara es sostenida en la mano y va girando, por lo que ese plano estático casi parecía subversivo. Me di cuenta de que el director tenía intuición para crear suspenso. Poco a poco, la película me fue absorbiendo, mi miedo fue en aumento, y la forma tan clínica de rodar de Oren, junto con el trabajo naturalista de Katie y Micah, me afectó mucho. No pude dormir”.

“Una de mis principales labores como productor”, dice Schneider, “es encontrar material nuevo y eficaz del género. Cuando aparece algo como ACTIVIDAD PARANORMAL y básicamente funciona, el sentimiento de descubrimiento es estupendo”.

Schneider compartió ese sentimiento estupendo con el productor Jason Blum, con quien tuvo un proyecto en común cuando trabajaba en la Paramount. A partir de ahí, todo cambió, tanto para Peli como para Blum.

Dirige Jieho Lee (Nueva York, 1973) tras el corto A NURSERY TALE (1999). Lee es un coreano-americano que se licenció con doble especialización, en cine y literatura (Facultad de Filosofía y Letras) por la Wesleyan University (Middletown, Connecticut), para ir en pos de su educación cinematográfica en la Universidad de Nueva York y en el extranjero, en Jerusalén. Tras licenciarse, Lee comenzó como montador en una empresa pequeña de Nueva York, y tras seis meses comenzó a dirigir anuncios de venta al por menor para clientes como Tommy Hilfiger, Ralph Lauren, y Victoria’s Secret, entre otros. Su siguiente proyecto fue el mediometraje en 35 mm (30 minutos), A Nursery Tale (1999), que se proyectó en 2002 en el Festival de cine de Sundance. Lee prosiguió con la obtención de un Máster en administración de negocios por la Harvard Business School de Cambridge, Massachussets. Luego, el director se trasladó a Seúl, Corea, donde tuvo ocupación estable dirigiendo videos musicales así como producciones comerciales para los mercados coreano y asiático; contándose entre sus logros dos vídeos musicales top ten emitidos por Star TV Channel V de Asia, y una candidatura al mejor vídeo musical del canal musical de televisión MNET, de Corea. Lee volvió a instalarse en Los Ángeles para llevar a cabo éste, su primer proyecto de largometraje.

Está protagonizada por Kevin Bacon (SENTENCIADO A MORIR, RÍO MÍSTICO, EL HOMBRE SIN SOMBRE, Julie Delpy (ANTES DEL ATARDECER, UN HOMBRE LOBO AMERICANO EN PARÍS), Brendan Fraser (CORAZÓN DE TINTA, VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA 3D, LA MOMIA 3 LA TUMBA DEL EMPERADOR DRAGÓN), Andy García (AHORA SON 13) y Sarah Michelle Gellar (VISIONES MORTALES, SCOOBY DOO, SÉ LO QUE HICIERON EL VERANO PASADO).

Les acompaña en el reparto Forest Whitaker (REYES DE LA CALLE, EL ÚLTIMO REY DE ESCOCIA).

El guión es del propio director en colaboración con Bob DeRosa, quienes estuvieron trabajando en el mismo a lo largo de seis años y se basa en un proverbio asiático que clasifica la vida en cuatro emociones: felicidad, tristeza, placer y amor. La película se compone de cuatro segmentos, cada uno de ellos centrándose en un personaje que representa una de esas emociones.

La cinta es el resultado de un largo trayecto que ha requerido dos años. El guión, escrito por Bob DeRosa y el coguionista y director Jieho Lee, era uno de los favoritos entre los más destacados talentos de Hollywood, sin embargo, los estudios lo consideraban un proyecto muy arriesgado, tanto más si además quien iba a dirigirlo era un director debutante.

El director de fotografía es Walt Lloyd y la banda sonora está compuesta por Marcelo Zarvos (EL BUEN PASTOR, HOLLYWOODLAND).

• Ficha de la película
• Ver trailer

DIARIO DE UNA NINFÓMANA es una producción de Canónigo Films y Filmax Entertainment, dirigida por Christian Molina basada en el best seller homónino de Valérie Tasso. Reúne a un conocido elenco internacional que incluye a Belén Fabra, Leonardo Sbaraglia, Angela Molina y Geraldine Chaplin, entre otros.

Los actores
Belén Fabra es una actriz catalana nacida el 3 de noviembre de 1977 en Tortosa (Tarragona), España. Desde su juventud tenía claro que quería dedicarse a la interpretación, obteniendo pequeños papeles en numerosas obras de teatro. El éxito le llegaría tras el reconocimiento de la crítica por su papel en “Plataforma”, obra teatral de Calixto Bieito basada en la novela de Houellebecq del mismo nombre, que obtuvo un total de 11 nominaciones en los Premios Max de Teatro de 2008. El salto al cine de la actriz catalana se produce en 2007, realizando papeles secundarios en PACTAR CON EL GATO y CANCIONES DE AMOR EN LOLITA’S CLUB. En 2008 obtiene su primer papel principal en la gran pantalla en DIARIO DE UNA NINFÓMANA.

Leonardo Sbaraglia es un actor argentino, nacido el 30 de junio de 1970 en Buenos Aires. Estudió teatro y debutó en el cine en su país natal a los 16 años. Leonardo es hombre de teatro; entre otros títulos participó en: “La Soledad de los Campos de Algodón” y “Closer”. Su éxito en el cine español empezó con PLATA QUEMADA de Marcelo Piñeyro, por su extraordinaria interpretación como El Nene (con Eduardo Noriega como Ángel).

Ángela Molina, hija del cantante y actor Antonio Molina, nació el 3 de octubre de 1955 en Madrid, dentro de una familia muy relacionada con el teatro porque además de la vinculación artística de su padre, sus hermanos Miguel, Paola y Mónica son también actores. Estudió ballet, danza española y arte dramático en la Escuela Superior de Madrid. Su debut cinematográfico se produjo en la película NO MATARÁS (1974), cuando sólo contaba 19 años. Sin embargo, será en 1977 cuando se produzca su éxito definitivo en el cine cuando fue elegida por Luis Buñuel para ser la protagonista de la película ESE OSCURO OBJETO DEL DESEO. A partir de entonces se da inicio a una impresionante carrera cinematográfica por la que han pasado directores tan conocidos como Manuel Gutiérrez Aragón, José Luis Borau, Jaime de Armiñán, Jaime Chavarri, Bigas Luna, Ricardo Franco o Pedro Almodóvar. Su talento y su versatilidad le ha abierto las puertas del cine internacional y de este modo ha participado en películas realizadas en Italia, Alemania y Francia. Ángela Molina combina a la perfección un temperamento vivo y enigmático con un aspecto dulce y suave. Entre sus interpretaciones destacan LA SABINA, DEMONIOS EN EL JARDÍN o CARNE TRÉMULA. Probó también suerte en el mundo de la canción pero no tuvo demasiado éxito. Una anécdota destacable en su carrera fue su negativa de seguir protagonizando LAS EDADES DE LULÚ de Bigas Luna por considerar que habría escenas demasiado eróticas. Se le han otorgado dos premios en el Festival de cine de San Sebastián, Nueva Delhi y un David de Donatello lo que viene a confirmar la consolidación de una de las carreras cinematográficas más sólidas.

Geraldine Chaplin es la mayor de los ocho hijos del matrimonio formado por Charles Chaplin y Oona ONeill nació el 31 de julio de 1944, en Santa Mónica, EE.UU. y se trasladó a Suiza en 1952, poco después de haber trabajado junto a su padre en Candilejas. Estudió danza en Londres y llegó a ser bailarina de gran éxito. En 1963 protagoniza su primera película, LOS MIL DÍAS DE ANA BOLENA, con la que inicia una dilatada carrera cinematográfica. Recientemente le ha sido otorgada la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas.